FRAGMENTOS, el Blog de Ángel Silvelo Gabriel

EL CONFERENCIANTE

2012-01-27T12:00:00.000+01:00

Él terminó de exponer su alegato de defensa como si acabara de dar una conferencia, y lo hizo sin derramar una sola lágrima. Ella sabía que si no lo había hecho, no era por falta de ganas, sino porque su férrea doctrina labrada bajo las manos firmes de un severo juez, no le permitía tales deslices. En apariencia nada era distinto, sólo un desahucio más. Pero su frágil memoria, le avisó que ahora sería él quien pagaría el pato, que como una apisonadora, le aplastaba las rejillas de sus recuerdos. Ella le miró a los ojos, y no supo reconocerle bajo ese tamiz blanquecino en el que se había transformado su pelo. Sí, él era su padre, un abogado que se había convertido en un conferenciante de alegatos sin defensa, y que despojado de su memoria y de su auctoritas, ahora sólo le quedaba espiar su maltrecho pasado.

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

KUVE EN EL IV FESTIVAL SUBTERRÁNEO EN EL COSTELLO CLUB: LOS REFLEJOS MUSICALES DE LO QUE PROMETE SER UN GRAN DISCO.

2012-01-24T20:06:00.001+01:00

Kuve, inauguró anoche en la Sala Costello de Madrid, la IV edición del Festival Subterráneo; un evento que intenta acercarnos a los nuevos valores de la música española de una forma abierta y sin tapujos a través de los conciertos en directo. Maryan Frutos y Carlos Otero (Kuve) basaron su actuación en los temas de su primera maqueta denominada como ellos mismos, Kuve, y que ya tuvimos la ocasión de escuchar el año pasado. Unas canciones, a las que en esta ocasión, unieron la presentación de tres temas nuevos, sin duda lo mejor de la noche, pues se comportaron como los reflejos musicales de lo que promete ser un gran disco de canciones que contienen el perfecto binomio de la dulzura (en la voz de Maryan) y la garra (en las cuerdas de la guitarra de Carlos). Un cóctel cuyo resultado final son composiciones rabiosamente pop, que tal y como nos confesaron en el camerino al final del concierto los propios Maryan, Carlos y Mr. Kuve (Sean Frutos), serán el eje de su nuevo trabajo junto a temas que ayer todavía no nos mostraron, pero que por lo que escuchamos, se mueven en ese nuevo ámbito de la fuerza y la necesidad de búsqueda de unos sonidos francamente mágicos, porque se sumergen en espacios sugerentes y provocadores de buenas sensaciones (esas que te hacen sentir mariposas en el estómago), características ambas, que toda gran canción deben tener. Algo que nos quedó más que claro, cuando nos deleitaron con un futuro hit llamado Tu último domingo, donde todo gravita entorno a las aristas de una voz intensa (Maryan incluso cambia su forma de interpretar, aunque no las grandes dotes de su voz) que se hace acompañar por la guitarra de Carlos, que en este tema, se ha trasladado a los lugares donde habitan los ecos de las grandes canciones pop de siempre.

Pensando en ese futuro disco que comenzarán a grabar el próximo abril, y suponemos que bajo la tutela en la producción de Raúl de Lara (productor de Second), iniciaron su actuación con un sonido más directo y contundente, lo que ya pudimos apreciar en Nadie te dijo, tema con el que abrieron su concierto ayer en la Sala Costello, y que nos avisaba que algo se ha estado moviendo en las entrañas de Kuve en los últimos meses. Final feliz o Para ti fueron la constatación para los presentes de unos encuentros felices entre voz y guitara, que anoche fueron acompañadas por un bajo y una batería, y que lograron plasmar unas versiones más limpias de las canciones, con un final en Para ti mucho más guitarrero y auténtico a la versión original de la maqueta, lo que empieza a dotar a Kuve de un sonido más definido, por propio, y que En cualquier ciudad supuso la demostración de las grandes dotes de cantante que atesora una alegre y simpática Maryan Frutos, porque como dice el refrán: de casta le viene al galgo, pues para quien suscribe, su hermano Sean Frutos (cantante de Second) tiene la voz más personal y emblemática del panorama musical español.

Fotorrecuerdos, una buena balada pop, anoche se convirtió en una canción con mucha más energía y garra, y fue la antesala del gran momento de la noche cuando sonó Tu último domingo, magnífico ejemplo de lo que debe ser y a buen seguro será el sonido más próximo de Kuve, puro y pleno de fantasía y fuerza, que en Tú nos llevó hasta las mejores resonancias pop anglosajonas reconvertidas en notas cálidas que buscan la rendición de las travesuras inconfesables. Con Regresión, Maryan vuelve a demostrarnos las cualidades de su potente voz, y Carlos la mejoría en las armonías que le ha introducido al tema.

La buena marcha del concierto, se acrecentó cuando sonó Peleando a la contra (otro de los temas nuevos), una sinfonía que nos demuestra el por qué estamos ante la búsqueda de ese nuevo sonido en Kuve, porque los inicios de una canción tranquila se transforman en un ciclón pleno de fuerza, con un ritmo elevado y más que notable (¡chapó!), y que apenas se interrumpe cuando suenan las primeras notas de un potente bajo en Seguirás corriendo, que se manifiesta dinámica, rítmica y efusiva. Una excusa perfecta para llegar a Siluetas de invierno, la tercera y última demostración de lo ya reseñado, porque esta nueva canción incide más y más en ese interesante y más maduro sonido de Kuve que parece haber tomado alas para salir volando hacia un espacio genuino y propio que les hace ser muy suyos, por auténticos. Una virtud que no se perturbó cuando tocaron Dando vueltas, hasta ahora, su tema estrella, y que ayer sonó como el resto de las canciones, densa, intensa y llena de nuevos matices, como las nuevas canciones de Kuve, porque ayer fuimos plenamente conscientes, que estábamos siendo testigos directos de los reflejos musicales de lo que promete ser un gran disco.

El resto del IV Festival Subterráneo en el Costello Club queda como sigue (los conciertos comienzan a las 21:30 h.):

Martes – LABUAT

Jueves – PASAJERO

Viernes - LOS PEDALES

Sábado – LOUISIANA

Domingo - WILLY NAVES.

Crónica de Ángel Silvelo Gabriel.

EL TIEMPO Y LOS CONWAY: LA TRILOGÍA DEL TIEMPO (PASADO, PRESENTE Y FUTURO) A ESCENA.

2012-01-24T12:09:00.000+01:00

¿Qué es la vida?, o ¿qué es el tiempo? La vida como resultado final de la responsabilidad de nuestros actos y acciones. El paso del tiempo como un bucle asesino que nos descabeza las esperanzas. El tiempo y los Conway es todo esto y mucho más, porque su decadencia te conmueve, sus sueños rotos te rasgan por dentro, y la teoría de Dunne sobre el tiempo te fascina. En definitiva, “el tiempo como chivo expiatorio de nuestros fracasos, miserias…” En esta obra de teatro, el presente se da de bruces con el falso espejismo del futuro; un futuro que no es cualquier cosa, porque es el reflejo de todos nuestros sueños… de una vida soñada a la que cada uno de nosotros es incapaz de renunciar, porque sabemos que renunciar es morir. La vida atrapada en la jaula de la teoría temporal de Dunne. Una teoría del tiempo en la que no sólo Priestley cayó para no volver jamás a salir de ella, sino que escritores como Borges, también expiaron en alguna de sus obras. Como dice el maestro Javier Villán en el diario EL Mundo “el tiempo no pasa; es en todo caso, el eterno retorno”.

El tiempo y los Conway también es puro teatro. Esa genialidad a la que ya nos tiene acostumbrados un Pérez de la Fuente, distinto, original, intrépido, magistral, inolvidable… El montaje acertadísimo, pulcro y eficaz, con una iluminación que nos tapa para luego mostrarnos, y un telón que como una mueca de la realidad nos exhibe una larga sonrisa en color rojo, y a la que podríamos atribuir el poder de la continuidad, del paso del tiempo. ¿Y la dirección de actores? Inteligente, medida, acertada, magnífica… porque en El tiempo y los Conway es una gran obra de teatro de actores, a los que de nuevo Pérez de la Fuente ha sabido dar a cada uno su sitio y a cada uno su voz, con un resultado más que destacable en el conjunto, del que sobresale Luisa Martín, nuestra popular Juani, que aquí se nos muestra como una gran dama del teatro, joven, vieja, tierna, cruel, madre, amante…

Como dice el propio Juan Carlos Pérez de la Fuente “el gran teatro no es el que te da respuestas, es el que te remueve” y El tiempo y los Conway lo hace, porque te replantea toda una existencia, toda una vida, y más ahora en los tiempos de crisis en los que nos encontramos, pues es en este escenario, donde el ser humano se replantea muchos por qués y busca una salida, que como en este obra de Priestley, pueden venir a través del tiempo y su trampa, pues nadie quiere acabar aplastado por las paredes de su propia casa cuando éstas se erigen como jueces de toda una saga familiar.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

LOS DESCENDIENTES: UNA VISIÓN DE LA VIDA DESDE EL OTRO LADO DEL PARAÍSO.

2012-01-23T19:07:00.000+01:00

¿Paraíso?, el paraíso puede irse a la mierda. Esta es una de las contundentes frases con las que se inicia el film con la voz en off de este magistral actor y comediante llamado George Clooney. Desterrados de la idea de felicidad, tal y como nos la habían contado una y mil veces, en tiempos de crisis como los que vivimos se nos invitaba a mirar y valorar “todo” desde otro punto de vista. Este desnortado objetivo nos deja sin rumbo… a la deriva; y eso es lo que le ocurre a Matt King (George Clooney), que inmune a las caricias de lo que llamamos paraíso, se ve obligado a buscar un nuevo sentido a la vida cuando su mujer sufre un accidente y “todo” deja de ser como él lo tenía estructurado. Una vez más, el acierto de Alexander Payne se encuentra en ese equilibrio de tragicomedia con el que nos presenta sus películas. La vida es una tragedia con unas pocas dosis de humor ha declarado el guionista y director cuando ha presentado este film; y no parece faltarle razón, tal y como transcurre la acción de Los Descendientes, donde los desengaños a los grandes principios que rigen nuestras vidas, se salpican de pequeños rayos de luz donde la sonrisa se hace un hueco.

Una de las grandes tragedias de la civilización actual, postindustrial y postmoderna, es que sólo busca refugio en la sencillez de las pequeñas cosas cuando todo está perdido. La derrota y su posterior digestión es lo único que nos hace mirar de nuevo hacia lo que antes de la hecatombe nos hartamos de decirnos (a nosotros y a los demás), que es lo verdaderamente importante. En este saco de sensaciones que representa Los Descendientes, Payne rediseña con inteligencia el formato clásico al que estamos acostumbrados, para mostrarnos este asalto de combate contra el fracaso, y así, en vez de una mujer hundida, escoge a un hombre, que para colmo tiene dos hijas adolescentes a las que casi no conoce porque ha permanecido casi toda su vida con las narices pegadas a los papeles de su despacho (¿eso es lo verdaderamente importante?). Perdido, busca auxilio en las dos; en una más que meritoria Shailene Woodley (Alexandra) y en una dulce Amara Miller (Scottie). Pero ese grupo de detectives sentimentales no sería tan tragicómico, si no contase con un contrapeso adecuado que ejerciera como contrapunto del gran George Clooney, y en este caso, su contrincante masculino es un joven Nick Krause (Sid) que pone con acierto ese otro punto de vista a la historia trágica y existencial de Clooney.

Con todo, le falta algo a esta película para elevarla a la categoría de obra maestra, cuando tiene todos los ingredientes para ello. Quizá en su aparente simplicidad se encuentra gran parte de su éxito y el lleno inusual de las salas de cine donde la están proyectando; un éxito que a buen seguro no se debe únicamente al cierre de Megauload como apuntan los más irónicos, pero que tal vez también ese sea su talón de Aquiles, porque en esa ausencia de unas pequeñas dosis de complejidad y trascendencia que te dejen con el corazón abierto o el alma en un puño se fuga una parte del recuerdo imborrable que toda gran película te deja la salir de la sala de cine, lo que no es óbice para seguir recomendando ésta más que notable visión de la vida desde el otro lado del paraíso.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

ENTREGA DEL TRIPLE DISCO DE ORO A AMARAL.

2012-01-22T21:52:00.005+01:00

El grupo AMARAL recibirá el próximo martes, 24 de enero un triple disco de Oro por la venta en España de más de 60.000 copias de su último trabajo, “Hacia lo salvaje” (Discos ANTÁRTIDA/ Altafonte). Además, el grupo recibirá también un disco doble de Plata europeo, concedido por IMPALA (Asociación europea de sellos independientes).

La entrega se realizará en el espacio UFI de la Música, Plaza Matute nº 12 en Madrid, el próximo martes 24 de enero a las 12:30h del mediodía. Los encargados de entregar los galardones serán Fernando Luaces, Director de la distribuidora Altafonte junto a Mark Kicatt, Presidente de la UFI (Unión Fonográfica Independiente).

Este ha sido sin lugar a dudas el año de AMARAL, con la publicación de su nuevo disco, “Hacia lo salvaje” que consigue estos Premios a los 3 meses de su publicación, el pasado 27 de septiembre 2011. Durante 4 semanas consecutivas el disco se mantuvo en el nº 1 de las Listas de venta del Mercado español y después permaneció más de un mes en el Top 10 de ventas. También se colocó en el nº 1 de las Listas de I-tunes como el álbum digital más vendido.

La Gira Presentación del disco, que todavía continúa, y que ha recorrido gran parte de la geografía española ha colgado el cartel de “no hay entradas” en el 90% de sus conciertos, con gran éxito de público y crítica. Y también ha sido el primer grupo español, elegido por la plataforma internacional Youtube.com para retransmitir unos de sus conciertos a nivel mundial –celebrado el pasado 21 de Octubre en el Centro Cultural Niemeyer de Avilés-.

Amaral ha firmado uno de los mejores discos de las últimas décadas y además, lo ha hecho desde la independencia, montando su propio sello, Discos ANTÁRTIDA y gestionando todo el proceso desde el inicio hasta el momento en el que nos encontramos. AMARAL ha sido capaz de trasmitir al equipo humano que ha trabajado en este proyecto, confianza, ilusión, fuerza, pasión, entrega y cariño. Los artistas han arriesgado y han querido ir más lejos, en lo musical y en el negocio discográfico. Son creadores valientes e inquietos.

Gracias especiales a todos las personas que nos han ayudado a conseguir esto: tiendas de discos, medios de comunicación, tiendas digitales, periodistas, equipos de ventas y compras, etc y al gran público que es quien tiene la última palabra y el poder de decisión.

THE GIFT EN EL TEATRO LARA: LA BRILLANTE CONSECUCIÓN DE UN AMBICIOSO PROYECTO MUSICAL.

2012-01-20T12:50:00.001+01:00

Refugiados bajo la íntima penumbra del Teatro Lara y de las melancólicas y oscuras notas de Black (una de las mejores canciones de su último disco), The Gift nos demostraron una vez más que no son un grupo al uso, pues su consistencia es la brillante consecución de un ambicioso proyecto musical que va más allá de las modas, y que está sustentado en la genialidad de ese gran músico llamado Nuno Gonçalves y la voz de la diva de la canción portuguesa más internacional llamada Sónia Tavares, que allende de los fados, transforma las canciones en una deliciosa secuencia de imágenes imborrables. Nada más escuchar este Primavera, y tal y como comenté en la página oficial del grupo en Facebook, la primera sensación que me recorrió el cuerpo fue la de estar escuchando una sinfonía que muy bien podría haber salido de la mezcla entre Claude Debussy y The Art of Noise, un experimento que el grupo conceptual inglés ya realizó en el año 1999 con trece magníficas canciones. Anotaciones al margen aparte, tras Black, caímos hipnotizados por el poder de la música de un ensimismado Nuno ante su piano, pero que tras La terraza, Open window y Sehnsucht, despertó con la primera anécdota de la noche en el transcurso de Meaning of life (¡qué gran canción!), y que tuvieron que volver a iniciar, porque al propio Nuno no le convencía su ejecución. Preparado o no, lo cierto es que el incidente consiguió romper el hielo de la penumbra que había en el Teatro Lara (extraordinario lugar para oír Primavera) y logró transmitir todas las buenas sensaciones del escenario al patio de butacas.

Primavera es la ausencia de color, y el resultado de unas canciones escritas en primavera para ser escuchadas en invierno, tal y como nos dijo el propio Nuno. Es verdad, la música que se incluye en Primavera, exporta una sensibilidad única y mágica a raudales, como si sus notas nos mecieran en un infinito columpio que logra hacernos soñar con volar. Volar lejos, cerca, hacia dentro, hacia fuera; en definitiva hacia donde uno quiera, porque la profunda voz de Sónia (más diva que nunca) nos lo permite y nos lo facilita (a veces me acordé de Teresa Salgueiro, la voz de Madredeus hasta 2008), porque todo parecía recogido en un enigmático y gigantesco papel cebolla bajo el que resguardarnos para jugar al juego de las sombras justo antes de ser envueltos en el verdadero papel de regalo. Ese gigantesco tesoro, ayer se convirtió en un espectacular billete que nos permitió viajar por la vida y por el mundo de la mano de The Gift (¡qué gran compañía!). Sí, ayer surcamos mares, océanos, bancos de nubes y sueños, a la vez que escuchábamos Blindness, Les tulipes de mon jardín y Primavera y sus variaciones, siempre bajo la tutela cercana de un Nuno Gonçalves feliz de tocar en su propia casa, tal y como él también nos confesó ayer.

Tras un merecido descanso del grupo (y sobre todo de la embarazadísima Sónia Tavares), en la segunda ocasión que se levantó el telón del Teatro Lara, fuimos trasladados a otro lugar; a una estancia multicolor que desprendía fuerza y optimismo y que era acompañada de ritmos que nos incitaban a bailar. El escenario del Teatro Lara se metamorfoseó para acabar convertido en una explosión de luz y color bajo el estigma de ese gran álbum que es Explode. Suft full of colours llenó de energía al grupo y a los asistentes al concierto, y hasta Sónia se atrevió con unos ralentizados movimientos de baile (habría que haberla visto en su anterior actuación en Madrid en el Circo Price para saber de lo que estamos hablando). Esta nueva propuesta de The Gift no cayó en saco roto, y con RGB, todo el mundo se levantó de sus butacas para acompañar los ritmos de esta ópera musical fusionada con explosivos colores y ganas de vivir llamada Explode. Ese río inusitado de alegría, encontró un aliado natural en esa gran composición pop llamada Race is long, que tras una larga presentación de la misma por parte de Nuno, resultó ser la excusa perfecta para que él y el resto del grupo se la dedicara a Sónia y su futuro vástago, Fausto; una propuesta que terminó arrollando a un público que ya estaba entregado ante la mayúscula causa musical de The Gift, y que una vez más, agradeció las muestras de cercanía del gran maestro de ceremonias en el que ayer se convirtió un gran músico al que podríamos denominar como Sir Nuno Gonçalves.

Made for you fue la constatación de la química existente entre el binomio Sónia-Nuno y su público, y que en Fácil de entender se tradujo en una complicidad sin límites. Lo que nos llevó hasta Driving you slow y al grito por parte de un espectador de: ¡conciliación! Una espontánea manifestación que dejó un poco descolocada a Sónia, pero no a la canción, que de nuevo fue una nueva demostración de las magníficas cualidades que tienen las notas de muchas de las canciones del grupo para transformar su conciertos en una mega pista de baile, pero no de un baile cualquiera, sino de una sofisticada muestra de sonidos que de nuevo te embelesan en su versión más trepidante. Con The singles (nuestra propia aventura galáctica tal y como nos confesó Nuno) se terminó la actuación de ayer de The Gift en el Teatro Lara. Este rap colectivo fue un extraordinario cierre y fin de fiesta, que al poco tiempo se manifestó como falso, pues The Gift nos tenía reservada una última sorpresa (suponemos que muy a pesar de Sónia, valiente y tenaz en su puesta en escena toda la noche) con la ejecución de In repeat; un tema eterno, apoteósica y venerable, que ante el ¡sois un maravilla! de Nuno, tuvo el acierto de convertirse en un gran colofón a una actuación que nos muestra lo mucho y bueno que hay tras estos cuatro músicos portugueses, llamados a escribir grandes páginas en la historia de la música, ya sea ésta indie, masiva o de la otra, porque la calidad no entiende de marcas sino de paladares, y ayer los que tuvimos la fortuna de asistir al bello espectáculo musical propuesto por The Gift, nos fuimos a casa saciados de buena música.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

LA ASOCIACIÓN EL ENCIERRO ENTREGA LOS PREMIOS DE FOTOGRAFÍA Y MICRORRELATOS 2011.

2012-01-19T19:08:00.001+01:00

La Asociación El Encierro entregó, el 18 de enero, los premios del XI concurso de Fotografía y VIII de Microrrelatos 2011. El primer premio de fotografía, dotado con 750 euros y trofeo, recayó en “Cosa de pocos”, del fotógrafo local Roberto Ferrero. El segundo fue para Ángel Minaya por su fotografía “Salto de obstáculos”.

En relatos el primer premio, dotado con 450 euros, fue para Ramón Zarragoitia por “Soy Viento”. Y el segundo para Ángel Silvelo por “Encierro al aire libre ”.

En el enlace siguiente, se puede ver el vídeo de la noticia completa que el canal de televisión local Canal Norte Digital hizo de la entrega de premios. Por mi parte, sólo me queda dar la enhorabuena a todos los premiados y las gracias a la Asociación el Encierro y a las cariñosas palabras que su Presidente tuvo hacia mi relato, comparándolo con un pasaje de El Quijote, así como, agradecer al Ayiuntamiento de San Sebastián de los Reyes que apoye iniciativas culturales como esta en los tiempos que corren.

¡Hasta la próxima!

http://www.canalnorte.org/videos/1430/la-asociacion-el-encierro-entrega-los-premios-de-fotografia-y-microrrelatos-2011

EN FEBRERO, FIESTAS DEMOSCÓPICAS DE MONDOSONORO.‏

2012-01-17T19:56:00.001+01:00

Hace ya 12 años que las Fiestas Demoscópicas que organiza MondoSonoro acercan gratuitamente al público de once ciudades españolas las mejores bandas noveles del país. Por estas fiestas han pasado grupos ahora consolidados como Lori Meyers, Triángulo de Amor Bizarro, La Bien Querida, Mendetz, Anni B Sweet, Mujeres, We Are Standard, Cat People, Guadalupe Plata, Hola a Todo el Mundo o Bigott.

Como cada año, en Barcelona y Madrid, los grupos seleccionados estarán acompañados por una actuación también GRATUITA de la banda ganadora del Mejor Disco del 2011 según MondoSonoro, que este año es El Columpio Asesino. En años anteriores han participado grupos como Standstill, Love of Lesbian, La Bien Querida, Lori Meyers o El Guincho.

Cada uno de los grupos participantes en las black xs Fiestas Demoscópicas ha sido seleccionado por los responsables de las nueve ediciones de la revista, tras considerarlas autoras de las mejores maquetas de 2011.

Los once conciertos serán gratuitos (con invitación a imprimir desde http://www.mondosonoro.com/ o desde la web de Paco Rabanne Black XS http://www.be-a-rockstar.com/ ). Las Fiestas empiezan el 3 de febrero en Valencia y terminan el 25 de mismo mes en Pontevedra.

Como gran novedad de este año, las black xs Fiestas Demoscópicas contarán con la colaboración de black xs de Paco Rabanne Fragancias como patrocinador y organizador de los conciertos junto con MondoSonoro.

BLACK XS DEMOSCÓPICAS 2012

Viernes 3 de febrero VALENCIA

SALA MATISSE

Trinidad – Pretty Becky + Dwomo (grupo invitado)

Apertura de puertas: 22h

Sábado 4 de febrero LA LAGUNA (TENERIFE)

AGUERE ESPACIO CULTURAL

Bel Bee Bee – Victoria Marso – El Faro – Holy Disgrace.

Apertura de puertas: 21h (Hora insular)

Jueves 9 de febrero MADRID

SALA JOY ESLAVA

Bravo Fisher – Calimä – Dolores

El Columpio Asesino (Mejor grupo nacional 2011 Mondo Sonoro)

Apertura de puertas: 20h

Viernes 10 de febrero BARCELONA

SALA RAZZMATAZZ 1

Doble Pletina - L'Hereu Escampa - Boreals

El Columpio Asesino (Mejor grupo nacional 2011 Mondo Sonoro)

Apertura de puertas: 20h

Viernes 10 de febrero CÁDIZ

SALA SUPERSONIC

La Cena – Delapica – Amnesia

Apertura de puertas: 21:30h

Sábado 11 de febrero ZARAGOZA

LA CASA DEL LOCO

Will Spector & The Fatus – Nureyev + Guisante (grupo invitado)

Apertura de puertas: 21h

Viernes 17 de febrero OVIEDO

SALA NUNCAJAMAS

Stanley Road - The Starkwells

Apertura de puertas: 22h

Viernes 17 de febrero BILBAO

SALA AZKENA

Joe La Reina - Wilhelm and The Dancing Animals + The Cherry Boppers (grupo invitado)

Apertura de puertas: 20.30h

Sábado 18 de febrero SANTANDER

SALA BLACK BIRD

Sierra Nevada – Somepeople + Hendrik Rover (grupo invitado)

Apertura de puertas: 20h

Viernes 24 de febrero BURGOS

SALA HANGAR

La Maravillosa Orquesta del Alcohol – Little Boca + Bravo Fisher! (grupo invitado)

Apertura de puertas: 21:30h

Sábado 25 de febrero PONTEVEDRA

SALA KARMA

Tora Tora Tora - Fantasmage + Los Cafres (grupo invitado)

Apertura de puertas: 22h

“LA DAMA DE HIERRO”: PERSIGUIENDO SOMBRAS EN LA PENUMBRA.

2012-01-16T13:12:00.002+01:00

El olvido se muestra tenaz con el paso del tiempo. No le deja, sino todo lo contrario, lo atosiga y le apremia sin mostrar la necesidad que uno se haya muerto para acorralarlo. Más allá de aquel estupendo título, también cinematográfico, de ¿Quién se acordará de nosotras cuando hayamos muerto?, aquí podríamos traducirlo como ¿Qué será de mí antes de que me haya ido? Y ese es el dilema que parece plantearnos la dirección de Phyllida Lloyd y el guión de Abi Morgan para recrearnos la vida de una Margaret Thatcher que se busca a sí misma y a sus recuerdos perdida en un mar (que aquí no es de Los Sargazos como el de la novela de Jean Rhys, puestos a crear un símil feminista acorde con el toque que sus creadoras han intentado dar a este biopic), sino de tinieblas, donde las sombras persiguen a la protagonista en su periplo por el mundo que transcurre fuera de los límites reales, esos a las que la protagonista tanto se apegó a lo largo de su vida y que quedan muy bien retratados en la frase que la protagonista espeta a su médico cuando le dice que vivimos en un mundo de sentimientos y no de ideas; pensar y no sentir, ese es el camino.

Sin embargo, el gran error de esta cinta, es intentar reconstruir toda una larga vida llena de acontecimientos, a cada cual más reseñable, desde un presente muy bien construido (aunque sea desde el punto de vista más sentimental posible), que nos permite disfrutar de la parte más desconocida del personaje público y que reconstruye de una forma admirable Meryl Streep. Esa humanización de la dama de hierro, contrasta con sus episodios políticos más célebres, que sólo resultan destacables en esta versión cinematográfica, en las esclarecedoras imágenes de una mujer sumergida entre hombres, pero no una mujer cualquiera, sino una Primera Ministra a la que escuchar y a la que obedecer. Dicho lo cual, se echa de menos en este retrato hagiográfico, una parada más profusa en los inicios y en la formación del carácter de la Sra. Thatcher, así como del retrato de su familia y entorno, que perfectamente, se podrían haber superpuesto a todos aquellos episodios de su fase pública de sobra conocidos y que en el film muchas veces se nos presentan bajo el signo del documental que apenas aportan nada.

Hablar de La Dama de Hierro es hacerlo de Meryl Streep, que de una forma magistral, ha exorcizado el alma de Margaret Thatcher para hacerlo suyo, pues sólo hace falta mirar como mueve las manos, los labios o sus ojos, para darnos cuenta que estamos ante una de las grandes interpretaciones de su carrera (una más), convirtiendo a la película en una magnífica excusa para visionarla como un ejemplo de ejercicio interpretativo, al que acompaña muy bien la recreación de los escenarios elegidos, el vestuario y esa atmósfera tan típicamente british que se pasea por el metraje de la película, en el que cabe destacar a un extraordinario Jim Broadbent como Denis Thatcher, sin duda lo mejor de la cinta junto a la Streep. Un duelo interpretativo que junto a la certera escenificación del olvido en el presente de la dama de hierro, es lo que quedará en el recuerdo de esta película con el paso del tiempo, ese que como un tirano nos hace ir persiguiendo sombras en la penumbra.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

CRISTINA FALLARÁS, ÚLTIMOS DÍAS EN EL PUESTO DEL ESTE: LAS COORDENADAS DE UNA SINGLADURA HACIA EL ABISMO.

2012-01-13T12:10:00.001+01:00

Partir de la última esperanza de los sueños hacia el fin. Erigirse en la heroína de la derrota. Recorrer los ecos de otras voces y las grietas de otros ámbitos. Así se defiende de sí misma la protagonista de esta novela. No hay certezas, si no hechos, que como una catapulta te trasladan al otro lado de la muralla donde ya no existe la sociedad y el mundo tal y como lo conocemos, sino sólo la intemperie y la desnudez de aquellos que se saben avocados a un final; un desenlace que se torna despiadado como la civilización que nos domina, silenciosa e impasible ante los débiles y los diferentes. Aquí no hay razas, ni ricos ni pobres, sólo la exposición de las entrañas hacia el exterior de una forma distinta, única, poética, nihilista...

Las claves de esta singladura, y sus imposturas hacia lo imposible, ya vienen implícitas en las primeras líneas de esta intensa, maravillosa, apocalíptica y poética novela. Estas primeras palabras hieren y hacen daño a los sentidos, y sobre todo, son una sinopsis perfecta que nos anuncia todo: “Día 1. Arrecia el frío y aquí, en el Puesto del Este, empiezan a escasear las vituallas. Nueves meses de sitio son mucho tiempo. Ellos siguen ahí afuera, ya casi nunca se les oye, pero podemos sentir su tensión y oímos también las patas de sus perros. Su silencio es casi peor que lo otro. El capitán partió a buscar algo, sólo eso, algo. Salió sin despedirse para no romper esto que llamamos equilibrio y que sólo es una representación a punto de romperse. Su ausencia resta ánimos a la tropa. Afortunadamente, están los niños y eso nos obliga a mantener el ánimo.”

Nueve meses de sitio son mucho tiempo nos dice la protagonista de esta historia; nueve meses que son el ciclo de la vida y que aquí se convierten en un proceso involutivo de la existencia humana que tarda diez días en dar a luz, perdón, en acabar en oscuridad, fin, desesperanza, muerte… A diferencia con la gran novela de Cormac McCarthy, La carretera, donde el apocalipsis proviene del exterior en forma de crisis nuclear, el final de Últimos días en el Puesto del Este es intrínseco al ser humano, porque nace de la ética, de la moral, de las creencias… perdidas en fogonazos diseminados por Madrid, Barcelona, Cádiz, Nueva York, Coacoyul… e incluso Londres y El Dorchester como paradigmas de la decadencia iluminada por sus grandes arañas repletas de cristalitos que nos reflejan la luz de una vida que no existe salvo en las películas de época y en las historias de bailes de salón que nos llenan los días de un rictus plagado de lentejuelas.

Y al otro lado… ¿existe algo en lo que refugiarse al otro lado? Sí, al otro lado también existe el amor. Amor como sueño, deseo, pasión y refugio. La desnudez solitaria del cuerpo que se transmuta en erotismo atormentado por la ausencia, pero que también busca el desgarro y el tirón definitivo del corazón envuelto en llamas. Fuego que no destruye, sino que purifica a la pasión de los sueños imposibles, que acaban en las lindes de lo tangible cuando la Polaca detiene su mirada y el último rescoldo de humanidad en León y la pequeña (sus hijos). Si jugásemos al juego de los roles, ellos serían el futuro, pero en el mundo de Últimos días en el Puesto del Este no existe la palabra mañana. Del mismo modo que el Capitán representa los pilares del orden, la estabilidad y los valores que sobreviven el paso del tiempo y las generaciones, pero que en este caso, son derribados por el integrismo de un dios quizá no existe, o que simplemente nunca existió.

Últimos días en el Puesto del Este es un relato que nace de las entrañas de una mujer, porque sólo ella puede dar y quitar la vida; y lo hace mediante el arrebato de las frases cortas, los puntos y seguido y la prosa poética y las imágenes imposibles y las frases perfectas y enigmáticas, que como un duendecillo se internan en esa parte oscura que nadie conoce salvo uno mismo. Pero Últimos días en el Puesto del Este también es un viaje; una singladura con diez etapas, que como un Dakar sin brújula, intentan mostrarnos las coordenadas hacia el abismo, igual que cuando nos cortamos la larga melena de nuestra vida y sus mechones buscan un lugar donde depositarse y no volver a molestar más.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

CYAN - SALITRE (versión) / Fnac Music Festival 29/12/2011 FMF Palau Sant Jordi - Barcelona

2012-01-12T18:04:00.001+01:00

NADA SURF PUBLICA NUEVO DISCO: THE STARS ARE INDIFFERENT TO ASTRONOMY

2012-01-12T18:00:00.000+01:00

Ernie Records publicará en España el nuevo disco de Nada Surf, The Stars Are Indifferent To Astronomy, el 24 de enero de 2012. The Stars Are Indifferent To Astronomy es el séptimo disco de Nada Surf y el primero con material nuevo en cuatro años.

La formación de Nada Surf sigue siendo desde hace quince años la formada por Matthew Caws (voz y guitarra), Daniel Lorca (bajo) e Ira Elliot (batería), aunque esta vez, como en If i had a hifi y su consiguiente gira, han invitado al guitarrista Doug Gillard (Guided by Voices, Death of Samantha) a unirse al grupo. Chris Shaw (Wilco, Brendan Benson, Elvis Perkins in Dearland y Super Furry Animals), que ya trabajó con la banda en la mezcla de “Always Love”, ha sido el encargado de la producción y la grabación.

A diferencia de otros discos de Nada Surf, The Stars Are Indifferent To Astronomy ha sido grabado con la intención de capturar el sonido del directo de la banda. “Siempre hemos tocado más rápido y un poco más fuerte en directo”, dice Caws, “pero en el estudio lo hacíamos con más cuidado. Así que para este álbum tomamos la decisión consciente de preservar lo que se siente en el local de ensayo al tocar con esa energía de las canciones nuevas. Simplemente aceptarlo y no preocuparnos por si nos estamos pasando, no pensarlo demasiado”.

Los tempos son altos, pero las canciones están cargadas de melodías contagiosas, cambios asombrosos y los geniales puentes característicos de Nada Surf. El oído atento percibirá la influencia de muchas bandas, desde el pop británico de los 60 al post-punk o el indie más clásico, pero aun así hay un inconfundible sonido de Nada Surf: el impulso de la sección rítmica, los acordes introspectivos y el peso emocional único de la voz de Caws, a la vez juvenil y llena de alma, una combinación de sabiduría y vulnerabilidad.

Nada Surf habían grabado todos sus discos menos el primero fuera de Nueva York, pensando que así evitarían las distracciones. Pero si quieres conservar la energía del local de ensayo, ¿por qué no grabar en el local de ensayo? Así que para The Stars Are Indifferent To Astronomy se instalaron en el lugar donde ensayan, en el loft de Daniel Lorca en Williamsburg, Brooklyn. El lugar se llama “The Sitcom” porque recibe con regularidad la visita de un pintoresco reparto de personajes y alberga fiestas legendarias. Aunque hubo algunos problemas: “No podíamos grabar las voces de noche porque se colaba la música del bar de debajo”, dice Caws.

“Hacer este álbum ha sido un gran placer, es la vez que mejor nos lo hemos pasado con un disco”, continúa Caws. “Durante muchos años escribía sólo si tenía algún problema en mi vida y necesitaba dejarlo atrás, pero esta vez quería superar lo de escribir sólo sobre mí. Esa nueva perspectiva, para mí, ha sido el motor para hacer este disco”.

The Stars Are Indifferent To Astronomy continúa la idea de la música como una realidad alternativa y las canciones como algo que puedes tener a tu lado como inspiración y apoyo. Que es lo que hace de Nada Surf una banda realmente querida.

AER PRESENTA “RECUERDOS DEL FUTURO”

2012-01-11T19:59:00.000+01:00

THE GIFT ANUNCIA NUEVA FECHA EN MADRID: 19 DE ENERO

2012-01-10T19:55:00.002+01:00

Debido a la gran demanda de entradas que ha suscitado la vuelta a los escenarios de The Gift (el grupo indie portugués más internacional) con su gira "Primavera/Explode - Mil colores posibles", que se basará en nuevas canciones grabadas recientemente durante 10 días en el Centro Cultural de Belém y las más recientes de su último disco Explode, se ha ampliado una fecha más en Madrid: 19 de enero en el Teatro Lara.

El resto de la gira es el siguiente:

THE GIFT: PRIMAVERA / EXPLODE - GIRA ENERO/FEBRERO 2012

18 ENERO/ TEATRO LARA, MADRID.

19 ENERO/ TEATRO LARA, MADRID.

20 ENERO/ Sala BIKINI, BARCELONA.

2 FEBRERO/ TEATRO PRINCIPAL, SANTIAGO DE COMPOSTELA.

LIMBO STARR ANUNCIA EL FICHAJE DE MODELO DE RESPUESTA POLAR

2012-01-10T19:46:00.001+01:00

En Limbo Starr estamos muy ilusionados por comenzar el año anunciando nuestra alianza con Modelo de Respuesta Polar. Nacidos hace dos años en Valencia, el grupo compuesto por Borja, Matías y los hermanos Mollá, Jorge y Francisco, ha dado forma durante este tiempo a su personal sonido y trabajado con el único objetivo de crecer como banda, ganándose un exponencial reconocimiento gracias a su intenso directo, que les ha llevado a presentar su EP homónimo por más de treinta fechas, destacando sus participaciones en los festivales Low Cost, Arenal Sound y Vinilove.

En breve editaremos su primer álbum y el 4 de febrero estarán en el eno!Festival.

Nosotros, de paso aprovechamos para recordar la reseña que les hicimos con su primer EP:

MODELO DE RESPUESTA POLAR: POP OSCURO CARGADO DE REALISMO SUCIO.

El sonido del primer Ep de este grupo valenciano, es una perfecta simbiosis entre el pop oscuro de su música, y el realismo sucio de sus letras, lo que nos da como resultado, unas composiciones que salen desde lo más profundo de sus entrañas, y que además, tienen la extraña virtud de querer conmovernos y no dejarnos indiferentes.

Canción de culto es sin duda el mejor tema de los cuatro, donde la voz de Borja Mompó se funde en un perfecto cóctel musical, donde nada es gratuito, pues el desgarro musical y vocal se desplaza por nuestros sentidos de una forma directa y que sigue en la audición de una Afinidad Inventada cargada de intensas declaraciones vocales y de guitarras soterradas de gritos de desesperados.

Ellos admiten las influencias de las bandas indies nacionales y sudamericanas en su música, lo que a veces nos lleva al sonido del desaliento callejero de Julio de la Rosa, o en otras ocasiones al más puro sonido shoegaze de algunas composiciones de Nadadora, lo que ya es decir mucho y apostar fuerte por Modelo de Respuesta Polar, un cuarteto compuesto por Jorge Moyá al bajo, Francisco Moyá a la guitarra, Matías Entraigues a la batería y Borja Mompó a la voz y guitarra.

Por si nos quedaban dudas sobre la apuesta de la banda, han vuelto a editar dos canciones más, Por Costumbre y el Principio de Otro, donde otra vez, dejan muy claro cuál es la apuesta por la que ellos se han decantado, que no es otra, que la de una música personal, que busca en la profundidad de los sentidos el lugar desde el que decirnos que ellos están aquí, abriéndose camino en el competitivo espacio del indie nacional, que cada nueva propuesta que nos llega, nos sirve para reafirmarnos en la buena salud con la que cuenta.

Si queréis escuchar los seis temas del grupo, sólo tenéis que enlazaros a su MySpace: http//www.myspace.com/modeloderespuestapolar.

IV EDICIÓN FESTIVAL SUBTERRÁNEO EN LA SALA COSTELLO CLUB (MADRID) DEL 23 AL 29 DE ENERO 2012.

2012-01-10T19:33:00.002+01:00

Apertura de Puertas: 21,00h

Inicio CONCIERTOS: 21,30h

PROGRAMA DE CONCIERTOS

Lunes, 23 Enero - KUVE

Martes, 24 Enero - LABUAT

Miércoles, 25 Enero - THE NOISES

Jueves, 26 Enero - PASAJERO (ÚLTIMA INCORPORACIÓN)

Viernes, 27 Enero - LOS PEDALES

Sábado, 28 Enero - LOUISIANA

Domingo, 29 Enero - WILLY NAVES

Entradas ya a la venta en la misma sala (venta de 20,00h a 22,00)

SECOND, POSE: LAS GRIETAS MÁS OSCURAS DE LOS INICIOS DE UNA LEYENDA.

2012-01-06T21:45:00.001+01:00

Las rutas que nos conducen por las arterias de nuestras vidas siempre tienen un inicio que muchas veces nuestra memoria y las ansias de vivir nuevas experiencias no nos permiten revisitar. La génesis donde todo comienza es un lugar casi siempre olvidado, pero en él está el por qué de todo lo que viene detrás, y más en la vida de un artista, o como este caso, de un grupo musical. ¿Cómo eran Second allá por el año 1999 o el 2003? Estamos acostumbrados a ver la palabra the end en las películas, series y novelas, pero poco sabemos de su contraria, inicio. Second han despedido el año 2011 copando las listas resumen del año en un buen número de revistas musicales, blogs y demás mentes inquietas de este país, lo que sin duda, ahora sí, los ha catapultado a ese edén donde sólo habitan los mejores. Demasiado soñadores se ha comportado como una máquina de sueños que ha convencido a propios y extraños (superadas las 5.000 copias vendidas, ya van en busca de la cifra mágica de las 10.000), y ha rodado y rodado por todo el territorio nacional colándose en las salas más pequeñas y más grandes entre festival y festival, pero ¿cuál es el inicio de Second?

La locura maravillosa que este mundo de la música atesora, un día me llevó a realizar mi primera entrevista a Sean en el zaguán de las escaleras de la mítica Sala El Sol de Madrid, mil y una veces revisitada en los lejanos y tardíos años ochenta; y esa senda de los soñadores por donde algunos tratamos de caminar el máximo tiempo posible, hizo que un deseo expresado al sol del invierno de Madrid, se convirtiera en realidad semanas más tarde con la recepción de este Pose, segundo disco de Second que tengo la fortuna de tener gracias a la generosidad del grupo. Nada más recibirlo fui presa de esa necesidad de buscar ese por qué y el inicio de estos cinco jóvenes murcianos que en Pose parecen sacados de cualquier barrio de Londres, Manchester o Liverpool.

Enseguida caí en la red de la sencillez como mejor esencia de unas canciones que sólo inundan mi cabeza de buenas imágenes cada vez que las escucho. Sus notas son como una película que nunca te cansas de ver por mucho que la hayas visto cientos de veces y ya te sepas el final. Canciones como Different Levels, Living in London, Star Glasses o Situation me hacen revivir ese tiempo donde todo parecía que podía ocurrir, y que como un regalo a punto de ser abierto te deja con la boca abierta de las buenas sensaciones. Las grietas oscuras de las que nacen las notas de estas canciones se sustentan en las experiencias que uno guarda dentro de ese pequeño cajón que abre cada vez que necesita saber cuáles son sus orígenes como sustento para poder seguir adelante. Es cierto que los ecos de Morrisey o las guitarras de Los Smiths o Los Cure recorren sus sonidos con total libertad, pero lo que no se les puede discutir a Second es ese sello tan personal de afrontar una nueva aventura con cada canción, a la que proporcionan esas gotitas de esencia puramente Second, y que nos permite reconocer este Pose con permiso del desconocido Private Life y su magistral Watching the moon como los inicios de una leyenda que con el paso del tiempo se va haciendo cada día más grande y no sólo por su música, sino también por el gran número de personas que día a día caen hipnotizados en las redes musicales de este grupo, a los que podríamos rebautizar como Los Cinco de Murcia.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

Nace el enoFestival, el primer festival que fusiona música independiente y cultura enológica

2012-01-03T17:29:00.002+01:00

Nacho Vegas, The Right Ons, Christina Rosenvinge, The New Raemon, Tachenko, y Modelo de respuesta polar protagonizarán la primera edición de este festival único en su especie. El próximo 4 de febrero se celebrará en el Palacio Vistalegre, el primer festival completamente dedicado a la música y el vino, donde las catas y el buen ambiente se entremezclarán con los directos de algunas de las bandas más interesantes del panorama independiente nacional.

El enoFestival es un festival de día en el que, desde las 13:00 hasta las 00:30h, se podrá disfrutar de un espacio exclusivo creado para la ocasión. Vinos de distintas denominaciones de origen, variedades y tipos podrán ser degustados, con precios a partir de 2€, al ritmo de los conciertos de Nacho Vegas, The Right Ons, The New Raemon, Christina Rosenvinge, Tachenko y Modelo de Respuesta Polar.

Un concepto diferente de festival, donde redescubrir el placer de la música en directo con una buena copa de vino en la mano.

Las entradas tendrán un precio especial de 20€ hasta el 15 de enero. A partir de ese día pasarán a tener un precio único de 27 euros más copa de vino gratis. Pueden adquirirse a través de Ticketmaster.

http://www.facebook.com/pages/EnoFestival-2012/214808181931751

DRIVE: UN HÉROE SIN MOTIVO APARENTE.

2012-01-01T11:14:00.000+01:00

Intensa, dura, brillante, tierna, demoledora, noir… Magnífica, sublime, apoteósica, lírica, atmosférica… Irreal, oscura, incierta, sangrienta… Muda, visual, sobrecogedora… La aventura épica de este cowboy silencioso y moderno es una sucesión infinita de sensaciones que te fijan al asiento de tu butaca y no te dejan indiferente por mucho que intuyas el final, aunque en este caso, eso es lo de menos, porque lo que ocurre antes de llegar a ese the end estilo samurái es tan impactante que no recaes en ello, y sólo buscas sobreponerte a la intensidad de unas imágenes que acompañadas de una música para recordar, te dejan sin poder articular palabra.

La ciudad vestida de un negro largo nocturno, y el silencio que reina en esa oscuridad de la noche, son sólo dos personajes más de esta apabullante película, que transita a través de unas panorámicas a cámara lenta espectaculares; y lo hace por la piel de una noche iluminada por infinitos puntos de colores, que como faros tan cercanos como desconocidos, nos envían mil y un mensajes que no nos paramos a descifrar, pero que cada uno de ellos, lleva en sí mismo una vida con sus respectivas encrucijadas. En ese escenario negro, silencioso, solitario y casi perdido aparece él (Ryan Gosling), subido a su coche como un cowboy moderno, para ayudarnos a desentrañar los enigmas de los cruces de caminos a los que él se enfrenta y nos enfrenta. Pero en esa lucha él no está solo, porque le acompaña la música de la banda sonora que Cliff Martínez ha compuesto para este film, y que sencillamente es sublime.

Las imágenes y la música se funden en un plácido y enigmático viaje, como ocurre al inicio de la película en la larga escena de persecución automovilística, donde ya nos damos por enterados de las habilidades más que ciertas que posee al rodar este tipo de escenas su director, Nicolas Winding Refn. Esa frialdad nórdica a la hora de dirigir, se traslada hasta la mirada de Drive (Ryan Gosling), que con un palillo entre sus dientes, adivinamos que es el personal leitmotiv que ha elegido para atenazar el nerviosismo y la concentración que sus ojos nos brindan en una secuencia muda y casi onírica de una aventura de caballos de metal sobre las calles de Los Ángeles.

Drive es un héroe sin motivo aparente, pero a nosotros nos da igual, porque estamos tan faltos de ellos, que con su sola presencia caemos rendidos a sus pies y les veneramos sin necesidad de que ellos nos den un por qué. Al otro lado de esa mirada fría, intensa y enigmática, está el calor de los ojos de Carey Mullighan; un calor y una cercanía con la que intenta sobreponerse a los reveses de su descolocada vida. La ausencia de palabras a las que ambos se enfrentan, nos remite al lenguaje visual de sus ojos, en el que nos sumergimos víctimas de esa intensidad que nunca parece romperse, pero que es tan real como los latidos del corazón que sentimos bajo nuestra piel cuando los estamos viendo. ¿Es posible que el amor surja en ese espacio donde sólo hay un lugar para la tierra quemada? La química que ambos nos muestran parece decirnos que sí, aunque esto también debamos imaginarlo, como tantas otras intenciones mudas de este clásico del cine noir con ramalazos atmosféricos del cine western del siglo XXI.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

BEGINNERS (PRINCIPIANTES): LA DISTANCIA ENTRE LA REALIDAD Y LA MAGIA.

2011-12-30T11:19:00.000+01:00

Vivir sencillamente es aprender. Aprender a hacer y deshacer, o a acertar y equivocarse. No nacemos cargados de recuerdos y sabiduría, pero en ese periplo que es la vida, nos vamos retroalimentado día a día de ellos. Sin embargo, en muchas ocasiones, la necesidad de driblar a la realidad nos conduce a vivir otra vida; justo aquella a la que llamamos la soñada. Es entonces, cuando sin antenas que nos teledirijan, marchamos abriéndonos camino para salvar la insalvable distancia entre la realidad y la magia, en una ruta por la que transitamos a través de sentimientos como la melancolía, la tristeza o la pérdida. Nada es igual a como lo soñamos, y por eso, los personajes de Beginners se preguntan por qué, y en esa necesidad de encontrar una respuesta, inician una nueva vida. Sí, aquella que siempre habían deseado, pero que nunca se habían decidido a vivir, a veces por falta de valor, y otras por puro convencionalismo.

Beginners gira en torno a Oliver (un magnífico Ewan McGregor), que se debate entre el recuerdo cercano de su padre recientemente fallecido de cáncer y el más lejano de su madre, pero también, lucha contra sí mismo y su tristeza, que se traduce en una falta de comunicación y relaciones que él rompe a través de sus dibujos como ilustrador gráfico y la composición de su “historia de la tristeza”. Ahí, en esa lucha diaria por continuar viviendo, comienzan sus problemas, pues en todos tiene esa sensación de ser un absoluto principiante: la abierta homosexualidad de su padre cuando fallece su madre, la relación que inicia con Anna (una deliciosa Mélanie Laurent).

Mike Mills se basó en su propia experiencia para escribir y rodar esta película, y lo hizo, a través de la relación que mantuvo con su padre. Quizá, es por ello, que a través de sus imágenes emanen grandes dosis de humanidad, que en este caso, hay que resaltar gracias a la extraordinaria interpretación de Chistopher Plummer como padre de McGregor; un personaje que irradia un gran magnetismo y que se convierte en el hilo conductor del film, cuyo gran acierto está en la elección del discurso narrativo. La fusión entre el presente y el pasado, entre la realidad y los recuerdos está perfectamente delineada, y funciona como una perfecta máquina del tiempo, donde flashback y presente se dan la mano en una inteligente manera de mostrarnos la vida, aunque en este caso deberíamos decir las vidas de los personajes, que entre enigmáticos y perdidos, poco a poco nos van mostrando las cartas de sus sentimientos y su biografía.

Sin duda, Beginners se comporta como un plácido viaje a través de unas llanuras teñidas de un color ocre apagado por el reflejo del sol de los años sesenta, que de una forma perenne inunda cada escena del film, impregnando de secuencias imaginadas el espacio fílmico que intenta dinamitar la distancia entre la realidad y la magia de las vidas que nos muestra.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

THE GIFT, GIRA PRIMAVERA EXPLODE 2012: MIL COLORES POSIBLES

2011-12-26T18:15:00.000+01:00

The Gift anuncian una gira de dos meses en Portugal y España para presentar temas nuevos. Se llamará “Primavera/Explode – Mil colores posibles”. Se basará en nuevas canciones grabadas recientemente durante 10 días en el Centro Cultural de Belém y las más recientes de su último disco Explode.

La gira llevará a The Gift por las principales salas de España y Portugal, y tras la gira, la banda parará unos meses, ya que Sónia Tavares dará a luz a su primer hijo.

GIRA PRIMAVERA / EXPLODE – MIL CORES POSIBLES
18 ENERO/ TEATRO LARA, MADRID.
20 ENERO/ Sala BIKINI, BARCELONA.
2 FEBRERO/ TEATRO PRINCIPAL, SANTIAGO DE COMPOSTELA.

Espectáculo dividido en dos partes:
Primera Parte - Canciones inspiradas en la primavera, escritas en verano, grabadas en otoño y escuchadas en pleno invierno...

Era esto. Canciones simples, inspiradas en melodías que la mano derecha insistía en tocar al piano. La mano izquierda ajustaba el banco o cogía el vaso de agua fría que ayudaba a combatir el calor de fuera, o acariciaba a la hija que aún bebé inspiraba a la mano derecha. Izquierda, Derecha. Armonía. Melodía... Cosas simples que dichas de una forma aún más simple se puedan traducir de varias maneras. Cada uno tiene su Primavera. Un sitio donde se descubren secretos, ínfimas historias de cada uno de nosotros. Primavera es un himno a lo nuestro. Sólo y únicamente nuestro, cosas nuestras, suyas. Canciones que siempre recorrieron mis dos manos. Derecha, Izquierda. 14 manos. Siete personas, siete historias, siete personalidades artísticas. Primavera es unión.

Voces. Una sóla voz. Tranquila, susurrada, relajada, naturalmente emotiva. Primavera es cantada al oído.

En el escenario Primavera y Explode son mil colores posibles, la historia es la nuestra. Puedo con todo adelantar que después de este show será también vuestra.

Segunda Parte - Se revisita el último gran disco de The Gift. Explosión de colores, baile, fiesta, intensidad.

Explode es un disco sobre la vida hecho para toda la vida. Ahora que abrimos las puertas de nuestro nuevo disco, creemos que debemos explicar su auténtico significado.

Una explosión de colores, de luz, de vida, de nueva vida. Representa el disco que siempre soñamos hacer. Producido por Ken Nelson, que firmó la gran parte de los discos de Coldplay, es la obra donde juntamos todo lo que aprendimos, todo lo que leímos, vimos, oímos. En conclusión, comenzamos de nuevo. Desde el principio. Como si después de 17 del primer ensayo sintiéramos la misma energía, la misma fuerza, la misma confianza o motivación. Grabamos la emoción como si fuese el primer disco. Grabamos la emoción como si fuera el último disco.

Nuno Gonçalves . The Gift

PREMIO 20BLOGS DEL DIARIO 20 MINUTOS: APOYA CON TU VOTO AL BLOG “FRAGMENTOS”.

2011-12-23T10:55:00.001+01:00

Dice el refrán que: “un grano no hace granero pero ayuda al compañero”. Por eso, desde aquí os pido vuestro apoyo para que votéis a mi blog “Fragmentos” en el Premio 20Blogs en el que está inscrito, y que sin duda, es el más importante en su categoría en España. Su visibilidad y suerte en el concurso depende de vosotros, que con vuestro respaldo, podéis hacer que los sueños de un modesto bloguero se cumplan.

El proceso es muy sencillo y os lo dejo explicado con detalle a continuación, para que no tengáis problema a la hora de votar.

Saludos y muchas gracias a todos. De vosotros depende que “Fragmentos” se haga un hueco algo más grande en la blogosfera.

PROCESO:

1º.- Entrar en mi blog: http://www.angelsilvelo.blogspot.com/

2º.- Pinchar en la columna derecha donde aparece el concurso en “Vota mi blog”.

3º.- Registrarse en 20 minutos si no lo estáis: hay que pinchar en Premios20blogs, y de ahí, te lleva a "Vota en el concurso".

4º.- Una vez registrado, el sistema te redirecciona a las categorías del concurso.

5º.- Elegir “Cultura y Tendencias”.

6º.- Seleccionar la letra “F” de Fragmentos.

7º.- Buscar el blog “Fragmentos”.

8º.- Pulsar “Vota a este blog”.

FNAC FESTIVAL 2011: UNA OCASIÓN ÚNICA PARA CELEBRAR LA NAVIDAD BAJO EL ARCO IRIS DE LA MÚSICA INDIE ESPAÑOLA.

2011-12-21T23:18:00.000+01:00

Los próximos días 27 y 29 de diciembre, se va a celebrar el Fnac Festival 2011 en el Palacio de los Deportes de Madrid y el Palau Sant Jordi de Barcelona, respectivamente. Un acontecimiento de primer orden en el panorama musical español, que se convierte en una magnífica oportunidad para disfrutar de un amplio caleidoscopio de la música indie, que como un arco iris, se eleva sobre la lluvia de regalos y deseos de la Navidad, para convertirse en el alma de las fiestas. Amaral serán la cabeza de cartel, y como ya apuntamos en la crítica de su último trabajo, nos ofrecerán los aullidos de cambio que supone su último trabajo titulado Hacia lo salvaje; y que junto a la fuerza inteligente de los catalanes Love of Lesbian, se unirán a la cálida veteranía de Iván Ferreiro en lo que será el trío de artistas que repetirán en ambas citas del Fnac Festival de este año.

En Madrid, el ambicioso abanico de músicas y tendencias, se completa con la poesía quebradiza de Cristina Rosenvinge y la plena madurez de uno de los grupos con más futuro del panorama musical español como son Second, recién llegados de la grabación del disco en directo en el Teatro Circo de Murcia con el que han celebrado sus primeros quince años en la música. Y para finalizar, The Noises que presentarán su último y fresco Bellavista con el que recientemente han hecho su aparición en el universo sonoro del indie patrio.

Por otra parte, el elenco de artistas de Barcelona se cierra con Antonia Font, Delafé y Las Flores Azules y Cyan, otro de los grupos llamados a acaparar la atención de los amantes de la buena música, donde los medios tiempos intensos toman el mando bajo la batuta de la voz de un carismático Javi Fernández.

Ahora ya sólo queda disfrutar del espectáculo.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

IRÈNE NÉMIROVSKY, LOS PERROS Y LOS LOBOS: LAS ENCRUCIJADAS DEL DESTINO.

2011-12-21T17:39:00.002+01:00

El viento helado de nuestra vida, nos voltea hasta hacernos llegar a ese destino que nunca habíamos soñado. Cuando estamos en ese lugar (al que nunca pedimos ir), nos sentimos raros y descolocados, como si todo se redujera a un sueño del que a veces no queremos despertar. Los protagonistas de Los perros y los lobos, deambulan por sus vidas a merced de esa fuerza superior que los deposita en enclaves desconocidos, pero que subyugados por una fuerza suprema, caen vencidos ante la pasión, que se comporta como una maldición febril que les impide renunciar a sus orígenes. En este sentido, la maestría a la hora de narrar y describir la psicología de sus personajes que tiene Némirovsky, resplandece como el dios sol en esta novela (la última que publicó en vida), y las raíces de los judíos, su necesidad de sobresalir, su exilio errante (tanto interior como exterior), y esa volcánica erupción de un sinfín de ambiciones ocultas en lo más profundo de sus corazones, están retratadas con gran precisión; porque ante todo, la estirpe de los Sinner, y por ende de la raza judía, no son sino la epopeya de cualquier ser humano que cae en el precipicio de sus debilidades.

La ensoñación enfermiza de Ada por su primo Harry, será el nudo narrativo en el que Némirovsky se embarca en esta ocasión para mostrarnos ese caos que sumió a Europa a principios del siglo XX; y lo hará, bajo el denominador común del amor platónico, que finalmente se convierte en un cuento de hadas, porque Los perros y los lobos es una novela que admite muchas definiciones, tantas como destrezas de carácter y sentimientos despliega el ser humano en general, pero también, y sobre todo al inicio del relato, es un perfecto cuento de hadas donde todos nos identificamos sin ruborizarnos con los sueños de Ada, una joven judía de familia pobre, que por distintos avatares de la vida, se enamora de su primo Harry, un judío rico. La encrucijada del destino que los llevará a unir sus vidas, sólo es un pretexto con el que Némirovsky juega para encandilar bajo una aparente sencillez, la atención de sus lectores, que ávidos de más, recorren las líneas de esta novela sometidos a una tensión que va creciendo a medida que los capítulos avanzan.

Otro de los rasgos más destacables de esta novela, es la genialidad en el manejo del tiempo de la escritora rusa, porque en lo que aparentemente son sólo unas pequeñas pincelas, ella es capaz de retratar una vida entera o los cambios sociales y políticos bajo los que se desenvolvieron los seres humanos de principios del siglo pasado; pero no sólo eso, sino que esa capacidad mágica para hacernos recorrer una gran distancia en el tiempo en apenas doscientas páginas (haciendo un gran ejercicio de estilo), es sólo una muestra más de las habilidades narrativas de esta gran escritora. Una vez más, Némirovsky se muestra como una profunda conocedora de alma humana, y la retrata con una sencillez bajo la que se esconden todo un ramillete de sentimientos universales, que ella, como una pitonisa de las oquedades del ser humano, las hace emerger para que aquellos que tenemos la suerte de leerla, podamos disfrutar de una literatura en apariencia ligera, pero bajo la que se esconden los grandes enigmas del ser humano, que como los perros y los lobos sucumben ante las encrucijadas del destino.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

LA OTRA LIZ

2011-12-20T21:02:00.000+01:00

La gata de los ojos color violeta se presentó en el juzgado rodeada de paparazzi que no paraban de hacer un click tras otro mientras seguían sus movimientos. Esa era la ofrenda a sus admiradores. Un derroche de glamour al que el fiscal de la causa no estaba acostumbrado, y mucho menos el juez, que dictó el sobreseimiento del procedimiento. Yo la miraba atónito, buscando un argumento para despojarla de su máscara de diva. No recuerdo como lo hice, pero me deslicé entre sus pegajosos aduladores y logré enseñarle la fotografía. Una imagen que no consiguió desplomarla en el vestíbulo. Al contrario, todo sucedió tan deprisa, que sólo recuerdo que cuando me miró, no lo hizo con los ojos de Cleopatra, y mientras yo me caía al suelo como si me hubiera atravesado un rayo, ella sacó otra fotografía de su bolso que me tiró a la cara. Nadie se inmutó, ni siquiera ella, la otra Liz. Una activista humanitaria a la que noté una expresión de satisfacción al verme así, tendido en el suelo y rodeado de personas que desconocían la verdadera razón de mi zozobra. Mientras se alejaba de mi lado, yo me quedé mirando la foto de Jack, mi último novio, al que yo había contagiado el sida, y al que ella había defendido de mí ante toda la sociedad. La miré de nuevo, y formulé un deseo.

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

DARDEM, INERTE: SINTETIZANDO EMOCIONES ÉPICAS.

2011-12-17T20:08:00.000+01:00

Una de las cualidades de la música, es su capacidad para reivindicar su presencia en el mundo mediante sonidos que se transforman en imágenes, que como un desafío se nos presentan delante de nuestros ojos una y otra vez. Entonces, somos víctimas de alucinaciones, porque no sabemos si esas imágenes también invaden el territorio de los sueños o somos nosotros los que las trasladamos a nuestro universo onírico porque necesitamos de ellas, de su compañía y de su repetición, para conseguir que nos atrape el duende de la felicidad, porque como dice este grupo sevillano llamado Dardem “… Y las canciones… sueños son”. No en vano este nuevo álbum y segundo trabajo del grupo, comienza con el tema titulado Sueña, donde ya nos invitan a recorrer ese espacio donde cada uno puede refugiarse bajo las notas de las emociones épicas; y que en La Bendición se transforma en un canto de profundas raíces andaluzas, donde los ecos de Triana son más que evidentes, y en el que la fuerza sonora se da la mano con la certeza de los ritmos rock andalusí que nos dicen que ellos ya estuvieron allí, en el territorio de los atardeceres de color anaranjado.

Inerte tiene el poder de la dualidad, porque cada canción se nos presenta como un nuevo doblez en la faceta compositiva de este joven grupo, y así, la fuerza de unos temas, se vuelca en los medios tiempos arrolladores de otros, que no arrullan nuestros sentimientos en una cuna llena de buena música, y cuyo ejemplo más redondo es su canción La noche de San Juan, llamada a ser el buque insignia de este Inerte, quizá sea casualidad o no, pero fue uno de los temas escogidos por el dj de la Sala La Riviera en uno de los conciertos de Vetusta Morla como banda sonora musical de espera al inicio del show. Pues sin caer en la demagogia, por su letra y sus notas musicales transitan los mejores momentos épicos y de los otros que Dardem han plasmado en Inerte. La noche de San Juan es la típica canción que no te cansas de escuchar una y mil veces porque te atrapa hasta el infinito, a lo que sin duda ha contribuido la producción del dúo de moda en la música independiente española (Manuel Colmenero y Javibu Carretero), porque han sabido proporcionar a este grupo sevillano de una profundidad en su sonido que nos hace presentir lo mejor en sus conciertos en directo.

El Aspirante es un tema donde Dardem de nuevo juegan a llevarnos a lugares donde el rock contundente se manifiesta con total libertad, dejándonos marcas en el camino de unos teclados electrónicos que acompañan sin estridencias a las guitarras, que surgen como un rayo en medio de la tormenta en Para no volverte a ver para llevarnos de nuevo a ese epicismo electrónico y rock que también fusionan Dardem, porque ahí está la diferencia de este grupo sevillano, en la fusión de unos sonidos que los alejan de las típicas bandas independientes españolas, que normalmente han bebido de fuentes anglosajonas, y que en el caso de Dardem, se tornan en grupos de rock español como los anteriormente mencionados Triana o incluso Miguel Ríos, sin dejar de mencionar a los archiconocidos Héroes del Silencio en su vertiente más rock. Ese ritmo pausado unas veces y veloz otras, es la seña de identidad de esta nueva versión de lo que puede ser la música española realizada por jóvenes grupos como Dardem.

Gotas de lluvia es otro tema que poco a poco se erige en una muestra de la contundencia domesticada de Dardem, donde en cada nota nos recrea una atmósfera envolvente, que continúa en Aléjate, otra de las canciones que enganchan a nuestros sentidos, porque los sumergen en las neblinas que acaban acostándote bajo un lecho de hojas secas, mullido y seco. Ecos de sueños que navegan por los mares de aguas oscuras que nos invitan a sumergirnos en ellos a cada instante “entender que después de la noche hay día” para salir de ellos purificados en cuerpo y alma. Con TV Net, Dardem de nuevo reproduce los códigos donde se sintetizan las emociones épicas para darnos cuenta que de esa lucha también se puede salir indemne, y que nos lleva hasta Tus ojos, otro de los grandes temas de este Inerte, pues nos hace caer en esos medios tiempos ensoñadores, donde cualquier cosa puede suceder mientras lo escuchas, incluso aquello que un día habías soñado, “lo veo en tus ojos / no puedo cambiar / cuántas veces sucedió / y no puede ser quien diga no / sólo tú tienes la voz / si miro en tus ojos”. El tiempo del ladrón, Impulso y En la memoria son esa carga extra de adrenalina épica con la que Dardem nos recarga las venas de dosis sonoras que nos invitan de nuevo a viajar por esos espacios y lugares donde descubrimos cosas nuevas que nos gustan y que sintetizan grandes momentos sobre los que regresamos en cada sueño.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

ÁNGEL SILVELO GANA EL PRIMER PREMIO DEL VIII CONCURSO DE CUENTOS 2011 "CULTURA ES LIBERTAD"

2011-12-16T23:39:00.002+01:00

Aunque un poco tarde (a las 23,00 horas del viernes 16 de diciembre) me acaban de llamar para darme la buena noticia que me ha sido concedido el Primer Premio del Concurso "Cultura es Libertad" que organiza "Afro", Asociaicón de Residentes Afroamericanos en Vitoria.

En esta ocasión, presenté el relato titulado "La Libertad y la Vida" en el que narro como una joven marroquí cruza el Estrecho para abortar en una ciudad española (supuestamente Granada) y lo hace sola, pues su novio noruego que trabaja en una ONG se queda en Marruecos. Ella se enfrenta a su libertad de elección de una forma que no había previsto.

Como siempre, os dejo el inicio del relato.

¡Buenas noches!

LA LIBERTAD Y LA VIDA DE ÁNGEL SILVELO GABRIEL

Por fin mi vientre está desinflado, vacío… pero sólo oigo el sonido de las olas del mar, e imagino que lo estoy soñando, porque el mar está lejos, muy lejos, como mis recuerdos. Es verdad, estoy soñando. Sujeto una caracola contra mi oído, y pienso que ojalá todo fuera igual de sencillo. Cuando me canso de escuchar el sonido del mar, me pongo a correr por la playa. Es una playa infinita, de esas que no se ve donde acaba, por eso corro tan deprisa, porque no tengo miedo a que se acabe. Todavía no sé que hay un principio y un final para cada cosa. Simplemente soy una niña feliz que se limita a correr por una playa infinita. Nadie viene detrás de mí, ¿por qué?

Por fin crucé el Estrecho, y todo parece que está tan lejos y tan cerca… sobre todo cuando oigo a un almuecín llamando a la oración. Su sonido me desconcierta y me pregunto: ¿dónde estoy? Creí haber cruzado el Estrecho ayer, sola, sin la compañía de Eric. ¿Por qué me dejaste sola? Yo sé mejor que nadie que ésta es una pregunta retórica. Cuando me fui, yo al menos sabía y quizá él no, que esta experiencia era mi prueba de fuego para demostrarle a él que podía salir indemne ante la rígida cultura marroquí en la que me he criado, sin embargo, él no conoce el alcance de esa decisión, porque como buen occidental que ejerce de turista accidental en el Magreb, desconoce las sentencias que contiene el Corán. Mi familia tampoco sabe lo que he venido a hacer aquí, ni lo que este viaje supone, para mí, para ellos. Ellos creen que estoy ampliando mis conocimientos sobre el Islam, lo que no es verdad, pero mi mentira no es completa, porque esta gran ciudad y sus magníficos palacios, me recuerdan tanto al lugar donde yo nací, que se comportan como la voz de mi conciencia. Me siento asustada, como cuando era niña y corría sola por la inmensa playa de Agadir. Entonces huía, ¿y ahora?

VETUSTA MORLA OBTIENE EL DISCO DE ORO Y PLATINO.

2011-12-15T17:41:00.003+01:00

Mapas, el segundo álbum de Vetusta Morla publicado en mayo, ha obtenido el Disco de Oro (más de 20.000 copias distribuidas), certificado otorgado por Promusicae. Por su parte, Un Día en el Mundo, el debut de la formación que ya obtuvo el Disco de Oro en 2009, ha alcanzado ahora el Disco de Platino (40.000 copias). Ambas distinciones han sido recibidas por Pequeño Salto Mortal, el sello que edita la obra de Vetusta Morla y que fue puesto en marcha por la propia banda hace ya casi cuatro años.

Se trata por tanto de un proyecto nacido de la más absoluta independencia, que se ve reafirmado con la obtención de estos certificados. El Disco de Oro y de Platino logrado por los discos de Vetusta Morla viene a reafirmar su modelo en tiempos de crisis y parálisis. Un modelo al servicio de lo artístico y basado en la honestidad y en el trabajo en equipo de todas las partes implicadas en el proceso. Es un logro que, en última instancia, es mérito fundamental del público que ha seguido comprando los discos y acudiendo a los conciertos de Vetusta Morla en este 2011.

De esta manera, Vetusta Morla redondea un final de año en el que también han recibido los premios a mejor grupo y mejor disco de la temporada por parte de la revista Rolling Stone y que han culminado con cinco llenos seguidos en la sala La Riviera en Madrid.

La gira de Mapas continuará el próximo año 2012 a partir de febrero, con las siguientes fechas confirmadas por el momento:

1 de febrero – Barcelona – Palau de la Música

2 de febrero – Barcelona – Palau de la Música

11 de febrero – Donostia-San Sebastián – Kursaal

17 de febrero – Zaragoza – Palacio de Congresos

10 de marzo – Londres – The Coronet

13-18 marzo – Austin, Texas – SXSW

23 de marzo – México DF – Festival Vive Latino

MARVIN GREEN PUBLICA SU NUEVO LP "LOS DÍAS DE LOWERSIDE"

2011-12-14T16:37:00.000+01:00

Marvin Green es una banda formada por Queco Kabariti, Arturo Giner, Héctor Giner, F.J. Curra y Simón Velázquez que ofrece una atractiva combinación de ingredientes musicales. La receta es sencilla, por una parte la combinación del sentimiento del soul, la frescura del funk y la fuerza del rock.

Receta en apariencia sencilla, pero no fácil. El resultado es un repertorio de temas llenos de una energía que se contagia con letras directas y melodías pegadizas, entre las que se pueden descubrir inﬂuencias de bandas contemporáneas como The Black Crowes, Kula Shaker, Jet, The Black Keys, Little Barrie o The Blue Van, pero bebiendo al mismo tiempo de los grandes referentes de los 60’s y 70’s.

En su primer lp, Los días de Lowerside, grabado a comienzos de 2011 con la mano mágica en la producción de Ramiro Nieto (The Right Ons, Jet Lag) y masterizado en los estudios Q Division de Boston (Eli ‘Paperboy’ Reed, Franz Ferdinanz, Aimee Mann,…), han sabido plasmar toda la esencia de su directo. Dentro del cóctel energético y sabroso de sus doce temas se pueden encontrar las colaboraciones de gala de The Right Ons y Martí Perarnau (Mucho, The Sunday Drivers, M-Clan).

En Los días de Lowerside, el rock toma diversas personalidades para que bajo su esencia no nos encontremos con un trabajo denso, sino por el contrario aparentemente minimalista pero complejo. La frescura e insolencia de sus sonidos nos hacen sentir que estamos ante música con alma, su descaro y atrevimiento nos presentan al rock y los ritmos que invitan a bailar y las estructuras con soul ponen la etiqueta funk a su música.

Los días de Lowerside se distribuye bajo licencia Creative Commons y está disponible en descarga gratuita en la web oficial de la banda http://www.marvingreen.com.

MARVIN GREEN en la red:

http://www.marvingreen.com/

http://es-es.facebook.com/marvingreenband

http://twitter.com/marvin_green

http://www.myspace.com/themarvingreenband

EXPOSICIÓN DE LA PINTORA IMPRESIONISTA BERTHE MORISOT EN EL MUSEO THYSSEN BORNEMISZA DE MADRID: LA PINCELADA LARGA DE LA MUJER DE NEGRO.

2011-12-13T12:25:00.001+01:00

La pincelada larga que marcha rabiosamente adherida a una intensa paleta de colores (que contrasta con su costumbre de vestir de negro), describe como infinitos mensajes la vitalidad trepidante de sus obras, que a veces también se transforman en una sensualidad pálida e íntima que capta el recogimiento de un instante único por su capacidad para transmitirnos las sensaciones más puras de aquello que vemos. Esa necesidad de hacernos llegar a todos los recovecos de su mundo interior, consigue que sus obras sean una espléndida forma de transitar al unísono por su vida privada y su carrera artística. Y es esta circunstancia, la que de una forma inteligente ha aprovechado la comisaria de la exposición, Paloma Alarcó, para presentarnos las 40 obras que se exhiben en el Thyssen hasta el próximo 12 de febrero, lo que unido al acierto de su división en diferentes etapas que se caracterizan cada una de ellas por el valor intrínseco de mostrarlas como oposición a cuadros significativos de otros artistas de esa misma época (p. ej.: Corot y la pintura al aire libre o Manet y el retrato íntimo), hacen de esta muestra una magnífica ocasión de repasar, aunque no sea de una forma profusa, la biografía de un movimiento pictórico como el impresionismo, que a finales del siglo XIX se opuso a la pintura hasta entonces establecida.

Ese valor de ruptura con la época que le tocó vivir, hacen que Berthe Morisot se convierta en un estandarte innovador y rompedor con el mundo existente en el siglo XIX. Una mujer pintora entre hombres (Corot, Manet, Degas, Monet, Boudin, Renoir y Pissarro), que supo transmitir a su vida y a sus lienzos una fuerza, que unida a la entereza y firmeza de sus convicciones como mujer y artista, dieron como resultado una extensa obra que hoy en día sale de nuevo del injusto ostracismo al que se vio sometida en el siglo pasado, y que en marzo de 2012 de nuevo verá la luz en una magna exposición en el Museo Marmottan Monet de París. Olvidos innecesarios aparte, la exposición que estos días nos ofrece el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid, se inicia con la enigmática El espejo psiqué, donde ya podemos apreciar la intensidad de su pincelada y el mimetismo que desprende la figura de una mujer ensimismada ante el espejo, que nos transmite como nadie, la sensualidad e intimidad pigmentadas de una pureza casi nívea por el color blanco en sus diferentes matices que Morisot ha elegido como contrapunto a un suelo de tintes rojizos.

Dicen que el color negro es sinónimo de elegancia a la hora de vestir, y ese era el color preferido de la pintora impresionista Berthe Morisot a la hora de ponerse un traje, y quizá por eso, buscó en el contrapunto de los colores del impresionismo la fórmula de acercarse a ese otro universo personal, que aparte de la moda, era la pintura para ella, en la que también encontramos unas espléndidas y coloristas imágenes de parques y jardines, que son sin duda su expresión más típicamente impresionista, y que como un cliché estético que busca el clasicismo académico impregnado de una naturaleza colorista, se transforma en una sosegada observación del cuerpo femenino en La pastora tumbada, que junto a La pastora desnuda tumbada nos transmiten ese equilibrio natural de la figura de una mujer observada por la cálida mirada de otra mujer, consiguiendo que ese cuerpo se acople perfectamente con la naturaleza, como si ambas se necesitaran y se buscaran mutuamente.

No obstante, la parte más íntima de su obra es la que aborda los cuadros donde pinta a su marido Eugéne Manet o a su hija Julie, como muestras de esa simbiosis perfecta entre vida y obra, a la que sin duda también le ayudó su posición social (que supo aprovechar) y su inmediata aceptación e incorporación al movimiento impresionista, en cuyas exposiciones anuales en el Salón de París casi siempre estuvo presente, lo que la llevó a ser reconocida en vida, y a que muchos de su coetáneos suspiraran por ella, a lo que sin duda contribuyó su prolongada soltería como un símbolo más de su rebeldía ante las costumbres de los tiempos que la tocaron vivir. Enigmático y firme se alza la figura y el recuerdo de Berthe Morisot, sin duda, una adelantada a su tiempo, que ahora tenemos la oportunidad de disfrutar a través de su obra, que como un estandarte cargado de pinceladas largas definen la trayectoria de esta gran dama de la pintura a la que se conoció como la mujer de negro.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

ELADIO Y LOS SERES QUERIDOS MUESTRAN SU LADO MÁS CONTUNDENTE EN EL CONCIERTO DE LA SALA LA RIVIERA DE MADRID.

2011-12-10T20:37:00.001+01:00

El panorama musical autodenominado “independiente” está lleno de currantes de verdad, que a pesar de no copar portadas de revistas o vender cantidades indecentes de discos mantienen la ilusión por la música y su fuerza, y para ello no escatiman esfuerzos y dejan atrás trabajo y familia, sobre todo, cuando la ocasión lo merece. Ese era el caso ayer de la banda gallega capitaneada por Eladio Santos, que tuvo claro desde el primer instante su carácter de teloneros de Vetusta Morla, y por eso aprovechó su corta estancia en el escenario para hacer llegar su música a una Sala La Riviera que ya estaba casi llena cuando ellos iniciaron su actuación. El repertorio que eligieron fue contundente (aunque distorsionó un poco en los dos primeros temas), y una vez que se rompió el hielo entre grupo y público, se produjo esa química que nadie sabe muy bien de donde sale. En el día de ayer, Eladio y los Seres Queridos lo hicieron imprimiendo a sus canciones la fuerza de la ilusión, convirtiéndolas en un puro derroche de energía y power pop mezclado con teclados electrónicos, que se hizo con toda la platea de la Sala La Riviera, hasta que sonó Miss Europa y un halo de tristeza melancólica arropó a todos los presentes (es una magnífica canción), pero que el grupo de Vigo, aprovechó como contrapunto para catapultarse hacia un discurso sonoro pleno de ritmo y vitalidad, como muestra de la buena música que se hace en el noroeste español.

En la presentación de El tiempo futuro, Eladio presentó la canción como muy importante para ellos y pidió la colaboración del público con un oh, oh, oh, que se convirtió en un coro colectivo al instante. La cruz nos devolvió hacia los valores seguros de los temas pop más potentes, y con España a las ocho abordaron unos de sus hits más reconocidos; una fiesta a la que se unió Tarcio a la guitarra, y que no abandonó hasta el final del concierto. Con el corazón en la mano se mostraron arrolladores, una apoteosis final que continuaron con Nos iremos a vivir al Himalaya que fundieron con el tema Forever Young de Alphaville y que el público disfrutó y aplaudió con fuerza, dejando con un buen sabor de boca a todos los asistentes.

Eladio y los Seres Queridos cumplieron a la perfección la misión que tenían encomendada en su actuación de ayer en la Sala La Riviera de Madrid, pues su fuerza y tesón a buen seguro no pasó desapercibido para el gran número de futuros seguidores que con toda seguridad ayer se les unieron, y que hoy tendrán de nuevo la oportunidad de disfrutar con las buenas canciones de este grupo gallego denominado Eladio y los Seres Queridos.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

CONCIERTO DE VETUSTA MORLA EN LA SALA LA RIVIERA: LOS COLECCIONISTAS DE SUEÑOS SE HACEN GRANDES.

2011-12-10T11:55:00.001+01:00

Envueltos en un manto sonoro que los funde desde la primera nota con sus fans, Vetusta Morla volvió a demostrar ayer el por qué de su infinitos seguidores. La sala estaba llena, y nada más sonar los primeros acordes de Los días raros, todo se convirtió súbitamente en un delirium tremens, en el que todos aquellos que habían venido de Murcia, Jaén, Cáceres, Ávila, Córdoba e incluso Madrid, cayeron rendidos ante lo que estaban viendo como fantasmas en la noche, y enseguida borraron de su mentes el esfuerzo que habían tenido que hacer para disfrutar de dos horas de la mejor música que se pueda disfrutar en el panorama nacional. Después de lo visto y lo vivido ayer, es fácil concluir que Vetusta Morla es el más claro ejemplo de cómo la normalidad se puede transformar en una pócima mágica que tiene como destino el éxito. Y si la Coca-Cola disfruta de la fórmula magistral de las bebidas burbujeantes, los madrileños atesoran esa otra ecuación que ahora mismo los convierte en la formación del momento y los nomina como los próximos reventadores de estadios de fútbol y palacios de los deportes del territorio patrio.

Letras enigmáticas que deambulan entre los universos kafkianos de Cenas ajenas o épicas como Boca en la Tierra, se funden a la perfección con las mentes de sus fans que las corean y cantan de principio a fin en una solución de continuidad que no deja de llamar la atención. Jóvenes entregados a una causa que viven como suya, y a la que Pucho en la voz les da mil y un argumentos, pero que enseguida se traslada a una base musical donde la percusión aplasta a todas las mentes incrédulas que todavía no hayan caído rendidas ante tan magno espectáculo, porque Vetusta Morla ayer demostró sobre el escenario que sus medios tiempos se convierten en pura dinamita en directo, con una intensidad que deviene en infinita y que mantiene alterados los corazones de sus seguidores de principio a fin.

Todo ello nos lleva a concluir que si alguien tenía alguna duda todavía de cuál era el grupo español con más futuro en el panorama musical español, que se pase por los tres conciertos que todavía le quedan al grupo madrileño en la Sala La Riviera para darse cuenta del inmenso potencial que tienen bajo sus pies Pucho y sus compañeros. Las cifras a veces que hablan por sí solas y las 30.000 copias vendidas de su último disco Mapas, o las 12.500 entradas vendidas (sold out los cinco días) en los conciertos de la Sala La Riviera son sólo dos datos de que estamos ante el nuevo estandarte del panorama musical español. Por no hablar de su reciente desembarco en México (junto a Zoé en alguno de sus conciertos), o su regreso a Houston (Texas) o de nuevo a México después de las Navidades.

Quizá una de las claves del éxito de Vetusta sea la facilidad con la que transmiten imágenes y sonidos que se convierten en sueños, en una sucesión continua e intensa de sensaciones que atrapan el subconsciente de sus seguidores, porque no en vano en su día ya los definimos como los coleccionistas de sueños, y esa es una virtud que a día de hoy es muy difícil de atesorar, inmersos como estamos en un devenir oscuro e incierto. Y como no hay mejor ejemplo para definir lo dicho que una imagen, que todos aquellos que tengan la fortuna de ir a alguno de los conciertos que todavía les quedan, que se preparen para el final apoteósico con el tema Cuadratura, pues tardarán bastante en despertar de ese onírico viaje que ayer Vetusta Morla nos regaló en la Sala La Riviera de Madrid.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

JANE EYRE: LA INQUEBRANTABLE PUREZA DEL ALMA.

2011-12-09T18:10:00.001+01:00

La necesidad de libertad a veces se transforma en un delirio que nos deja ciegos ante el amor y sordos ante la desdicha. Huir es la primera opción, pero la huida en sí misma no es la solución, porque algo dentro de nuestras entrañas hace que nuestra cabeza estalle una y otra vez en un grito mudo que nadie más que uno mismo puede oír. Si además ese grito que nos lanza el corazón viene expresado por la inquebrantable pureza del alma, no cabe mayor fuerza en la tierra que sea capaz de doblegar la voluntad del ser humano. Jane Eyre abandona Thornfield House abatida por la mentira y derrotada por el poder oculto de una de las figuras más míticas de la literatura de todos los tiempos, “la loca del ático”, que como un vendaval arrasa su dicha. Esta simbología empleada por primera vez por Charlotte Brontë, se va a desplazar a partir de entonces por innumerables autores, novelas y relatos de la historia de la literatura, lo que poco a poco irá acrecentando su fama de mito. Y así, la cadencia pura y romántica que envuelve a este maravilloso cuento de hadas deviene en realidad oscura, a la que su protagonista sólo es capaz de vencer a través de la virtud. Es en ese instante, cuando la mirada de Mia Wasikowska (Jane Eyre) se funde en una miel pura bajo el color avellana de sus ojos, que su tez blanca y su pelo recogido, sólo aumentan más y más hasta el infinito. Ese juego de colores limpios, se funden magistralmente con la inmensidad del paisaje. Todo es natural en Jane Eyre, sus sentimientos y el entorno que la acogen bajo la tenue luz inglesa.

Quizá una buena parte de los espectadores que van a ver el film, no sean del todo conscientes que se encuentran ante algo más que una película romántica con tintes góticos, que tanto la realización de Cary Fukunaga, como la fotografía de Adriano Goldman elevan hasta límites sublimes y conscientemente bellos y estéticos. “No me da miedo la soledad” confiesa Jane Eyre, y todo el equipo técnico de la cinta se pone al servicio de tal afirmación, donde la música sencilla y directa del piano y el violín se transforman en vehículos cargados de sonidos vírgenes que nos llevan, a través de las imágenes, por un viaje pleno de emociones, donde el amor se comporta como la mayor de las manifestaciones de la libertad y la pureza. Entrega sin límites y pasión contenida en los ojos de Jane y en las palabras de un magnífico Michael Fassbender en el papel del Sr. Rochester, que conjuga como nadie ese contrapunto de la soledad de la mujer en una época en la que estaba destinada al ostracismo. De ahí, que la importancia de este cuento de hadas no sea el envoltorio de la historia de amor en la que se nos presenta, sino que su máximo valor está en la percepción que tiene la protagonista de su propia existencia, de la pérdida y la soledad a las que debe vencer para vivir su propia vida, porque Jane Eyre es el principio de muchas cosas, que a medida que pasa el tiempo, la engrandecen cada día más. Esa soledad ante la vida a la que su autora Charlotte Brontë y sus hermanas se enfrentaron, se refleja de una forma mítica y maravillosa en los páramos que recorren las heroínas de sus novelas allá por el inicio del siglo XIX, donde la necesidad de libertad y de realización de la propia persona, las empuja a ellas y sus personajes una y otra vez contra el muro de la incomprensión y el olvido.

Uno de los grandes aciertos de Cary Fukunaga a la hora de afrontar esta nueva versión de la novela de Charlotte Brontë, es el respeto hacia el texto original, lo que deviene en una extraordinaria manifestación del romanticismo de la época, a veces gótico en el rodaje de los interiores escasamente iluminados y otras naturalista en la vasta e infinita dimensión de la campiña y los páramos ingleses, que como un océano sin dimensiones abarca los límites inabarcables de esta historia de encierro y escape que encuentra en las interpretaciones de Mia Wasikowska y Michael Fassbender dos estupendos aliados, que dan una perfecta réplica, a este drama romántico que a lo largo de la historia se ha comportado como el inicio de una senda plagada de grandes hallazgos.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

MACBETH EN LOS TEATROS DEL CANAL: LA AMBICIÓN TEÑIDA DE NEGRO.

2011-12-08T11:15:00.001+01:00

La ambición desmedida que se traslada a la traición como mejor soporte para llevarla a cabo, unida a la falta de escrúpulos, que no de conciencia, arremeten una y otra vez sobre la mente de Macbeth. Héroe reconvertido en villano o humano transformado en sombra (en su propia sombra), que se mira y no se reconoce. Sí, la ambición teñida de negro inunda bajo una profunda oscuridad el escenario del Teatro del Canal, que poseído de una perenne niebla, vaga como un alma en pena en busca de su descanso definitivo. Pero ¿hay descanso para un alma herida por su propia espada? Y bajo este manto autodestructivo, la presencia del verbo shakesperiano se alza una y otra vez sobre sus personajes como una luz que no se agota y que nos zarandea las conciencias. Esa violencia verbal, se incrusta como una daga en nuestros oídos, y nos deja sobrecogidos y temerosos de nuestros actos, como si los espectadores también fuéramos partícipes de esta tragedia con mayúsculas, otra de tantas a las que el ser humano sucumbe hoy sí y mañana también. Pues no cabe sino sobrecogerse ante la carga crítica sobre la que se cierne este Macbeth, porque lo hace sobre una sociedad actual herida de muerte por la flaqueza del alma del ser humano, que pobre de espíritu y valores, vaga sí, como un alma en pena arrasando los desechos de una sociedad en destrucción.

Pero ¿qué tiene este Macbeth de la Compañía UR Teatro bajo la dirección escénica de Helena Pimenta que lo hace tan distinto y único? En primer lugar, cabría apuntar que la puesta en escena es brillante, con un uso del 3D magistral, donde como un personaje más, las sombras y los personajes que nos proyectan se abaten sobre el escenario y la historia que allí se nos cuenta. No cabe mejor ejemplo para poner en las escuelas de arte escénico de cómo introducir las nuevas tecnologías al servicio del mundo del arte o el teatro, como es este caso. A lo que hay que añadir, el buen hacer sobre el escenario de José Tomé (Macbeth) pero también hay que resaltar su gran labor como escenógrafo y director de los audiovisuales. Unas sillas es todo el mobiliario utilizado para esta obra, que lejos de ser insuficiente, magnifica el poder simbólico que tiene la de Macbeth, que a modo de trono, entra, sale y yace sobre el escenario. Esa simple silla, es el trono de la desdicha, el símbolo de la sinrazón más absoluta y oscura por la que un hombre y un pueblo pierden sus vidas, ¿acaso cabe mayor poder bajo la simbología de un objeto en apariencia sencillo y sin valor?

Otro de los grandes aciertos de este rotundo Macbeth, es sin duda el vestuario de la Primera Guerra Mundial que se ha elegido para vestir a los personajes, pues se comporta como un nexo de unión más cercano y reconocible para el espectador actual, que lo traslada sin dificultad a ese mundo de las tinieblas en el que ser humano yace cada cierto tiempo. Si Macbeth es pura destrucción, el simbolismo militar bajo el que se empañan los abrigos y los cascos de los personajes, es un majestuoso icono bélico, bajo el que nos identificamos sin dificultad con la barbarie, que sólo se salva con el Coro de Voces Graves de Madrid, que se alza como el testigo y el plano moral dentro de la obra, y que bajo el soporte musical de Verdi resplandece y llena de un eco de esperanza el oscuro escenario del Teatro del Canal, que como un viaje hacia las tinieblas nos muestras las consecuencias de la destrucción del ser humano, cuando a su ambición la tiñe de negro.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

EL NUEVO VIDEO DE COLDPLAY,CHARLIE BROWN EN DIRECTO

2011-12-08T10:05:00.001+01:00

SECOND CELEBRA SUS PRIMEROS QUINCE AÑOS EN LA MÚSICA CON LA GRABACIÓN DE UN DISCO EN DIRECTO EN EL TEATRO CIRCO DE MURCIA.

2011-12-08T09:44:00.001+01:00

Como decía la vieja canción quince años no son nada, o ¿quizá sí? Para salir de dudas, Second ha decidido recordarnos a todos su aventura musical en ese período de tiempo; y lo han hecho de la mejor forma posible, disfrazados bajo las notas de sus canciones, que comenzaron en un lejano 1997 bajo la batuta de Sean Frutos (vocalista) y Jorge Guirao (guitarra), a los que más tarde se unirían el resto del grupo: Nando Robles (bajista), Fran Guirao (batería) y Javi Vox (guitarra/teclados).

Desde entonces, las señas de identidad de este grupo murciano han sido siempre las mismas, porque su objetivo no ha sido otro que el de transitar por la senda de los soñadores, un lugar mágico repleto de sonidos que siempre buscan la verdad del instante de una forma sencilla, sin necesidad de despistarnos con falsos artilugios. Si todos sus seguidores corean ya sin dificultad los últimos éxitos de sus dos últimos discos, Demasiados Soñadores y Fracciones de un Segundo, no es menos cierto que adentrarse en esa otra aventura que es escuchar sus tres primeros trabajos, es hacerlo en el interior más profundo de una intrahistoria muy rica en matices, que con el paso del tiempo, se nos antojan cada vez mejores. Sólo hace falta detenerse en canciones como Watching the moon de su primer disco Private Life para darnos cuenta que nos encontramos ante cinco generosos músicos que tienen la necesidad de transmitirnos sensaciones, imágenes y sentimientos con los que alimentar a nuestro imaginario colectivo, que en un mágico viaje, se funde con una de las épocas más fructíferas de la música popular, porque por sus notas encontramos la esencia de los mejores The Smith, The Cure, y otros tantos, que hicieron de la música pop algo grande, y que en su segundo trabajo alcanza cotas altísimas en temas como Differente Levels, Living in London, Sweet Caffeine o Great Failures. Unos pasos en el mundo de la música, que les llevaron con toda justicia hasta lo más alto, con su triunfo en la Final Mundial de los GBOB Awards, que desgraciadamente se convirtió en un falso espejismo de lo que en verdad debería haber sido ese galardón.

Pero Second no desesperó, y continuó componiendo buenas canciones, que como una premonición, recogieron bajo el nombre Invisible (se escribe igual en inglés que en español, aunque no se pronuncia exactamente igual), y en ese nuevo tramo del camino, sus temas se tornan más cálidos, como su tierra mediterránea, y esta vez sí, el castellano comienza a hacer su aparición en las letras de sus canciones, aunque Invisible, Her Dairy o On an Island siguen teniendo ese duende oscuro y anglosajón que tan bien han sabido atesorar Second, como si se hubiesen postulado como los mejores guardianes de un tesoro que nunca deba desaparecer o perderse. Pero en esta ocasión, también nos encontramos con esos otros ritmos que poco a poco se van abriendo camino en su música, y canciones como Algo, Nada te dirige o Tu inocencia intacta son el anticipo de lo que será su gran irrupción en el panorama musical español con su álbum Fracciones de un Segundo y su hit Rincón Exquisito, un tema rabiosamente pop, que tiene la característica de atraparte desde la primera nota. Pero lo mejor de este disco no es sólo este tema, sino el compendio de grandes canciones que se reúnen en el mismo, como Palabras, su archiconocida Rodamos con la que acostumbran a terminar sus conciertos, y que a su vez, se funden con total naturalidad con la densidad sonora de Más Suerte, como ejemplo de esa otra forma de ver la música que tiene Second, lo que los convierte en exploradores de sonidos al alcance de muy pocos y les lleva a estar nominados como mejor grupo nuevo y mejor videoclip en los premios 40 Principales. Un disco, que entre otras muchas cosas, nos dejó el gran sabor de boca de su concierto final de gira en la Sala Joy Eslava del 22 de abril de 2010.

La carretera y la furgoneta como compañeras inseparables de su deambular por el mundo de la música, se convirtieron en protagonistas de su último trabajo Demasiado Soñadores, porque el mismo nació entre concierto y concierto, festival y festival en un proceso febril y creativo que les llevó a repetir hasta el infinito la grabación de alguna de las canciones, y que de la mano de Raúl de Lara (el conocido como sexto Second), recupera la garra de sus inicios, con sonidos más contundentes y guitarreros, como señas de identidad una vez más de la fuerza y el empuje de este grupo murciano. Demasiado soñadores atesora una selección de canciones destinadas a quedarse en lo más profundo de nuestra memoria, que se inician con una enigmática y arrebatadora N.A.D.A., pero siendo esta una gran canción, no podemos olvidarnos de esas otras que no se quedan atrás, como Muérdeme, Mañana, Autodestructivos o Psicopático… que les ha llevado a ganar el Premio Pop-Eye 2011 al Mejor Artista Nacional y al Mejor Videoclip por Muérdeme.

Todas ellas ahora se funden en un nuevo salto al vacío en forma de disco en directo (un disco que se comporta como un gesto más de esta senda de los soñadores por donde Second nos invita a transitar cada día), con el que Sean, Jorge, Nando, Fran y Javi, les quieren dar las gracias a todos sus seguidores y amantes de la buena música, porque como decía la vieja canción, quince años no son nada, o ¿quizá sí?

Ángel Silvelo Gabriel, diciembre de 2011, Madrid.

VETUSTA MORLA PRESENTA SU NUEVO VIDEOCLIP EL HOMBRE DEL SACO

2011-12-07T19:40:00.001+01:00

INCENDIES: UNA BIOGRAFÍA DE LA SINRAZÓN.

2011-12-06T23:40:00.001+01:00

La firmeza de los sentimientos rotos se sobrepone a casi todo, excepto al destino. Denise Villenueve, el director y productor de Incendies, la define como un “campo de minas”, porque en esa aparente frialdad visual en la que está rodada bajo un pálido espectro cromático, los cortes en la yugular se suceden unos tras otro sin darle tiempo al espectador de filtrar tanto odio y destrucción. No hace falta más que atender a la frase inicial de la película: “la infancia es un cuchillo clavado en la garganta”, mientras suena el tema You and whose army? de Radiohead, para darnos cuenta que estamos ante una historia sin concesiones sentimentales ni comerciales. Dura, árida y difícil de ver, Incendies sin embargo tiene esa extraña cualidad de las historias que te atrapan hasta el final, pues el espectador se identifica con esa necesidad de saber el por qué de aquello que se le está contando, y eso, a pesar de la lentitud con la que está rodada.

El por qué de esta biografía de la sinrazón, comienza con un enigma que enseguida adivinamos que se ha propiciado por la ruptura del amor por causas religiosas a las que la protagonista Nawal (Lubna Azabal) tendrá que hacer frente por ese avatar endémico que enfrenta al ser humano desde el principio de los tiempos. La muerte del ser amado y la desdicha que ello conlleva, en este caso se convierte en el motor que mueve la voluntad de la protagonista, que tras dar a luz al hijo del padre muerto y ser desposeída de él, le promete ir a buscarle algún día.

Pero esa es la intrahistoria de esta biografía repleta de odio, muerte, destrucción y perdón, porque Villenueve nos la presenta a través de la mirada de los dos hijos menores de Nawal (Jeanne y Simon) que como una adivinanza macabra deben hacer frente a los designios de una madre muerta que los invita a desentrañar el verdadero significado de sus vidas. La búsqueda de un padre al que ellos daban por muerto y de un hermano del que desconocían su existencia, se convierte en una vía exploratoria que nada tiene de detectivesca, sino que más bien se nos presenta como una terapia que va del amor a la muerte para terminar en el perdón.

Otro de los grandes aciertos del film, es la presentación del mismo a través de pequeñas historias-secuencias que ensambladas magistralmente nos ayudan a componer el puzzle de esta biografía de la sinrazón, en un perfecto juego que nos muestra el presente confrontado con el pasado en unos parajes áridos e inhóspitos como la propia vida de Nawal, una víctima más de la confrontación religiosa que desangra a Oriente Medio. Esas dosis de pequeñas adivinanzas nos van dando las pistas de la intrahistoria de la historia, que a medida que avanzan nos proporcionan los datos de una gran ingravidez existencial, pues como espectadores, en algún momento necesitamos de un hálito de esperanza que sólo nos llegará al final.

Incendies es en sí misma un incendio rojo (como el cartel de la película), que se asemeja bastante a lo que algunos podemos entender que es el infierno, donde el alma nunca puede encontrar una morada donde descansar, y así es la vida de Nawal, un viaje sin descanso.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

ÁNGEL SILVELO ES FINALISTA DEL IV CONCURSO DE MICRORRELATOS ABOGADOS.ES: MES DE NOVIEMBRE

2011-11-30T18:42:00.001+01:00

Este gracioso proceso de aprendizaje rápido para abogados, es el que me ha dado de nuevo la posibilidad de ganar este concurso en el mes de noviembre.

ACADEMIA EXPRÉS

Era mi última oportunidad para convertirme en abogado. Mi nuevo teléfono táctil me indicó el sitio acordado. En el portal, había un cartel que decía: academia exprés para abogados. Subí por una destartalada escalera al primer piso, donde me topé con un letrero que ponía: Abogados de oficio = sacrificio sin recompensa. Seguí subiendo, y en la segunda planta leí la siguiente proclama: libertad, la mejor sentencia para un criminalista. Intrigado, empecé a correr escaleras arriba, pero una enorme pancarta detuvo mi marcha: Abogadomía, la insatisfacción del litigador convulso. Vacilé antes de subir a la última planta, pero una voz me dijo: suba, suba sin miedo. Al llegar, vi a mi viejo profesor, que satisfecho al verme, exclamó: ¡aleluya!, por fin un alumno que no tiene miedo a asumir los retos de la profesión, mientras que con su mano extendida, me mostraba la última lección: Abogado = explotación segura.

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

ROMAN POLANSKI, UN DIOS SALVAJE: LA MALA EDUCACIÓN DE LOS PADRES.

2011-11-29T21:19:00.001+01:00

Roman Polanski en esta ocasión nos lleva de la mano de Yasmina Reza, para mostrarnos de cerca y con toda su crudeza, uno de los grandes problemas de las sociedades occidentales más avanzadas, porque en su ansia de conquistar nuevos territorios, el ser humano se muestra incansable a la hora de defender aquello que cree suyo, aunque para ello, pierda los papeles y tenga que quedar en evidencia delante de los demás, ya sean éstos extraños o conocidos. La razón, o mejor dicho su razón, se transforma en ese territorio inexpugnable al que nadie puede acceder, ya que todos creemos que nuestras razones son incontestables y las mejores razones del mundo. En esa lucha por conquistar nuevos territorios tanto públicos como privados a la que antes aludíamos, los padres modernos se llevan la palma de la sinrazón, porque cada vez más y en un mayor número, se comportan como auténticos guardianes y defensores de los desmanes de sus descendientes, sin tener en cuenta las últimas razones del comportamiento de sus hijos, ni pararse a pensar tan siquiera en los porqués de sus comportamientos, porque si lo hicieran, a buen seguro se darían de bruces con sus frustraciones.

El acierto de Roman Polanski en esta ocasión, es presentarnos la acción con suma agilidad y destreza en el manejo de la cámara (la película se pasa volando) dotando a la versión cinematográfica de Un dios salvaje de un dinamismo y un encuadre puramente fílmico, que la distancian de la versión teatral, y que Polanski hace plenamente suya dejando gran parte del peso del rodaje a los actores, que desarrollan sus papeles de una forma magistral, sobre todo, en esa conversión que sufren desde la hipocresía inicial de los buenos modales, hasta la desnudez de sus miedos y carencias como personas del final. Lo que nos lleva a preguntarnos ¿qué pasaría si los padres dejasen resolver sus conflictos a sus hijos? Pero esa pregunta se nos antoja incapaz de responder en la sociedad actual, pues los padres se muestran cada vez más preocupados por ocupar espacios que no les corresponden y abandonar aquellos que si son legítimamente suyos (como la educación de sus hijos), y si no se lo creen, sólo tienen que pasarse por un colegio y preguntar al personal docente del mismo sobre el estado de la educación de nuestros jóvenes, para darse cuenta que estamos recorriendo el camino en el sentido inverso, y de esta manera, llegar poco a poco a un punto de no retorno.

Un dios salvaje, entre otras cosas, es un magnífico ejemplo de cómo dos chicos son capaces de recuperar su amistad al margen del dañino mundo de sus padres, que sólo tratan de vaciar de contenido las relaciones entre sus hijos, porque en el fondo, por encima de planteamientos y valores respetables, lo que subyace es la necesidad de imponer nuestros dogmas a los demás.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

HAPPY THANK YOU MORE PLEASE: EN BUSCA DE LA FELICIDAD O LA NECESIDAD DE AMAR Y SER QUERIDO.

2011-11-28T16:29:00.001+01:00

Una y otra vez nos recuerdan que el amor es el sentimiento más importante de todos los posibles, y el que mueve el mundo sin necesidad de dar pedales o ser rico. Josh Radnor (Sam), y a la postre, escritor, director y protagonista de esta cinta, nos da su particular punto de vista acerca de eso que llamamos amor, si bien, él intenta desfragmentarlo en las diferentes etapas por las que pasan las parejas en su búsqueda y hallazgo, e incluso, en el amor universal que un hombre puede sentir por un niño y viceversa, como una muestra de eso que llamamos amor puro. Aparte de este matiz sentimental, la puesta en escena de esta Happy… se basa en la importancia que hoy en día tienen las relaciones de amistad entre los componentes de la generación que supera la treintena sin llegar a la cuarentena, encontrando en ese tipo de intercambios, el verdadero equilibrio que no son capaces de encontrar por sí mismos ni con sus respectivas parejas, a lo que Radnor, impregna de una buena pátina indie en la música, en la luz con la que rueda sus escenas, y en el prototipo de personajes desubicados en una casi anónima Nueva York, paradigma del mundo moderno a todos los niveles, y que en esta ocasión, es simplemente eso, una referencia verbal más que visual.

La búsqueda de la felicidad se convierte, por tanto, en un icono del que se ha oído hablar muchas veces, pero que nadie sabe con certeza si existe, pues las vidas de los personajes, transcurren en un devenir frustrado y frustrante por los condicionantes personales con los que cada personaje se enfrenta a eso que hemos dado en llamar “nuestra vida” o “su vida”. No obstante, a pesar del cliché manido que se emplea en la película sobre el tema, hay algo en los actores y en la trama que te deja con una sonrisa en la boca, porque en el fondo, todas y cada uno de las vidas que se retratan en Happy… parece que terminan por encajar, aunque sea en ese hueco en el que ninguno de ellos había esperado terminar posicionado. Y esa sensación de bienestar, es sin duda una herramienta muy importante en el devenir del film, sobre todo, en los tiempos que corren, donde cada día y en cada minuto, nos recuerdan lo poco que nos queda para seguir continuando con nuestras actuales vidas; y como dice uno de los personajes en la película: ¿felicidad?, gracias, más por favor…

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

JAVIER CERCAS, SOLDADOS DE SALAMINA: LA FRAGILIDAD DE LA MEMORIA.

2011-11-28T10:30:00.001+01:00

¿Quién se acordará de nosotros cuando hayamos muerto? El gran anhelo del ser humano de ser inmortal se desvanece con la misma rapidez que su recuerdo cuando ya nadie evoca su vida, porque ¿qué difícil es atravesar la barrera del tiempo? Escritores, artistas, políticos o personas que llegan a teñir de negro sobre blanco una escueta reseña biográfica en la Wikipedia, pueden pensar que a ellos no les dejarán caer en el olvido, pero ni así, tienen la certeza que alguien entre dentro de sus datos o lean sus novelas o vean sus cuadros, porque grandes genios y personajes ilustres de la Historia de la Humanidad también duermen en el cementerio de los justos, ese que nadie visita, ni nadie sabe dónde está.

La trampa de la memoria parece ser el mecanismo final con el que Javier Cercas nos remueve la conciencia y la memoria para recordarnos el heroísmo de aquellos que perdieron la guerra y la posibilidad de su recuerdo y sentido homenaje, porque de los perdedores nadie se acuerda. La única grieta que se atisba en todo este “relato real” en palabras del narrador, es la excusa última que sobrevuela sobre todo el entramado de esta historia, al dotar a Sánchez Mazas y los cien falangistas existentes en España en la década de los treinta de un poder infinito (“porque por culpa de Sánchez Mazas y por la de cuatro o cinco tipos como él había pasado lo que había pasado…”) sin reparar en ningún caso en su afán de reconstruir la historia de España de esos años, en la formación del Frente Popular en las elecciones del 34 y en el consiguiente fracaso de la Segunda República hasta su desembocadura de la Guerra Civil. Pero hechos históricos aparte, hay que convenir como hace el gran maestro Vargas Llosa, que el gran acierto de este relato es la introducción del propio narrador dentro del mismo, pues convierte a este relato real, en una historia dinámica muy literaria, a veces hasta divertida, con la que consigue llegar a las entrañas más profundas del ser humano, (por ejemplo cuando Miralles le pide al narrador que le abrace), porque como muy bien titula Vargas Llosa en el artículo que encumbró de lectores a esta novela, El sueño de los héroes tiene el encanto de las historias de perdedores, que a nivel literario, siempre son mucho más seguidas que las de los ganadores.

La introducción de la realidad dentro de los relatos de ficción, no es algo novedoso dentro de la Historia de la Literatura, porque por ejemplo, Julian Barnes ya lo hizo en su novela El loro de Flaubert, donde reconstruye parte de la vida del gran escritor francés Gustave Flaubert, pero que en el caso de Soldados de Salamina, Javier Cercas prefiere denominar relato real, cuando en realidad, se trata de un relato de ficción que parte de datos reales, al que de una forma muy astuta, Cercas ha dotado de todos los ingredientes de la buena literatura y donde no faltan el tesón, la poesía, el desánimo, la trascendencia o la intriga. El relato se encuentra divido en tres partes (Los amigos del bosque, Soldados de Salamina y Cita en Stockton) cuyos títulos nos dicen mucho y son una nota más del acierto del autor, pues desde su inicio, son un elemento más del carácter novelesco de este libro, al que Cercas con muy buen acierto, y ayudado al final por la casualidad de la diosa fortuna, supo dar un cierre original y cuando menos acertado, pues el relato de Miralles que cierra la novela, es sin duda, el mejor de los tres, porque tiene la capacidad de dejarnos sumidos en la derrota que siempre supone perder la batalla del tiempo por la fragilidad de la memoria.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

ÁNGEL SILVELO ES FINALISTA DEL I CONCURSO DE MICORRELATOS DEL DIARIO INFORMACIÓN.ES

2011-11-25T13:05:00.001+01:00

Una vez finalizada la primera fase del concurso donde se han elegido 100 micorrelatos del total presentados, mi micro titulado Nada que alegar, forma parte de los mismos. A partir de ahora, se inicia una segunda fase en la que se podrán votar los micros de 1 a 10 votos, y de entre los 25 más votados, saldrán los ganadores del concurso, que serán elgidos por un jurado. Por eso, os animo desde aquí a que votéis mi micro, que de paso os dejo colgado para que lo leáis y el enlace donde votarle: http://comunidad.diarioinformacion.com/galeria-multimedia/CONCURSOS/microrrelatos-finalistas/35439/51.html

NADA QUE ALEGAR

Yo formaba parte de un grupo musical, y nunca fui tan feliz. Fumaba todos los cigarros que quería y viajaba en barco cada vez que tocábamos en las islas. Todo era perfecto hasta que apareció ella. Me dijo que era abogada, de causas imposibles, añadió. No sé por qué, pero se enamoró de mí. Nunca entendí su tenacidad para sacarme de la cárcel. Yo no la quería, pero harto de su insistencia, le dije: haz que lo nuestro encaje. Me dio clases de derecho y me consiguió la condicional. Incluso logré un puesto de abogado en el turno de oficio. Pero algo falló en su plan, y ahora, ella está en el banquillo de los acusados, esperando a que yo le demuestre mi amor. ¿Algo que alegar?, me pregunta el juez. La miro mientras leo distraído el periódico INFORMACIÓN, y contesto: no señoría, nada que alegar.

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel.

JULIO DE LA ROSA PUBLICA UN DVD CON LA HERIDA UNIVERSAL EN IMÁGENES‏

2011-11-23T19:42:00.001+01:00

Julio de la Rosa decidió ponerle imágenes a cada uno de los dieciséis cortes de su laureado disco La Herida Universal (premio del público en los Premios de la Música Independiente UFI 2011 y en lo más alto de todas las listas del año). El resultado es un disco que, además de oírse, se puede ver: dieciséis videoclips de todo rango y condición, desde vídeos caseros al primer Premio Nacional de Videoclips FIVA 2011. Con realizadores y realizadoras como Laura Prieto, Marta L. Lázaro, Alicia Guirao, Eva Pallarés, Ignacio Celma, Jorge Flames, Merche Cervera o el mismo Julio de la Rosa.

Además de las imágenes, incluye el disco original en audio y también El Hilo Salvaje, un ep con cuatro temas inéditos extraídos de las sesiones de La Herida Universal. A esto hay que añadir varios videoclips alternativos y comentarios de todos los vídeos.

El resultado, publicado por Ernie Records, podrá disfrutarse a partir del 13 de diciembre.

CYAN NOS DEMUESTRA LO BIEN QUE LE HA SENTADO EL TRAINING DE LOS FESTIVALES VERANIEGOS EN LA SALA SIROCO DE MADRID.

2011-11-23T19:32:00.001+01:00

Cuando vas a ver a Cyan, sabes de antemano que vas a encontrarte con la energía de Javi Fernández sobre el escenario, que reparte muy bien y a partes iguales, sobre las teclas de su piano o las del mini teclado electrónico que le acompaña, a la vez que rasca las cuerdas de su guitarra y su voz. Sin embargo, y a pesar de la estrechez de la sala elegida para su último concierto (inadecuada a todas luces, por lo pequeña que se le quedó al grupo), lo más sobresaliente el pasado viernes en la Sala Siroco de Madrid, fue la contundencia del sonido de este quinteto catalán, al que se le nota que ha aprovechado muy bien el verano, no sólo para sacar un Ep con cuatro canciones más que notables, sino también, para rodarse por todos aquellos macro festivales en los que han conseguido colarse, amén de las grabaciones de videoclips caseros dentro de las aguas del Mar Mediterráneo incluidas. Pues los que ya les vimos en la Sala Boite de Madrid hace unos meses, pudimos quedarnos con esa sensación de franca y acertada mejoría de un grupo, que si toda va bien, está llamado a estar en los primeros puestos del escalafón indie nacional, aunque su música, una mezcla entre pop-rock y el power pop, no desentonaría en las grandes cadenas radiofónicas que diariamente nos anuncian “lo más” de la música española.

Las herramientas para atesorar todo lo dicho, son tan escasas como elementales, pues sólo les ha hecho falta componer un puñado de buenas canciones, a las que han sabido dotar de brillantes melodías y casi mejores letras, pues ya en este momento de su carrera, no hay que pasar por alto, que la mayoría de sus seguidores cantan sus temas como si lo hubiesen estado haciendo toda la vida, lo que hace dinamitar la fina e invisible línea que los pudiera separar de sus artistas favoritos, porque Cyan (y sobre todo Javi Fernández) se mostraron muy cercanos a su público, y muy enchufados desde el primer momento, no dejando decaer en ningún instante esa capacidad para aunar fuerza, ritmo y sentimiento en el setlist que eligieron, y por el que pasaron canciones como Volando Eléctrico (que sirvió para comenzar el concierto), o grandes clásicos de su repertorio como Esos niños, Las Cenizas del verano o En mi Nave, que supieron arropar muy bien con la versión de Quique González de su hit Salitre, todo un petardazo sonoro y musical que consiguió deleitar a todos los asistentes.

En definitiva, Cyan nos demostraron el otro día en la Sala Siroco de Madrid, lo bien que les ha sentado el training de los Festivales veraniegos, pues los han invertido, para cubrirse de una pátina musical y de puesta en escena que concierto a concierto les llevará sin duda hasta lo más alto del panorama musical español.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

ÁNGEL SILVELO SELECCIONADO EN LA VIII EDICIÓN DEL CONCURSO DE RELATOS "ACERCANDO ORILLAS" DEL AYTO DE ZARAGOZA 2011.

2011-11-21T16:36:00.001+01:00

Entre premio y premio, recibí la llamada de una persona de la Casa de las Culturas de Zaragoza, para invitarme a recoger el diploma con el que he sido premiado, y anunciarme que estoy seleccionado dentro de la próxima publicación, que a tal efecto, se hará de los relatos elegidos para formar parte del libro recopilatorio que verá la luz en las Fiestas del Pilar del año 2012.

Ya estuve seleccionado con publicación en la pasada edición, pero todavía no he recibido por parte de los organizadores del concurso, la copia del diploma y el libro que me dijeron que me enviarían a casa. En fin, una pena que por culpa de la crisis, los ayuntamientos no dispongan de sobres y sellos para hacerme llegar mis galardones. Como dice el refrán, no hay mal que cien años dure. Pues eso.

Os dejo un extracto del relato.

EL PREMIO

… Y de nuevo te vi, sin necesidad de recordarte entre las cortinas de mi memoria; entonces estabas poseída por la levedad de las nubes bajas, escondida bajo un manto mitad blanco mitad gris, y perdida en los confines del tiempo, como mis recuerdos; esta vez sin embargo, te sentí arrebatada por los sueños de los perdedores a los que cobijabas, y perpleja por los tiempos que te habían tocado vivir; y te vi y no te reconocí, porque en ese primer instante, sólo supe distinguir que estabas afincada bajo tus raíces, como siempre, e intuí que te encontrabas a la espera que alguien fuera a buscarte, y sin pensármelo dos veces, me comporté como si yo fuera el explorador de tierras inaccesibles y el descubridor de lugares remotos al que estabas esperando, y así sin más, de nuevo me recibiste con los brazos abiertos, en un alarde de generosidad cargado de buenas intenciones; después de ese primer vistazo te dejaste ver, y mis ojos, todavía sin dar crédito a aquello que tú me mostrabas, se perdieron otra vez en el brillo de tus edificios, el reflejo de las aguas de tus fuentes y la cercanía de las personas a las que acoges, que sin necesidad de engañarme, me mostraron la senda hacia el premio que había ido a recoger; esos caminos convergentes, que sin mucho esfuerzo, me llevaron a esa primera vez, la nuestra; a esa mañana del mes de enero en la que tú posabas tímida y jugabas al escondite tras la densa niebla del río Ebro, mientras esperabas a que los aires del Moncayo te dejasen ver tal y como eras, tal y como eres, sin buscar esa falsa necesidad de taparte bajo el tamiz de los sueños; esa primera vez, me dirigí hacia mi nuevo lugar de trabajo, y lo hice ausente ante tus encantos, sordo ante tus señales y ciego ante tus múltiples miradas, y caminé absorto con la melancolía de los que no saben que lo bueno está aún por llegar...

Extracto del relato El premio, de Ángel Silvelo Gabriel.

ENTREGA DE PREMIOS DE LA XVIII EDICIÓN DEL CONCURSO DE RELATOS CLUB TAURINO MAZZANTINI

2011-11-21T16:11:00.001+01:00

El sábado atravesamos por segunda vez, en menos de quince días, la meseta castellana. Llegamos a Llodio, donde bajo un sol que invitaba a quitarse el jersey, recibimos la no menos calurosa bienvenida de la Junta Directiva y de gran parte de los socios del Club Taurino Mazzantini. Una vez hechas las presentaciones, nos dirigimos al restaruante donde se celebraba la comida anual del club, así como la entrega de premios taurinos y literarios. Yo tuve la suerte de compartir mesa y mantel con Txani y Javier, con quienes tuve la oportunidad de hablar de literatura hasta que llegó el momento de la entrega de premios. Desde aquí, quiero dar la enhorabuena al novillero Fernando Rey, aparte de por los premios recibidos (tres en total) por el aplomo y serenidad de un hombre duro, bajo cuya coraza hay un estupendo chaval de diecisiete años. Por parte de Manuela y mía, expresar nuestro más profundo agradecimiento por el trato recibido por todos, Junta Directiva y demás personas que nos acompañaron durante toda la tarde, que hicieron que guardásemos un recuerdo muy especial de ese día tan señalado para nosotros. Gracias a todos.

La anécdota literaria del día, se produjo cuando Txani me presentó a Jon Bilbao, reciente y flamante Premio Euskadi en la sección de literatura en castellano, por su obra Bajo el influjo del cometa, y con el que tuve la ocasión de charlar brevemente sobre la literatura y su mundo.

A petición de mis más allegados, a continuación cuelgo las palabras que pronuncié en el acto de entrega de premios.

¡Hasta la próxima!

"La senda del poder de los sueños avanza solitaria por la infinita estepa que es nuestra vida. Y a veces, sólo a veces, se detiene para recordarnos que merece la pena seguir creyendo en ella. Cuando uno empieza a escribir, nunca piensa que le pueden llegar a ocurrir cosas como ésta, salvo claro está en sus sueños, que como una película infantil disfrazada bajo el traje de un tiovivo multicolor, no paran de mandarte destellos de imágenes entremezcladas con las ilusiones que todos tenemos desde que somos pequeños.

En esta ocasión, la diosa fortuna, caprichosamente se ha detenido sobre mi relato titulado El Niño del Arzobispo, donde las ilusiones juegan un papel muy importante, porque el protagonista, víctima de ellas, expresa al cura que le da catequesis que quiere hacer la primera comunión vestido de torero, y en ese desenlace a primera vista amargo, crece una historia de fantasía. Y así, nuestro joven protagonista, busca sus porqués alejándose de la cicatería aventurera y ensoñadora de sus padres y amigos, para de una forma natural, buscar la cercanía de su abuelo, un ex banderillero de plazas de tercera, junto al que recorre la senda de un toreo que sólo existe en sus cabezas, y lo hacen bajo la atenta mirada de los toros de la Venta del Batán que más adelante se lidiarán en la Feria de San Isidro.

Ese terreno de Fiesta sin luces, es el que nuestro pequeño héroe rememora en una televisión en blanco y negro, y en las faenas que se inventa para sí mismo en la soledad del salón de su casa, en la que sólo se acompaña de un trapo de cocina a modo de muleta y de un cuchillo de sierra simulando a un estoque. En ese toreo de salón de diminutas dimensiones, es donde él dará rienda suelta a su imaginación y a los sentimientos taurinos que lleva dentro, que como un coral bañado por aguas cristalinas, a él se le antojan puros e infinitos. Lo que una vez más, le hará preguntarse qué hay de malo en hacer la comunión vestido de torero, pues para él, no hay un sentimiento más cercano y verdadero.

Pero como en las batallas no todo son derrotas, el insomne ingenio de nuestro pequeño torero, le llevará de nuevo por la senda de la victoria, y lo hará, de la mano de su bienintencionado párroco, que sin saberlo, le dará las claves que le harán abandonar su anonimato a modo de un Cordobés moderno, convirtiéndole así en la próxima estrella del toreo, y todo, gracias al nuevo pase taurino que ha inventado bajo el sobrenombre del Tetramorfo; una entelequia taurina que está pensada con la cabeza de un hombre y que será ejecutada con la destreza de un águila, el poder de un león y la fuerza de un toro. En definitiva, El Niño del Arzobispo tiene dentro de sí, una historia de deseos que sin necesidad de desvelar su desenlace (al que he dotado de una cláusula de cierre en la que el paso del tiempo nos ayuda a entender el relato), en esta ocasión no acaba con la consecución de aquello que el protagonista de la historia había soñado.

Por último, y como he dicho anteriormente, uno nunca piensa que le puedan ocurrir cosas como ésta, aunque sueñe con ellas. Por eso, uno nunca imaginó que pudiera ganar un Certamen Literario, que aparte de una gran solera e importante dotación económica, es uno de los más significados de temática taurina de toda la geografía española, lo que ensalza aún más el espíritu que todo escritor necesita para seguir buscando esa voz propia que le sirva para hacerse un camino en el mundo de las letras. Es por ello, que desde aquí, quiero expresar mi más profundo agradecimiento al jurado del Certamen de Relato Taurino Club Taurino Mazzantini por haber elegido mi relato titulado El Niño del Arzobispo como merecedor de este premio.

Muchas gracias, a todos. "

LOUISIANA NOS ABORDA CON LA CÁLIDA CERCANÍA DE LA BUENA MÚSICA EN SU CONCIERTO DE LA SALA COSTELLO.

2011-11-18T17:45:00.001+01:00

No hay mejor manera de acercarse a las personas, que quitarse la careta de la frialdad y la indiferencia para quedarse sólo con el semblante de la sinceridad y la cercanía. Esa es una lección que traían muy bien aprendida Louisiana respecto a la vez anterior, cuando los vimos en directo en la Sala El Sol de Madrid, pues como confesó Ana Muñoz en el concierto de ayer, en esa ocasión, obviaron hasta decir su nombre. Alejados por tanto de los clichés de las formaciones arquetípicas de la música española, Louisiana salieron al escenario dispuestos a regalarnos grandes dosis de cálida cercanía a través de la música, y que se convirtió en una forma tan sencilla como efectiva de romper el hielo, a la que ellos le añadieron chistes y anécdotas entre canción y canción, sin necesidad de mostrarse trascendentes o arrebatadores, pues eso lo dejaron para sus canciones; una sinfonía de elementos sonoros que como un caleidoscopio, se nutre de los ritmos pop, la chançon francesa, el folk multi instrumental o el jazz más cercano a grupos anglosajones de finales de los ochenta como Style Council, Swing out Sister o Fine Young Cannibals, todos ellos, con claras conexiones de la música soul hecha por blancos, mezclada con el jazz y las melodías suaves.

No hay valor sirvió para romper el silencio de la Sala Costello, y lo hizo con un ramalazo a chançon francesa en los teclados, que de pronto se para y se convierte en un río rabioso que fluctúa sobre las cuerdas vocales de Ana Muñoz, a las que le gusta ese tránsito por el medio tiempo eléctrico; porque esa es una de las características de la música de Louisiana, la fusión de ritmos y sonidos que se deconstruyen unos a otros, para dar como resultado canciones que te invitan a entrar y salir por diversos estados anímicos y musicales, en lo que sin duda es una demostración de su cercanía a un tipo de música más adulta y que sale fuera de los límites habituales; y lo hace, de la mano de unas buenas letras trabajadas bajo los signos de una poesía frágil, tierna e inocente que casi te llega a estallar entre las manos. Miss Antropía fue el primer tema nuevo de la noche, porque ayer Louisiana aprovechó el concierto para mostrarnos nada menos que ocho nuevas canciones, donde se ve la clara ascensión compositiva del grupo. Miss Antropía comenzó con un leve punteo de Ana, para casi de inmediato regresar a esa tensión que no acaba de romperse y que busca una salida que se engancha con la sonoridad eléctrica y dramática del escapismo que necesita de un destino, y que cuando lo consigue, se muestrea dichoso en medio de los ecos vocales de Ana. Con A Mares llegó el primer ¡buenas noches! de Ana Muñoz, y la percepción que la música iba fundiendo el hielo de la sala. Este nuevo medio tiempo, se comportó como una división que separa la inexistente línea que a veces hay entre el jazz y el pop más elegante, del que la gravedad vocal de Ana sabe impregnarse, y que como un náufrago, nos envía señales de ayuda, pero lo hace como una clara invitación a escaparnos a ese no lugar en el que habita la buena música, que esta vez acaba con un buen punteo instrumental que se declina por un arribismo acústico de más de seis cuerdas. Nubosidad Variable comienza con broma incluida acerca del grupo, pero que enseguida olvidamos cuando la voz de Ana Muñoz nos invita a irnos al territorio de un folk casi acústico, que una vez más, se reconvierte en una fuerza arrebatadora y plagada de baterías casi marciales.

¿Queréis bailar?, dijo Luis, y empezó a sonar Arca de Noé, el primer tema instrumental de la noche, con claras referencias a HATEM y a esa fusión de música folk y celta, rítmica y con invitación a la fiesta, que hizo que la presentación de Tinnitus, se convirtiera de nuevo en una demostración de fuerza arrolladora que no claudica ni con baquetazos de bombo y platillos, y que nos lleva hasta Nirvana, que según nos anuncia Ana, es una cover de una canción de Ramoncín, y la canta en francés, un idioma que se acopla perfectamente a su registro vocal, para retrotraernos a esos grandes espacios jazzies de toda la vida, que se rompen cuando suena Al extranjero con un claro ritmo pop que se deconstruye hasta fusionarse con la cacofonía sonora de HATEM, para más tarde convertirse en un auténtico grito de libertad que nos lleva a esa tierra de nadie que también ocupa La Buena Vida, en un armonioso y delicioso ciclo. Los grandes temas siguen saliendo del escenario y Feliz Daño Nuevo nos atrapa en su corta e intensa exposición, pues sus tonos cálidos y dulces no nos dejan indiferentes, y que de nuevo volvemos a paladear en Circo, el cuento de la princesa y el guisante (una de las mejores canciones de la noche) con unas palmas de inicio, que nos invitan a una fiesta que termina con melodías interminables de ritmos apasionados que se entrecortan y nos impiden irnos, para sumergirnos sin complejos en la historia que Louisiana nos cuenta, como si estuviésemos escuchando un relato cargado de enigmáticas melodías que juegan con nuestros sueños perdidos.

El bis comenzó con Reformulación de Daddy (otra gran canción) y que interpretaron Ana y Luis a solas sobre el escenario, pero que nos puso los pelos de punta con la fusión entre la melódica guitarra de él y la tenue fragilidad de ella, con una voz que se rebela ante la soledad de las seis cuerdas, y que en directo, delata la enorme complicidad entre ellos dos, que aparentemente con casi nada, construyen una gran canción, que en esta versión (más larga y emotiva) nos convence más que en el disco, porque a veces, en la sencillez está el éxito. La voz telúrica es otro tema instrumental que sirve a Louisiana, para envolvernos dentro de los ecos que nos guían hacia las profundidades de un cielo estrellado e infinito, un cielo sin fronteras ni límites, al que se une el resto del grupo. La cálida cercanía de la buena música que ayer nos mostraron Louisiana, acabó con Que me desamor, con ritmos nuevamente cercanos a La Buena Vida, un espacio donde parece que Louisiana se encuentra más a gusto, y en el que se enreda con una limpia sinuosidad de seres alados que revolotean en plazas sin nombre. Se despidieron, pero Luis Cebrián contento con la actuación, invitó a Ana Muñoz a bajarse del escenario, y en acústico, nos hicieron el último regalito; “podía perdonarte que no sepas volar”, para demostrarnos que los suyo es una espectacular ascensión hacia la buena música.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

FESTIVAL EÑE 2011: UN ENCUENTRO ENTRE LA PALABRA ORAL Y LA ESCRITA.

2011-11-16T21:02:00.001+01:00

Sedientos de experiencias que contar, ávidos de fragmentos que recordar y exhaustos por las infinitas escaleras del Círculo de Bellas Artes de Madrid que tuvimos que salvar, nos dirigimos a este vasto festival de la cultura de la silente palabra impresa y de las emociones cercanas de la palabra hablada; y lo hicimos con la sana intención del curioso que se acerca a un lugar que intuye que le va a gustar, pero del que todavía desconfía, por el entorno y el ruido mediático que acompañan al evento. Pero como en una época de profunda crisis todos andamos perdidos en mitad del desierto, en cuanto podemos, buscamos un oasis donde refrescar nuestra mente y apaciguar nuestros resecos sentimientos. Y así, nosotros incendiamos a nuestros músculos y retamos a nuestras preconcebidas ideas bajo el símbolo de una letra tan española como la “ñ”. ¿Y cómo lo hicimos?, pues nos sumergimos sin pudor en una pequeña parte de todo aquello que el Festival Eñe nos proponía: conferencias, lecturas, mesas redondas, ilustraciones, caras a caras, acciones, parejas de baile…

Y entre tanto dónde elegir, nos acomodamos en el circular Salón de Columnas, que poco a poco se fue quedando huérfano de las luces delatoras de sus altivos focos, para dejarnos a solas en la cercanía de Blanca Berasátegui y Álvaro Pombo, que al comienzo de su encuentro, deambularon por el terreno de la actualidad, que en forma de elecciones y situación nacional y planetaria, impregna cada hoja que escribimos y cada tertulia que abordamos. Al margen de las consideraciones pegadas a la rabiosa y triste actualidad, el buen saber hacer y la fina inteligencia de Berasátegui, nos fue conduciendo por el camino de la personalidad histriónica e intelectual del santanderino Álvaro Pombo, que como todo aquel que ya ha conseguido un gran puñado de cosas a lo largo de sus vida, fue quitándole importancia a todos los adornos con la que los demás la ornamentamos, dejándonos solos y desnudos ante la sencillez de los ilustres e ilustrados. Y ahí, fue donde la importancia de la palabra oral, de una forma inesperada, cobró una gran importancia en su discurso, cuando nos reconoció que él dictaba sus obras (y no las escribía), lo que le unía a su admirado Henry James y a otros muchos grandes escritores de otras épocas. Y como si hubiésemos sido depositados durante algo más de una hora en otra época, salimos del encuentro con esta singular pareja de baile, convencidos que la palabra escrita como mejor se disfruta es en la intimidad del silencio propio, ajenos al ruido que es capaz de romper uno de los encuentros más intensos y reconfortantes a los que se puede enfrentar el ser humano; del mismo modo, que regresamos al presente, convencidos que la oralidad de la palabra hablada, emite sus máximos destellos en la penumbra de un sonido colectivo, donde el intercambio de ideas y palabras la enriquecen hasta llegar a conformar lo que hemos dado en llamar lenguaje, porque como muy bien apuntó Álvaro Pombo: “el límite de tu lenguaje, es el límite de tu mundo”, y aunque salimos muy conscientes de nuestros escuálidos dominios lingüísticos, convenimos en el regocijo de aquellos que salen con un bagaje mayor del que entraron en una materia que les interesa.

En la jornada siguiente, asistimos con el corazón en un puño (y no es una metáfora) a la conferencia exprés que Luis Alberto de Cuenca ofreció en la Sala María Zambrano de la quinta planta del Círculo de Bellas Artes, como digo, muy cerquita del cielo, pero para nuestra desgracia, cuando llegamos, la sala ya estaba llena y el acto comenzado, por lo que hicimos todo lo que pudimos por poner toda nuestra agitada atención en la lectura rápida, amena y de gran calado intelectual con la que Luis Alberto nos obsequió, dando una magnífica pincela sobre la Ilíada y la Odisea, para forjar el título de su conferencia, que no fue otro que el de La literatura comenzó en Homero; y entre la prosa poética y sus cánticos de la Odisea y la Ilíada, su disertación fue el ejercicio de un erudito calado y canalizado por una profusa cultura clásica, que si bien es cierto que de una forma exprés, pudimos disfrutar como una modalidad más de la palabra hablada, que en este caso se convirtió en palabra leída.

Una vez que conseguimos recuperar nuestros latidos cardiacos en el particular viaje que nos llevó más allá del cielo, nos recolocarnos de nuevo en las sillas plegables del enigmático Salón de Columnas, y lo hicimos parapetados tras la oscuridad circular de los oyentes intrépidos. En esta ocasión, allí asistimos al encuentro entre la impetuosa y arrebatadora prosa de Antonio Lucas, y la pausada disertación de Félix de Azúa, que como una extraña pareja de baile, fueron desglosando conceptos de vida y literatura en una perfecta danza multidisciplinar. Lucas comenzó desglosando brevemente la vida y obra de Azúa, para pararse en el principio de la misma, con una referencia a los Novísimos y como ejemplo de ruptura con toda la poesía anterior escrita hasta ese momento en España, dándole, sin ellos saberlo todavía, el adjetivo de masas a esta disciplina literaria, como en su momento ya ocurriera con la pintura y demás manifestaciones artísticas. Azúa se mostró escéptico de su participación en tal movimiento, que más bien atribuyó a quienes le acompañaban, y aprovechó para confesar que, para él, la versión más difícil de la literatura es la poesía, sólo apta para los mejores, y que su falsa modestia le hizo, le hizo ausentarse de la misma, pero que también le sirvió para trasladarse hasta ese falso desencanto de la izquierda, tan de moda en la actualidad, en un ejercicio de autocrítica que le alaba. Esa búsqueda de algo distinto, a él le hizo abandonar la Cátedra de Estética de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Barcelona, hastiado de un ambiente universitario y un sistema educativo profundamente erróneo y sin salida. Esa particular y aparente facilidad, para ir abandonando unos estadios para instalarse en otros distintos, es sin duda también, una de las señas de identidad de su obra literaria (en el más amplio sentido del término), porque ha abordado casi todas sus disciplinas desde el periodismo en sus artículos del diario El País, que le llevaron a resaltar la figura de Unamuno no como novelista, sino como un gran articulista y periodista, o hasta la filosofía, o a su nuevo proyecto que recala sobre el Pentateuco en su afán de llegar al origen de todas las cosas. En definitiva, ímpetu frente a serenidad; torrente verbal frente a discurso tranquilo, en una simbiosis donde la palabra oral, esta vez salió ganando.

Sin movernos de donde estábamos, asistimos al gran cara a cara de la noche, con un Salón de Columnas abarrotado de personas, tanto sentadas como de pie, que irrumpieron en un largo y caluroso aplauso cuando la gran dama de las letras españolas, Ana María Matute, se sentó sobre la silla del estrado, que a modo de trono, ocupó por espacio de algo más de una hora. Y enfrente, Juana Salabert, profunda conocedora de la obra de Matute y de su persona, pero a la que le faltó esa amenidad y soltura, que toda charla que no llega a ser entrevista, debe tener. En ese medio camino de tiras y aflojas, volvimos a descubrir el gran genio e ingenio de la Matute, que curtida en mil y una batallas, repasó su infancia entre Madrid y Barcelona, la guerra, el miedo a los bombardeos que luego se trasladó a los ruidos de las verbenas, y esa sensación que tuvo desde el principio de ser una niña rara. Y por encima de todo eso, la espontaneidad y la sinceridad de las grandes, porque así se comportó, sin más galones que los de su propia obra; una obra cargada de anécdotas, como la de Delibes, cuando ella quedó finalista del Nadal y le dijo una y otra vez que no dejara de escribir. Una perseverancia que se convierte en pura sencillez cuando le preguntaron qué le aconsejaría a un escritor novel, y ella, muy directa, dijo que lo que nunca debe hacer alguien que empieza a escribir, es distraerse, porque el verdadero escritor, no es aquel que escribe para ganar dinero, sino el que una novela tras otra busca su propia voz. Pues como muy bien dijo casi al principio de su intervención, en su casa siempre se ha vivido en una perpetua crisis, porque la literatura es el camino equivocado para ganar dinero. Y bajo la lluvia de aplausos que despidieron a Ana María Matute, abandonamos un poco maltrechos en lo físico y repuestos en lo espiritual, las bellas e incómodas instalaciones del Círculo de Bellas Artes, esperando nada más salir de ellas la edición del Festival Eñe del año que viene.

Crónica de Ángel Silvelo Gabriel.

JUSTICIA GRATUITA

2011-11-15T20:15:00.001+01:00

Nunca he sido presa de la ansiedad. Pero ahora todo es distinto. Mañana es mi cumpleaños y no tengo dinero para invitar a mi novia a cenar. Llevo tantos meses sin cobrar, que ya no me acuerdo de lo que ganaba en el turno de oficio. Mis brillantes calificaciones en Derecho, no me han servido para ocupar otro puesto en el Juzgado de Instrucción, al que acudo cada mañana. Cuando mi novia me ve enroscado dentro de mi náusea, siempre utiliza el mismo candado para sacarme de ella. Cariño, me dice, la culpa la tiene esta maldita crisis que se comporta como un gas tóxico y letal en todo aquello que toca. Mientras pienso en ello, alguien me tiende una papeleta antes de entrar al Juzgado que pone: JUSTICIA GRATUITA. Instintivamente cojo el bolígrafo que llevo en la chaqueta y le añado: y un sueldo digno y efectivo para defenderla.

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

THE NOISES PUBLICA SU PRIMER LP, BELLAVISTA.

2011-11-10T19:03:00.002+01:00

Directamente desde Madrid, The Noises te sirven en su primer LP Bellavista la frescura de la música anglosajona y la tensión de la desnudez de las letras en castellano. Todo comenzó en 2006 cuando Fran, Oliver y Sergio decidieron plasmar en canciones los deseos y sonidos que echaban de menos en la escena musical nacional. Después se sumaron al viaje Chuso y Pablo completando el quinteto que ahora interrumpe el letargo de la música con las diez rotundas canciones de Bellavista. Dicen The Noises que “Bellavista” representa “la lucecita diminuta que se ve al fondo del túnel después del ruido, momentos caóticos y nervios…. siempre hay una calma bella que te hace tirar para adelante con más ganas”. Precisamente no es calma lo que encontramos en sus composiciones si no un compendio de música eléctrica, inmediata, directa, joven, enérgica, bailable, y por qué no punzante. Y aunque jóvenes, se han servido de la experiencia de los directos y de sus dos anteriores Eps para que nos movamos a base de pop rock con influencias británicas, con marcadas guitarras, potentes líneas de bajo y baterías agitadas. Todo, en una colección de canciones que hablan de experiencias personales presentadas ante la mirada de los demás, de la dosificación del amor y de la huida enérgica del pasado para vivir hacia delante. Es emocionante levantarte y poder escuchar un disco de principio a fin sin poder parar de darle vueltas y más vueltas gracias a diez canciones de las que se podrían escribir un listado interminable de adjetivos. Desde la coreable “La Ciudad es tuya”, el primer single con el que se presentan y abren el Bellavista. Ponerte una sonrisa en la cara con “Rara Avis”. Dar un giro a un mal día con la positiva “Mandanga”. Encontrarte con aquellas verdades dolorosas en “Equilibrios”. Querer verte entre la multitud cantando a voz en grito “1984”. Encontrarte frente a frente con el rock que destila “Control” o la sensualidad de “Shake” y sus sugerentes gemidos. Creer que has estado en una película al terminar de escuchar “Adiós Mundo”. Saber que no hay espacio para la soledad con “Giselle”. Y terminar en un acto de sinceridad con “Noviembre”. ¿Quiénes te hacen vivir todas estas sensaciones y experiencias? Fran Gómez (voz), Chuso Ruiz (guitarra y coros), Pablo de la Fuente (guitarra y percusión), Sergio Benavente (bajo y coros) y Oliver Ruiz (batería). En 2010 se metieron en los estudios Reno para grabar los tesoros de Bellavista con Karim Burkhalter y dejar a Juan de Dios (productor del último disco de Amaral) que lo hiciera redondo con la mezcla y masterización. The Noises son ganadores de la IV edición del Festival Jack Daniel´s Backstage y del concurso Music Concept, entre otros, han actuado en las principales salas de Madrid y Barcelona. Además, The Noises han estado en el cartel de los festivales de verano más importantes como el Arenal Sound, Sonorama, Festival Mancha Pop y el Festival Santa Barbara Music. Próximamente estarán en el primer Fnac Music Festival que se celebrará en Madrid el próximo 27 de diciembre. Es el momento de dejarse seducir por la energía, es el momento de The Noises y Bellavista. Bellavista (BMG/ Hook Ediciones Musicales) estará disponible en formato digital y en CD el lunes 14 de noviembre.

FESTIVAL EÑE 2011: UNA FIESTA LITERARIA.

2011-11-10T09:51:00.000+01:00

El Festival Eñe es una fiesta que nace de nuestra revista literaria. Con el Festival, Eñe. Revista para leer se ha convertido también en un encuentro físico de escritores, editores, lectores y todas aquellas personas a las que les apasiona la buena literatura.

La próxima edición se celebrará el 11 y 12 de noviembre de 2011, y será la quinta en total y la tercera en nuestra sede habitual en Madrid, el Círculo de Bellas Artes, que además es nuestro principal socio organizador junto a la Comunidad de Madrid, el Ministerio de Cultura, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y el Instituto Cervantes

El Festival Eñe nació en Madrid, en noviembre de 2009, y desde el año siguiente se convirtió en dos citas anuales, ya que en agosto de 2010 tuvimos una edición en Montevideo, Uruguay, y, en abril de este año, otra en Lima, Perú.

Así, a uno y otro lado del Atlántico tenemos un Festival Eñe Madrid y un Festival Eñe América.

En colaboración con la AECID, el Festival Eñe tendrá cada año una edición en una ciudad diferente de América, y la próxima ya está anunciada para celebrarse en la Ciudad de México en 2012.

Con ello, nuestra revista sigue ampliando su sueño, el que ya fijara en su editorial del primer número: Eñe es la revista de un idioma.

El intercambio entre América Latina y España ha enriquecido de forma notable ambas ediciones. En Madrid permite conocer de cerca a una excelente selección de escritores del otro lado del Atlántico y, en las ciudades americanas, que los autores españoles transmitan sus ideas y experiencias literarias.

THE BELLE BRIGADE: UN REFUGIO FOLK EN MITAD DEL BOSQUE.

2011-11-09T20:00:00.002+01:00

En un mundo donde la crisis económica nos ha llenado la faz de la Tierra de vidas sin salida, todavía hay exploradores que se atreven a salir al exterior y comportarse como conquistadores de los espacios vacíos que aún nos quedan sin expoliar. Algunos de esos insatisfechos son artistas, y dentro de éstos, músicos, que con su voz y sus guitarras nos cantan las mil y una aventuras existenciales que todavía nos quedan por vivir. Los hermanos Gruska lo hacen bajo el nombre de The Belle Brigade, y parapetados bajo las coordenadas de la música folk; un mecanismo casi siempre eficaz, y que ellos argumentan con temas como Sweet Louise (que abre su primer y homónimo cd), en el que buscan esas referencias ya clásicas de cantantes como Paul Simon, según declara el propio Ethan Gruska en una reciente entrevista.

Esa estela de búsqueda y exploración de nuevos territorios tan en boga en las grandes bandas de la música actual, es la que sigue esta joven banda norteamericana cuando indaga en sus propias heridas (la canción Lucky Guy se basa en una experiencia personal), pero que ante el infinito poder de la naturaleza (uno de los mayores anhelos de los grandes conquistadores) caen embelesados por los rayos del sol que se filtran a través de los frondosos árboles del bosque bajo los que se protegen; una coraza que a veces emplean para desplegar toda la magia del folk de siempre, y que en ocasiones se pega al pop rock californiano de los ochenta bajo el influjo de bandas como los Flying Burritos Brothers (del que dicho sea de paso, el grupo español Los Secretos son grandes admiradores), y en otras, se muestran más vivos e irreverentes cuando con canciones como Where not to look for freedom, Losers o Belt of Orion se lanzan a la conquista de nuevos territorios bajos los pasos de los Arcade Fire, si bien éstos nos mostraron una magnífica oda musical acerca de los suburbios urbanos. Porque los espacios aledaños a las grandes ciudades que transitan The Belle Brigade son diferentes y mucho más cercanos a la frondosa y salvaje vegetación que existe en los límites de las ciudades norteamericanas. Un exilio salvaje que proyecta su música en canciones como Shirt y Lonely lonely, donde el trepidante ritmo de su música y la fuerza de Barbara Gruska nos llevan de la mano por los senderos más profundos de esos lugares que sólo ellos conocen, y donde la vitalidad y la buena música se dan la mano.

En este sentido, tanto Barbara Gruska como su hermano menor Ethan Gruska, deben estar muy satisfechos por la buena acogida que está teniendo entre la crítica especializada de su país su homónimo The Belle Brigade, lo que les ha llevado a incluir su tema I didn’t mean it en la banda sonora de la próxima entrega de la película de la saga Crepúsculo, y que se puede escuchar en la página web del grupo http://www.thebellebrigade.com/ En un mundo plagado de falsos estereotipos sobre la música norteamericana, los hermanos Gruska con su grupo The Belle Brigade son una magnífica oportunidad para romper esas falsas barreras que todavía existen, y si no, baste escuchar la sobresaliente Rusted Wheel, donde con un portentoso órgano de fondo, la voz de Barbara vuelve a brillar una vez más bajo la falsa protección de una naturaleza salvaje a la que The Belle Brigade consigue conquistar y que se derrite con la entrañable Fasten you to me que cierra el disco.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

ÁNGEL SILVELO GANA EL PRIMER PREMIO DEL CLUB TAURINO MAZZANTINI DE RELATO TAURINO 2011

2011-11-09T10:33:00.002+01:00

Cuando uno empieza a escribir, nunca piensa que le puedan ocurrir cosas como ésta, salvo en sus sueños, que como una película infantil no paran de mandarte imágenes entremezcladas con las ilusiones que todos tenemos de pequeños. En esta ocasión, la diosa fortuna ha recaído sobre mi relato titulado El Niño del Arzobispo, donde las ilusiones también juegan un papel muy importante, porque el protagonista, víctima de ellas, expresa al párroco que le da catequesis que quiere hacer la primera comunión vestido de torero, y en ese desenlace amargo a primera vista, crece una historia de fantasía, donde los deseos acaban cumpliéndose, aunque no sea como el protagonista de la historia había pensado.

Si he comenzado diciendo que uno nunca piensa que le puedan ocurrir estas cosas, aunque sueñes con ellas, es por el mero hecho que este Certamen Literario aparte de su gran solera e importante dotación económica, es (bajo mi punto de vista) uno de los tres más importantes en su temática de toda la geografía española, lo que ensalza aún más el espíritu necesario que todo escritor (aprendiz del oficio como yo, o no) necesita para seguir escribiendo, por lo que desde aquí, también quiero expresar mi más profundo agradecimiento al jurado del presente Certamen.

Como siempre, os dejo un fragmento del relato, donde El Niño del Arzobispo se inventa un pase taurino.

"Para él, las clases de catequesis ya habían perdido todo el interés, porque si nadie entendía su forma de expresar sus mejores sentimientos, creyó que lo mejor era permanecer lo más lejos posible de aquello que le hacía daño y sentirse infeliz. Miraba a sus amigos, y no le gustaba verlos el día de la comunión transformados en unos chicos repeinados y vestidos de personas mayores sin serlo. Divagaba en el inocente mundo de sus sentimientos, mientras seguía buscando un nombre a su pase taurino, cuando el padre Ángel les enseñó lo que a él le pareció un escudo. El párroco les estaba hablando de los cuatro apóstoles que escribieron los cuatro libros que formaban el evangelio y que la cristiandad simbolizó a través del Tetramorfo, una figura en la que había un toro, un águila, un hombre y un león. Les dijo que ellos se tenían que comportar en la vida como los animales que había en ese escudo, porque los cuatro representaban las principales cualidades divinas: el amor, la justicia, el poder y la sabiduría, y que en algunas ocasiones rodeaban al Señor todopoderoso y elemento unificador en el Pantocrátor. Como un metal atraído por un potente imán, así cayó él dentro de la explicación del padre Ángel, que en ese momento dejó de ser su máximo enemigo. A su imaginación no le costó mucho transformar a los cuatro componentes del Tetramorfo en uno solo. Un ser fantástico que en un principio tendría la cabeza de hombre, las alas de águila, los pies delanteros de león y las patas traseras de toro, y de repente, se le ocurrió que así debería ser su nuevo pase taurino, al que llamaría Tetramorfo porque estaba pensado con la cabeza de un hombre, y ejecutado con la destreza de un águila, el poder de un león y la fuerza de un toro. Lo que le llevó a pensar en la bondad de lo que los mayores llamaban destino, porque esta vez había jugado a su favor."

Extracto del relato titulado El Niño del Arzobispo.

ÁLVARO GARCÍA GANA EL XXIV PREMIO INTERNACIONAL DE POESÍA FUNDACIÓN LOEWE

2011-11-08T11:53:00.001+01:00

El poeta Álvaro García (Málaga, 1965) ha sido galardonado con el XXIV Premio Internacional de Poesía Fundación Loewe. El premio está dotado con 20.000 euros y la edición de la obra en la colección Visor. Un total de 957 obras procedentes de 33 países se han presentado este año al XXIV Premio Internacional de Poesía Fundación Loewe .
El jurado que ha fallado el Premio ha estado presidido por Carlos Bousoño, y compuesto por Víctor García de la Concha, Francisco Brines, José Manuel Caballero Bonald, Antonio Colinas, Luis Antonio de Villena, Pablo García Baena, Joaquín Pérez Azaústre, ganador de la pasada edición y Jaime Siles.
Loewe, a través de su Fundación, convoca desde 1987 con carácter anual este galardón como estímulo a la calidad en la creación poética en lengua castellana. Se premia con 20.000 euros una obra inédita de al menos 300 versos y, opcionalmente, está prevista la concesión de un accésit de 7.000 euros a la vez que la edición del libro a un autor menor de 30 años, cuando el premio haya sido otorgado a un poeta de mayor edad. Los libros premiados son publicados dentro de la Colección Visor de Poesía.

ÁNGEL SILVELO GANA EL 2º PREMIO DE LOS RELATOS DE IGUALDAD DE MIRANDA DE EBRO 2011.

2011-11-05T11:10:00.004+01:00

Manuela y yo, aparecimos ayer en Miranda de Ebro media hora antes de la entrega de premios, y después de atravesar una inmensa cortina de agua que nos acompañó desde Madrid. Por fin se desveló el secreto de los premios, y dado que el primer premio quedó desierto, este segundo sabe mejor. Mi enhorabuena a Teresa Robledo Hernández, de Salamanca, por su tercer premio con el relato titulado "Los talentos". También me gustaría agradecer la hospitalidad, cercanía y complicidad que en todo momento demostraron con nosotros Sorne y Susana, con las que tuvimos la suerte de compartir una velada corta, pero intensa y muy amena, de esas que todavía te hacen confiar en las personas.

Os dejo la nota de prensa que ha salido publicada en La Voz del Ebro:

"Desde el jurado se considera que el nivel literario de algunas de las obras presentadas ha sido alto, así como la originalidad del planteamiento, pero que un número importante de ellas no han tenido en cuenta las bases del XIX Concurso de Literatura". Así justificaba el jurado del XIX Concurso de Relatos de Igualdad el hecho de que hayan quedado desiertos dos de los cuatro premios del certamen: el primer premio (dotado con 600 euros y una placa) y el accésit al mejor relato de Miranda (dotado con 150 euros y una placa).

De esta forma, el segundo premio (dotado con 400 euros y una placa) ha recaído en Ángel Silvelo Gabriel, de Madrid, por su original “Paula y su madre”; mientras que el tercero (dotado con 200 euros y una placa) ha sido para Teresa Robledo Hernández, de Salamanca, por “Los talentos”.

En total se han presentado 30 obras al concurso, 20 de hombres y 10 de mujeres. 6 de sus autores son mirandeses, 23 del resto de España (La Rioja, Sevilla, Albacete, Ciudad Real, Asturias, Segovia, Álava, Córdoba, Huelva, Barcelona, Murcia, Madrid, Salamanca) y uno panameño.

SINOPSIS “PAULA Y SU MADRE”
Este relato asume el cambio de roles: un hombre que asume su responsabilidad paternal solicitando una reducción de jornada para cuidar de su hija. A partir de ahí, el relato muestra todas las cosas que extrañan siendo hombre y que se asumirían como normales si se hicieran por una mujer hasta el punto de que los compañeros de trabajo, cuando lo conocen, se burlan de ello. Incluso, al pedir una reducción de jornada en la empresa, le atribuyen el peor de los turnos, interpone una denuncia por discriminación porque no le dejan ejercer su derecho a la paternidad, la conciliación, etc… y le despiden de la fábrica.

SINOPSIS “LOS TALENTOS”
El relato habla de la desigualdad de género en el ámbito rural y cómo asumir el empoderamiento femenino, aún a riesgo de no cumplir con lo establecido socialmente. Cuenta la historia de una mujer que se casa y asume el cuidado de su familia, pero con los años se da cuenta de que podía haber hecho mucho más. Rememora sus tiempos de infancia y la confianza en sí misma que le infundía su madrina, que le inculcó el amor por la lectura y las inquietudes intelectuales. “Ella siempre vio en mí posibilidades que he achacado a un exceso de cariño, pero a través de sus palabras yo notaba que infundía confianza en mí misma”.

Éxito de Vetusta Morla en México y nueva fecha en España.

2011-11-05T10:47:00.002+01:00

Vetusta Morla ofrecieron el 2 de noviembre la primera de sus 6 fechas en México. Fue en el Festival de las Almas de Valle del Bravo, acompañando a Zoé. Como explican ellos mismos en su blog, se sorprendieron de la cantidad de gente congregada en la plaza abalconada de una comunidad tan pequeña. Con una prueba de sonido ya atestada de público y rodeados de gente aún disfrazada con motivo de la celebración del Día de Los Muertos, se presentaron ante el público mexicano con un repertorio de 45 minutos. (Foto: Moy Triana)

Más abajo, en otra plaza, tocaba Joaquín Sabina, siendo así la segunda vez que coinciden por esos lares.

Por otro lado, la banda acaba de anunciar que el día 1 de febrero de 2012 estarán en el Palau de la Música de Barcelona, como parte de la programación de la XIII edición del Festival Mil-Lenni

DURANTE SU ESTANCIA EN MÉXICO, VETUSTA MORLA OFRECERÁ LOS SIGUIENTES CONCIERTOS:
2 Noviembre - Festival de las Almas – Valle de Bravo - Invitados de Zoé
5 Noviembre – Rockampeonato - Puebla - Invitados de Zoé
8 Noviembre – Plaza Condesa - México DF – con No Te Va Gustar
11 Noviembre – Plaza Condesa - México DF - Invitados de Los Bunkers
12 Noviembre - Rockampeonato – Querétaro – Invitados de Zoé
13 Noviembre – Rock x La Vida – Guadalajara

LOUISIANA, A MARES: UNA CANCIÓN PARA TOCAR A RESGUARDO DE LA LLUVIA.

2011-11-03T19:28:00.001+01:00

CURZIO MALAPARTE, LA PIEL: LA GRANDEZA DE AQUELLOS QUE PIERDEN LA GUERRA.

2011-11-03T13:52:00.002+01:00

Las guerras ¿se ganan o se pierden?, casi al final del libro, Malaparte lo describe así: “en el mundo no había más que hombres vivos y hombres muertos. Todo lo demás no contaba… es una vergüenza ganar la guerra”. En La piel, la miseria compartida de vencedores y vencidos es sólo uno de los puntos de partida de este magnífico libro, que traspasa con creces, las barreras del tiempo y de quién la escribió y su biografía, porque el Sr. Malaparte, pone al servicio de la gran literatura, toda la maestría y experiencia como corresponsal de guerra, y nos ofrece un relato en primera persona sobre la devastación no sólo material, sino moral, de una ciudad, de un pueblo y de una raza, la humana, cuando por fin es liberada del yugo de sus opresores. La originalidad de este relato está en el punto de mira del que parte el narrador, que no es otro, que el de proporcionar heroicidad y grandeza a aquellos que han perdido la guerra, pues en nada se diferencian de aquellos otros que la han ganado. El derrumbe de la moral al que asistió el mundo con la llegada de los totalitarismos, consiguió que vencedores y vencidos, marchasen de la mano en pos de la única razón existente en el ser humano en ese momento: la salvación de su propia alma. Una huida que llevó a toda una civilización a asistir impertérrita a su debacle, propiciada por la falta de una moral y una ética que rigiese los designios comunes de toda la Humanidad, que inmiscuida en su propia salvación, renuncia a la altivez de unos principios sólidos de convivencia con tal de salvaguardar su alma. Y lo hace sin reparar para ello en la senda escogida, que no es otra que la de la miseria más abyecta del ser humano, y que Malaparte simboliza en la piel que traspira, siente y nos derrota como seres humanos hasta convertirnos en héroes de la mezquindad.

La piel, en principio se iba a titular La peste, pero Camus se adelantó unos meses a Malaparte, lo que no disminuye la grandiosidad de este relato de un pueblo hambriento y perdido, sino que lo encumbra junto a otra de las obras maestras de la literatura universal surgida de una de las mayores barbaries de la Humanidad. En este caso, Nápoles se ensalza entre los escombros de sus ruinas y la destrucción de sus palacios, dejando entrever la solemnidad de sus frescos, sus imágenes religiosas e iglesias, que conviven sin pudor con la mayor de las miserias, y que Malaparte emplea como símbolo de aquello que los vencidos ofrecen a sus liberadores; una extensa y profunda cultura clásica cargada de una grandeza de la que los americanos (en este caso) carecen, pues sólo poseen la libertad exenta de gloria. En este sentido, es digno de elogio, el esfuerzo y la vasta cultura clásica que posee el narrador y que pone al servicio de aquello que nos cuenta, dejando un espacio, aunque sea pequeño, a la belleza y el arte, como si se tratase de un gran decorado del teatro del mundo; y que tiene su máxima expresión, en la entrada a la ciudad de Roma, donde el ejército americano rinde pleitesía a todos los héroes y villanos de la ciudad eterna, convirtiendo en apoteósica a la narración, y en vencedora a la cultura sobre la guerra.

Entre tanta destrucción, Malaparte busca refugio en la poesía cuando precisa alimentar a su alma de algo intangible, y lo hace con una prosa cargada de un lirismo, al que dota de magistrales y bellísimas metáforas cuando se fija en el mar, el Vesubio, el cielo o las nubes, y que se torna en una belleza trágica, cuando narra la erupción del Vesubio en abril de 1944, que como un semidios, se levanta sobre las cenizas del ser humano, en un símil muy acertado en el viaje a lo más profundo del averno que vencedores y vencidos inician día tras día. En ese transcurso de las vidas, marcadas por la salvación de la piel, también se contraponen a la misma, sentimientos como la piedad y el agradecimiento, el orgullo y el menosprecio, la ternura y la vergüenza, lo sarcástico y lo poético, porque todas ellas son características del ser humano que gana y pierde guerras, y que más allá del profundo agradecimiento que Malaparte expresa en multitud de ocasiones hacia la generosidad de todos aquellos que han muerto por proporcionarle de nuevo a su pueblo el don de la libertad, subyace el día a día de un relato que como recoge la contraportada de esta novela clásica, nos muestra que la frontera última de nuestra humanidad es siempre la piel (que simboliza la frágil barrera de la corrupción humana): “La piel, nuestra piel, esta maldita piel. Usted no puede ni imaginarse de qué es capaz un hombre, de qué heroicidades y de qué infamias es capaz con tal de salvar la piel. Ésta, esta piel asquerosa. Antes soportábamos el hambre, la tortura, los martirios más terribles, matábamos y moríamos, sufríamos y hacíamos sufrir para salvar el alma, para salvar nuestra alma y la de los demás. Hoy en día sufrimos y hacemos sufrir, matamos y morimos, realizamos hazañas maravillosas y actos horrendos no ya para salvar el alma, sino para salvar la piel. ¡Nos convertimos en héroes por algo bien mezquino!”, Malaparte dixit.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

LA PIEL QUE HABITO: LA COMEDIA BUFA DE ALMODÓVAR.

2011-11-02T17:39:00.002+01:00

La primera pregunta que se me vino a la cabeza después de visionar los primeros diez minutos de esta película fue: ¿alguien que no se llamase Pedro Almodóvar podría haber estrenado esta película? La respuesta inmediata a tal interrogante fue no, porque mis sentidos ya eran conscientes entonces, que habían asistido a uno de los peores inicios de un film en la historia del cine, pues entre otras cosas, no sabía si me había perdido en los confines de un documental pseudocientífico de los años setenta, de esos que los ingleses si hacen con verdadera maestría, o estaba viendo una teleserie que se había colado en el dvd de mi casa. Pero perdido como estaba entre imágenes que no acaba de unir y comprender, me encontraba a la espera de que por fin diese comienzo la nueva película de Almodóvar, que en vez de thriller psicológico, se comporta como una ópera o comedia bufa, de un género que no sé si volverá a tocar de nuevo, pues su primera aproximación al mismo, no ha podido ser más negativa, y que a un servidor le lleva a preguntarse ¿dónde se ha quedado el Pedro Almodóvar fresco y provocador de sus inicios?

Nos dicen que la película es una adaptación de la novela Tarántula de Thierry Jonquet, lo que no es óbice, para hacer notar la escasa armazón de un guión que no es nada creíble, pues si el director manchego quiere jugar a ser adalid de la manipulación genética de las células y del avance en la bioética médica, nos podía haber prometido un documental sobre ese tema y así sabríamos de antemano a que nos íbamos a enfrentar a la hora de ver su película, porque hasta los giros más almodovarianos que se producen en el desarrollo de la acción de esta película, están carentes de veracidad y acierto, porque aunque él parece que no se ha dado cuenta, la sociedad actual ya acepta los cambios de sexo libremente elegidos, y no como el de la película que es impuesto. Y ese es otro de los debes de La piel que habito, porque en ocasiones, se comporta como un panfleto pasado de moda.

En cuanto al reparto de actores, Antonio Banderas estoy seguro que se arrepiente más que celebra el haber vuelto a trabajar bajo las órdenes de su director fetiche, pues su personaje, que según el mismo cuenta, está despojado de todos los elementos que su dilatada carrera como actor le hubiesen permitido enriquecerlo, y quizá por eso, se muestra frío, distante y nada creíble ante una de las mayores tragedias que le pueden ocurrir a un padre en la vida. Y hasta su venganza no es tal, porque el fin último de la misma, es apoderarse de ella de una forma apasionada. Lo mismo cabría decir de una Elena Anaya que a falta de grandes diálogos que ofrecernos, se mueve entre despistada y expectante en el mono color piel al que la han atado sin atreverse a salir de él, sino al final de la película, cuando todo está ya perdido.

Del mismo modo, podemos decir que lo letreros que nos recuerdan que asistimos a flashback más o menos forzados, o los fundidos en negro existentes, ambos recurso cinematográficos que aquí se comportan como un homenaje al cine de otro tiempo, no son sino un vano intento de disfrazar una película con los condimentos clásicos que por sí misma no tiene, y que lejos de hacerlos certeros, nos despistan aún más, cuando hasta los más genuinos giros almodovarianos nos resultan patéticos e inocentes. La piel que habito ya no es un producto que atraiga o distraiga, porque si queremos acercarnos al sufrimiento humano de verdad, tenemos otros directores que parecen saber de qué están hablando, lo que en el caso de la última película de Pedro Almodóvar nos da como resultado una comedia bufa.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

LOUISIANA Y SU HOMÓNIMO CD: LA SENDA POR DONDE LA POESÍA SE DESLIZA SOBRE LA MÚSICA.

2011-11-01T10:18:00.002+01:00

En los difíciles y sinuosos inicios de un artista, se esconden esos miedos que cualquiera tiene a mostrar una parte de sí mismo a los demás, y quizá esa sea la razón por la que Louisiana ha elegido el tema No hay valor para darse a conocer; y lo ha hecho bajo el signo de la tortuosa senda que nos conduce a unas canciones donde sus letras de príncipes y princesas o amores rotos en los reflejos perdidos de un espejo, se deslizan con total complicidad sobre una música que trata de llevarnos por conceptos rítmicos y sonoros cargados de una sencillez apabullante. Esa falta de complejidad, es la que nos hace sentir de cerca la desnudez de unos temas que a cada audición van ganando terreno hacia lo más íntimo y cercano. Fragilidad, ternura e inocencia, son conceptos que se apoderan de nuestros sentidos para desplazarnos por un plácido y enigmático viaje, donde la poesía se desliza sobre la música.

Este cd se puede escuchar de forma libre en www.virtualbum.es/louisiana y consta de siete canciones, que comienzan con ese No hay valor, que nos intenta despejar de la mente cualquier atisbo de miedo por parte de Ana Muñoz y Luis Cebrián, pues unas guitarras resueltas rompen el hielo de una canción que luego se vuelve más melódica para que la voz de Ana cobre protagonismo sobre unos ritmos que de nuevo nos recuerdan a La Buena Vida, como ejemplo de armonía y sensibilidad acústica. Cualidades que de una forma natural se desplazan hacia Feliz daño nuevo; un corte del disco en el que también se produce una resonancia multi instrumental que nos retrotrae a la magia de alguna de las composiciones de HATEM y en la que la voz de Ana vuelve a sobresalir en un registro muy limpio.

Con Circo, el cuento de la princesa y el guisante, viajamos hacia ese lugar donde se dan la mano los cuentos, las hadas y los destellos del xilófono, como enigmáticas estrellas que acompañan a los duendes, lo que permite a Louisiana, cargar sobre los ritmos pop más apabullantes, en los que las guitarras de nuevo cobran el protagonismo, convirtiendo a esta canción en un claro exponente de sonidos más cercanos al gran público, donde la magia de la letras y la sinfonía sonora marchan íntimamente unidos. Una compañía que se torna en su faceta más indie en Daddy, con claras reminiscencias a la música que busca sus señas de identidad en los lugares acústicos donde se refugian los cantautores. Y que en Reformulación de Daddy comienza con un solo de clarinete, como otra muestra del talento que persigue a Ana Muñoz, que se define como una vegetariana a la que le gustan las manzanas, y que en esta canción, vuelve a mostrarnos esa impetuosa necesidad de estar al mando de una historia rota, a la que Louisiana acompaña de ritmos cálidos y cercanos, que por momentos se vuelcan en el jazz más elegante que marcha pegado a la música pop. Ecos sonoros que al principio se vuelven más épicos en Sinestesias, pero que luego declinan hacia un lecho donde de nuevo la poesía se desliza sobre la música.

PRÓXIMOS CONCIERTOS
11 noviembre 2011, El Veintiuno, (Huesca)
17 noviembre 2011, Sala Costello, (Madrid)
18 noviembre 2011, Sala Soho, (Talavera de la Reina, Toledo)
25 noviembre 2011, Sala López, (Zaragoza). The Fractal Sound + LOUISANA
1 diciembre 2011, (Logroño)

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

COUNTRY STRONG: EL FINAL DE UN SUEÑO.

2011-10-31T13:14:00.003+01:00

Las grietas del éxito a veces conducen al final de un sueño, que por esperado, no deja de ser triste y dramático, convirtiendo la estela de la fama de la estrella en cuestión, en una crónica de flashes apagados, que como un apagón inesperado, la dejan sumida en el ostracismo de las personas normales, pero ¿acaso las estrellas no son personas corrientes? La fragilidad caprichosa de la cantante country Kelly Canter, interpretada por Gwyneth Paltrow, en principio sólo nos deja ver al alcohol como causante de su derrumbe personal, pero la lenta cercanía a su vida, nos proporciona los datos suficientes para desentrañar las claves de su dura patria interior; un terreno tan extenso como inestable, que la llevan a decir en un momento del film, a su amante Beau Hutton (Garrett Hedlund), que el amor y la fama no pueden habitar en el mismo lugar. Ese déficit afectivo, lleva a la superstar a buscar refugio en la cercanía y sencillez de las personas corrientes, esas que todavía no se han visto contaminadas por el éxito arrollador (de la música en este caso), y que en esa batalla diaria a la que se enfrenta cualquier persona que tiene alguna vía creativa, buscan canalizar sus inquietudes e ideas de una forma pura. Y ese es el final del sueño para Kelly Canter, un asidero que la haga seguir adelante ante la falta total de pureza afectiva y creativa. Lo que de una forma bastante plausible nos lleva a preguntarnos con reiteración eso de ¿qué es el éxito? o en qué consiste ese término más allá de las edulcorantes imágenes que nos llegan a través de la televisión o los vídeos de las canciones de los grupos y cantantes, en este enrevesado negocio de la música masiva.

A medio camino entre una road movie y un continuo videoclip, la guionista y directora Shana Feste, ha dejado en manos de Gwyneth Paltrow, el peso de esta fallida crónica del fracaso de una cantante, que por lo que a su protagonista se refiere, ha acertado de pleno, pues las dotes interpretativas de la señora Paltrow salen indemnes y reforzadas, en esas dos aguas de ternura y destrucción que dan vía libre a su labor como cantante; una faceta que aunque no es nueva para la actriz, nos ofrece un nuevo campo en el que brilla como una auténtica estrella, no en vano, el tema Coming Home, uno de los muchos que interpreta en la película, ha sido nominado al Oscar a la mejor canción original.

Una pena, que la falta de un guión bien estructurado y capaz de proporcionar unas mayores dotes dramáticas y de verosimilitud a unos personajes perdidos en sus vidas, sea el culpable del naufragio de esta película que entretiene, pero nada más, a pesar del esfuerzo meritorio de un repertorio musical que lejos del clásico country, y mucho más cercano al pop country actual, se deja ver y escuchar, pero que no traspasa la barrera del recuerdo, por esa ausencia de un guión que esté a la altura del elenco de protagonistas que se reúnen en ella, pues tanto Tim McGraw en su papel de marido de la estrella, como Garret Hedlund en el de amante de la misma, y la Gossip Girl, Leighton Meester, en su papel de Chiles Stanton, podrían haber configurado una película con la suficiente sustancia como para habernos dejado un buen sabor de boca, más allá de la mera anécdota reiterativa, del camino que conduce al final de un sueño, en este caso, el de una estrella del country pop norteamericano.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

CONCIERTO PRESENTACIÓN DE LA GIRA MUNDIAL DE COLDPLAY, MYLO XYLOTO, EN MADRID: UN ESTALLIDO DE ALEGRÍA EN LA PLAZA DE TOROS DE LAS VENTAS.

2011-10-27T13:35:00.002+02:00

La crisis no parece afectar a Coldplay, ya que en apenas una hora, se agotaron todas las localidades del concierto el día que éstas se pusieron a la venta; una euforia que también se trasladó al precio que las mismas alcanzaron en el mercado secundario o en la tarde de ayer en la inmediaciones del coso venteño, que pocas horas antes se había vestido de luto para despedir al gran maestro Antonio Chenel “Antoñete”. Y por si todo esto fuera poco, Chris Martin y sus chicos se unieron a ese estado de incontinencia positiva, ofreciendo a sus incondicionales fans, un recital pletórico de entusiasmo, que el grupo concibió como una colorida fiesta musical y multimedia con el objetivo de que nadie saliera defraudado, ni el público asistente ni el que siguió el concierto a través del canal de youtube que habilitaron. En una época global como la que vivimos, espectáculos concebidos y ejecutados para un público masivo, deben comportarse como tales, y quizá por eso, el concierto que anoche ofreció en Madrid el grupo británico Coldplay, más que servir para presentarnos su último disco Mylo Xyloto (sólo un tercio del setlist se paró en el disco), se convirtió en una nueva demostración del poderío y capacidad de convocatoria casi mimética, que en la actualidad profesan estos no tan jóvenes músicos británicos, que ayer presentaron una vez más, su candidatura a ocupar el primer puesto del ranking de giras mundiales, con la intención de arrebatárselo a los mismísimos U2.

De ahí, que no es de extrañar que la intro del concierto fuese Back to the future, como una metáfora en la que Coldplay nos intenta llevar hasta un espacio en el que el futuro (Mylo Xyloto) y el pasado (el repaso a sus grandes hits) se dan la mano, con la intención de convertir a sus actuaciones, en un estallido de alegría incontenida e incontenible, donde además de la música, también adquieren protagonismo los efectos especiales y la disposición de un escenario preparado para hacer las delicias de sus seguidores, que no dejaron de divertirse desde que comenzaron a sonar las primeras notas de Hurts like heaven; una canción que abrió el setlsit del concierto, sólo perturbado por un mini documental sobre Mylo Xyloto, que le precedió. Un tema que fue continuado por Yellow y con el que Coldplay se ganó al público, que lo coreó ampliamente y que al final provocó el primer (de un interminable) ¡gracias! de Chris Martin (se nota que Gwyneth Paltrow y sus hijos, cada vez más, le enseñan un mayor número de palabras en español), que se fundió con un ¡cantamos! cuando se inició On my place, que de nuevo el público hizo suya y que arrancó de Chris ¡Madrid, eh, oh yeah! Y que finalizó con un ¡muchísimas gracias! y con Martin y Jon agarrados sobre el escenario.

El primer parón lo invirtieron los británicos para tocar otra canción de su nuevo cd, Major minus y que Martin comenzó (ya embalado en su castellano) con un ¡Buenas noches, amigos!, estamos muy contentos de estar aquí en Madrid con vosotros (una declaración que no llegó a la contundencia con la que Bono se expresó en su concierto de 1987 en el Santiago Bernabeú cuando dijo en voz alta eso de: por qué demonios no hemos venido antes aquí), pero fuera agradecimientos y anécdotas del pasado, este nuevo tema se mostró como una canción dinámica y con mucha más presencia de guitarras, donde se produjo un claro guiño a The Edge de U2 (por si ya fueran pocas las comparaciones con el grupo irlandés), y que fue capaz de crear una atmósfera envolvente que se rompe con un torbellino más potente al final de la misma, muy cercano al rock. Después sonaron Lost!, The scientist, Violet hill y God put a smile upon your face, hasta recalar de nuevo en Mylo Xyloto con Paradise, un claro single, pues los potentes teclados del inicio, son los típicos marca de la casa; un tipo de interpretaciones a medio tiempo que tan bien ejecutan Coldplay, y que sirvió para inundar de mariposas el escenario, en una suerte de paraíso musical y del otro (puro hedonismo), que les lleva hasta Up in flames; una balada de piano con batería electrónica de su nuevo disco, que fue el puente perfecto para continuar con The Kingdom come que acaba con un oé, oé colectivo y que se transforma en un olé, olé muy taurino. Politik se enlaza con ¡Viva la vida!, donde Chris Martin de nuevo se pone su cazadora militar estilo graffitero (nada queda al libre albedrío en el concepto global de este grupo), que suena mucho más potente que en el disco, al sustituir las cuerdas de los violines por las de las guitarras y los sonidos de los teclados (puro epicismo sonoro) y que tras un multitudinario Oh, oh, oh, oh, acaba con Martin en el suelo, para dar paso a los coros del público mientras pronuncia la archiconocida frase ¡muchísimas gracias! que funde con otro nuevo tema, Charlie Brown, en el que le pide al público ¡saltar, por favor!; un tema donde regresan los ritmos rápidos que se congelan con los medios tiempos en los que Chris Martin se recupera del resuello de su voz, y que además, nos sirve para apreciar el sonido de fondo de los teclados, muy característico de los nuevos temas de Mylo Xyloto, sonidos que insisten en esos espacios vacíos que se rompen con las guitarras y que tan bien les funcionan a Coldplay, que con Life is for living serenan el ambiente hasta que se despiden con un ok, ¡good bye!, que a los allí presentes se les hace insuficiente, porque la ausencia del grupo, hace que las Ventas se llene de pañuelos blancos a coro con un oé, oé, oé, oé…

…que se interrumpe cuando suenan los acordes de Clocks y el ¡gracias! de Martin, que tiñen de un rojo muy taurino el escenario de la plaza de toros, que sólo es violado por la voz intensa de Chris Martin y el incesante aporreo de sus manos sobre el piano; que se funden con el tema Rehab en un claro homenaje a Amy Winehouse (I say no, no, no) y sirve de arranque a Fit you, lo que de nuevo resucita los sonidos más épicos del grupo, donde un intenso piano se funde con las guitarras y un apoteósico final, mientras Martin pinta un graffiti con el nombre de Madrid hasta que suenan, primero M.M.I.X, y después, Every teardrop is a waterfall (primer single de Mylo Xyloto) que con Io, io, io nos lleva a ritmos basados en el piano eléctrico y unas guitarras muy escocesas, que nos retrotraen a los matices más anglosajones de una banda que maneja a la perfección los códigos genéticos de sus orígenes como grupo, sin olvidarse de su cara más épica a ritmo de oh, oh, oh, lo que permite a Chris Martin soltarse a bailar por todo el escenario y al que acompañan unos fuegos artificiales y un ¡good night, thank you!

No contentos con lo que han visto y disfrutado, sus fans les reclaman con el oh, oh, oh de ¡Viva la Vida! marcándose un coro colectivo que llena todos los recovecos de la plaza de Toros de Las Ventas, al que añaden unas palmas muy taurinas para que regresen al escenario, y un otra, otra, otra con un espontáneo Ritmo, ritmo de la noche, que supuso el final de la retransmisión del concierto por youtube.

En definitiva, Coldplay se muestran como un gran espectáculo de entretenimiento global y no sólo musical, con el que intentan subir a lo más alto del pódium de los espectáculos musicales llena-estadios (o plazas de toros). ¿Y en lo estrictamente musical?, pues ahí, nada nuevo.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel
Foto: LivestreamVEVO).

LAS FLORES DE LA GUERRA, LA NOVELA EN LA QUE SE BASA LA PELÍCULA DE ZHANG YIMOU‏ SALDRÁ PUBLICADA EN EL MES DE MARZO DE 2012

2011-10-25T17:46:00.003+02:00

La editorial Alfaguara publicará el próximo mes de marzo Las flores de la guerra, de Geling Yan, la novela en la que se basa la película de Zhang Yimou. Protagonizada por Christian Bale, es la mayor producción cinematográfica china de la historia y candidata a la Mejor Película Extranjera en los Oscar de 2012.

Las flores de la guerra, narra la conmovedora historia de un sacerdote estadounidense -interpretado por Christian Bale-, quien durante la invasión japonesa a Nankín queda al cuidado de unas niñas huérfanas, a quienes educa en su iglesia. En medio de la masacre japonesa se debatirá ante el peligro de dar albergue a unos soldados chinos y a un grupo de prostitutas.

El director, Zhang Yimou ha sido el responsable de la adaptación cinematográfica de Las flores de la guerra. Un presupuesto de más de 90 millones de euros convierte a la película en la producción más cara de la historia de China. La cinta, protagonizada por Christian Bale, representará a China en la próxima gala de los Oscar.

Geling Yan nació en Shanghai en 1958 en el seno de una familia de artistas y a los trece años entró a formar parte de la Joven Guardia Roja de Mao. Escribió sus primeras novelas en China, y abandonó su país natal después de los sucesos de Tiananmen para instalarse primero en Taiwán y posteriormente en San Francisco. Ha publicado más de veinte títulos, entre los que destacan The Banquet Bug, The Lost Daughter of Happiness y La novena viuda, (Alfaguara 2011), Premio a la Mejor Novela en lengua china de 2006. Su obra, traducida a catorce idiomas, ha recibido varios premios literarios y ha sido llevada al cine con gran éxito. Actualmente vive en Berlín y trabaja en el guión cinematográfico de La novena viuda.

CONCIERTO DE CHRISTOPHER CROSS EL 22 DE NOVIEMBRE EN LA SALA BIKINI DE BARCELONA

2011-10-25T17:34:00.002+02:00

Christopher Charles Geppert, más conocido como Christopher Cross ( San Antonio, Texas; 3 de mayo de 1951) es un influyente compositor y cantante norteamericano ganador de un Óscar, un Globo de Oro y 5 premios Grammy. Su composición más conocida es "Arthur's Theme (Best That You Can Do)" para la película Arthur protagonizada por Dudley Moore y Liza Minnelli. La canción ganó el Óscar en 1981 (premio compartido con Burt Bacharach, Carole Bayer Sager y Peter Allen).

Cross tocaba con un grupo de Austin llamado Flash antes de firmar un contrato con Warner Bros, gracias al cual publicó un primer álbum llamado Christopher Cross en 1979 por el cual ganó 5 premios Grammy. Recibió en una misma gala los 4 premios principales que son: Mejor Grabación, Mejor Canción, Mejor Album y Mejor Nuevo Artista, record que comparte con Norah Jones. De este álbum destacan las canciones "Sailing", "Ride Like the Wind" y "Never Be the Same."

Su segundo álbum llamado Another Page de 1983 incluía las canciones "Think of Laura" y "All Right".

Este concierto es una magnífica oportunidad para ver a uno de los musicos mas influyentes del Pop/Rock americano.

Más información en:
christophercross.com
myspace.com/christophercrossmusic
http://www.youtube.com/watch?v=fcwLrEATXH4

ROCK MUSIC CONCERT PROMOTIONS
Avda, de Roma, 10 5º 1ª08015 - Barcelona - Spain
http://www.rmconcert.com/

CONCIERTO: 22 NOVIEMBRE - BARCELONA - SALA BIKINI a 21:00 H
Precio: Anticipada 30€ - Taquilla 35€
Venta de Entradas en: Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es y en el teléfono 902 150 025 .

NADA SURF PUBLICA NUEVO DISCO TITULADO, THE STARS ARE INDIFFERENT TO ASTRONOMY, EN ENERO DE 2012

2011-10-25T17:18:00.002+02:00

Ernie Records publicará en España el nuevo disco de Nada Surf, The Stars Are Indifferent To Astronomy, el 24 de enero de 2012. Los seguidores de la banda pueden bajarse ya una primera canción del álbum, “When I Was Young”, desde la web http://www.ernieproducciones.com/. The Stars Are Indifferent To Astronomy es el séptimo disco de Nada Surf y el primero con material nuevo en cuatro años.

La formación de Nada Surf sigue siendo desde hace quince años la formada por Matthew Caws (voz y guitarra), Daniel Lorca (bajo) e Ira Elliot (batería), aunque esta vez, como en if i had a hifi y su consiguiente gira, han invitado al guitarrista Doug Gillard (Guided by Voices, Death of Samantha) a unirse al grupo. Chris Shaw (Wilco, Brendan Benson, Elvis Perkins in Dearland y Super Furry Animals), que ya trabajó con la banda en la mezcla de “Always Love”, ha sido el encargado de la producción y la grabación.

A diferencia de otros discos de Nada Surf, The Stars Are Indifferent To Astronomy ha sido grabado con la intención de capturar el sonido del directo de la banda. “Siempre hemos tocado más rápido y un poco más fuerte en directo”, dice Caws, “pero en el estudio lo hacíamos con más cuidado. Así que para este álbum tomamos la decisión consciente de preservar lo que se siente en el local de ensayo al tocar con esa energía de las canciones nuevas. Simplemente aceptarlo y no preocuparnos por si nos estamos pasando, no pensarlo demasiado”.

Los tempos son altos, pero las canciones están cargadas de melodías contagiosas, cambios asombrosos y los geniales puentes característicos de Nada Surf. El oído atento percibirá la influencia de muchas bandas, desde el pop británico de los 60 al post-punk o el indie más clásico, pero aun así hay un inconfundible sonido de Nada Surf: el impulso de la sección rítmica, los acordes introspectivos y el peso emocional único de la voz de Caws, a la vez juvenil y llena de alma, una combinación de sabiduría y vulnerabilidad.

Nada Surf habían grabado todos sus discos menos el primero fuera de Nueva York, pensando que así evitarían las distracciones. Pero si quieres conservar la energía del local de ensayo ¿por qué no grabar en el local de ensayo? Así que para The Stars Are Indifferent To Astronomy se instalaron en el lugar donde ensayan, en el loft de Daniel Lorca en Williamsburg, Brooklyn. El lugar se llama “The Sitcom” porque recibe con regularidad la visita de un pintoresco reparto de personajes y alberga fiestas legendarias. Aunque hubo algunos problemas: “No podíamos grabar las voces de noche porque se colaba la música del bar de debajo”, dice Caws.

“Hacer este álbum ha sido un gran placer, es la vez que mejor nos lo hemos pasado con un disco”, continúa Caws. “Durante muchos años escribía sólo si tenía algún problema en mi vida y necesitaba dejarlo atrás, pero esta vez quería superar lo de escribir sólo sobre mí. Esa nueva perspectiva, para mí, ha sido el motor para hacer este disco”.

The Stars Are Indifferent To Astronomy continúa la idea de la música como una realidad alternativa y las canciones como algo que puedes tener a tu lado como inspiración y apoyo. Que es lo que hace de Nada Surf una banda realmente querida.

Sala & The Strange Sounds estrenan videoclip‏

2011-10-24T19:35:00.002+02:00

El pasado 08 de octubre Sala & The Strange Sounds estuvo actuando en la sala Heineken de Madrid. Llegando al final del concierto el grupo ofreció en exclusiva al público que había acudido a verles la proyección de su nuevo videoclip del tema “No Way”, single de su próximo álbum que verá la luz en febrero de 2012. Después, el grupo tocó el tema en directo y todos los asistentes pudieron participar en el quitándose la bolsa de la cabeza.

En un mundo en el que cada vez mas habitualmente somos tratados como un simple numero sin rostro, Sala & The Strange Sounds nos invitan a rebelarnos, a liberarnos, a quitarnos la bolsa de la cabeza.

VETUSTA MORLA, ALEJO STIVEL (EX TEQUILA), RED HOUSE Y ANNI B. SWEET CIERRAN ESTA SEMANA ALTERNATIVAS EN CONCIERTO 2011‏

2011-10-24T19:19:00.002+02:00

La Comunidad de Madrid apuesta, por séptimo año consecutivo, por el ciclo ‘Alternativas en concierto’, junto con la Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes-AIE y La Noche en Vivo (Asociación de Salas de Música en Directo de la Comunidad de Madrid). Este proyecto persigue dos objetivos: el reconocimiento de los artistas consagrados a la labor que las salas de pequeño y mediano aforo hacen por la música en vivo de nuestra Comunidad; y promocionar a los artistas emergentes, que actualmente se encuentran rodando en el circuito de salas, tocando con una gran figura y beneficiándose de la promoción y el poder de convocatoria del artista consagrado que les acompaña.

La séptima edición, que se celebrará del 13 al 30 de octubre, hace coincidir en los escenarios a artistas y grupos ya consagrados, con otros emergentes a los que dan ‘la alternativa’: Los Brincos a Metropop (jueves 13), Cooper a Zipper (sábado 15), Vinila Von Bismark & The Lucky Dados a Void Camp (martes 18), Söber a 20 Segundos (jueves 20), Red House a Vucaque (viernes 21), Mastretta a Jazz Lemon (sábado 22), Vetusta Morla a Martin Page & The Polaroids (miércoles 26), Alejo Stivel (Ex Tequila) a 84 (jueves 27), Red House a Susan Santos (viernes 28) y Anni B. Sweet a Tuya (domingo 30).

De las salas que actualmente integran La Asociación de Salas de Música en Directo de Madrid, La Noche en Vivo, diez participan en ‘Alternativas en concierto 2011’: Segundo Jazz, Siroco, Taboo, Silikona, Reciclaje, Espacio R, Costello Nite&Club, Ritmo y Compás, Tempo Club y Búho Real.

VII EDICIÓN DE ALTERNATIVAS EN CONCIERTO.
Conciertos del 26 al 30 de octubre

Miércoles, 26 de octubre – COSTELLO NITE&CLUB – 21:00H
VETUSTA MORLA + MARTIN PAGE & THE POLAROIDS
ENTRADAS AGOTADAS

Jueves, 27 de octubre – RITMO Y COMPÁS – 21:00H
ALEJO STIVEL (EX TEKILA) + 84
ENTRADAS: http://www.entradas.com/entradas/evento.do?idEvento=206973

Viernes, 28 de octubre – TEMPO CLUB – 21:30H
red house + susan santos
ENTRADAS: http://www.entradas.com/entradas/evento.do?idEvento=206714

Sábado, 30 de octubre – BÚHO REAL – 21:30H
ANNI B. SWEET + TUYA
Entradas: http://www.entradas.com/entradas/evento.do?idEvento=206975

PARA TODOS LOS CONCIERTOS:
Precio de las entradas: 8€ anticipada en http://www.entradas.com/ // 10€ en taquilla.

Toda la información en: http://www.lanocheenvivo.com/

NOWHERE BOY: LA GÉNESIS DE UN MITO.

2011-10-24T17:27:00.002+02:00

Un mito, ¿nace o se hace?, porque más allá de la persona que construye sobre sí misma una leyenda, cabría hablar del espectro que sobre ella es capaz de tejer la sociedad, difuminando la distancia que separa al personaje de la persona. En este sentido, la mitomanía inherente al ser humano, e imperante de manera enfermiza a partir del siglo XX con la llegada de la sociedad de consumo, ensalza mitos con la misma facilidad que los derriba, y esa es una de las características que no deberíamos pasar por alto a la hora de acercarnos a la vida y milagros de cualquiera de las personas a las que se cataloga con dicho término. En el caso que nos afecta, Nowhere boy nos narra el inicio de la historia de uno de esos personajes que formarán parte del olimpo de los elegidos para no ser olvidados, porque tuvo el don de pertenecer a una nueva cultura que a través de la música, transformó la sociedad y las costumbres del mundo que le tocó vivir. John Lennon podría ser catalogado como un rebelde con causa, en el sentido, que su vida desde su infancia, fue una lucha entre sus recuerdos, sus sentimientos y la situación familiar que le tocó vivir. Acogido por su tía, pero abandonado por sus padres, a medida que se fue haciendo mayor no acabó de encajar en el puzzle de piezas rotas que era su existencia. La ausencia de las figuras paternas, desencadenó en una rebeldía que comenzó en el colegio, y que en su primera juventud, le llevó a adoptar una pose altiva, chulesca y siempre a la defensiva ante todo aquello que se enfrentaba, ya fuera una canción, una chica o una nueva relación de amistad.

Esta película retrata muy bien esa génesis del genio, justamente anterior a lo que luego fue la archiconocida historia de The Beatles, porque en Nowhere boy, vemos a un John Lennon que aprende a tocar la guitarra mientras marcha perdido en pos de la búsqueda de su propia identidad. En ese camino que le llevará a intentar resolver su primera incógnita, naufragará en la búsqueda de encontrar un sustento anímico y sentimental por parte de los suyos. La muerte de su tío George primero y la rigidez de su tía Mimi después, le dejarán el camino libre hacia la búsqueda de su propia identidad a través de su madre, pero una vez que la encuentra, tampoco le resultará fácil dejarse llevar por la inercia propia entre madre e hijo, que sobre todo al principio, irá encorsetada en los ritmos del rock’n’roll de Elvis Presley y Jerry Lee Lewis. Una música que acercará a madre e hijo de una forma nada maternal, pero que llevará a Lennon a encontrar en la música una salida para dar rienda suelta a los demonios que le recorren la cabeza, y que como una bomba, saltará por los aires el día que descubre la verdadera historia de adopción por parte de su tía.

Sin embargo, el gran duelo interpretativo de la película se produce entre las dos mujeres que luchan por la custodia del joven Lennon, con una acertada y contenida Kristin Scott Thomas en el papel de Mimi Smith (tía de Lennon) y una exuberante y vehemente Anne-Marie Duff en el papel de Julia Lennon (madre biológica del cantante), sin duda lo mejor del film en el apartado actoral, en el que tampoco desentona Aaron Johnson en el papel de John Lennon. Del mismo, modo cabría decir que tanto el guión de Matt Greenhalgh (basado en la memorias de la hermanastra de Lennon, Julia Baird), así como la escenografía elegida por la directora, Sam Taylor-Wood, y el tono sosegado aunque trágico en el que se enmarca todo el largometraje, contribuyen a dar unas mayores dotes de veracidad a la historia que se nos cuenta, que sobre todo, para aquellos fans de los Beatles que desconocieran cómo era la vida de uno de los componentes del grupo antes de que se convirtieran en una leyenda, a buen seguro les ayudará a componer el rompecabezas de uno de sus grupos favoritos, y a entender cómo fue la génesis de un mito.

Reseña de Angel Silvelo Gabriel

SECOND CONVIERTE EN UN GRAN FIESTA REPLETA DE BUENA MÚSICA EL INICIO DE LOS CONCIERTOS RETRATOS MAHOU 2011.

2011-10-21T19:12:00.010+02:00

Todos aquellos que llevamos varios años siguiendo la trayectoria de este grupo murciano, nunca hemos dudado de su potencial y de las grandes posibilidades de su música, pero por si todavía teníamos alguna duda, ayer dieron el salto definitivo hacia el lugar donde se encuentran los mejores grupos (indies y no) de la industria musical española, porque Second, una vez más, demostraron que ganan muchos enteros en los espacios grandes que normalmente no frecuentan en los circuitos de las salas de conciertos del territorio patrio. Energía, contundencia, presencia (mucha presencia) y una brillantez arrolladora, son sólo algunos de los calificativos con los que cabe definir el proyecto cada vez más maduro de este grupo, que salvo el apoyo de la parafernalia de un buen juego de luces o de una pantalla gigante que nos vaya exponiendo imágenes de sus vídeos o instantáneas que sean del agrado de aquellos que van a sus conciertos, lo tienen todo. Ayer, Second, en esa desnudez de guitarras, bajo, teclados, batería y voz, capitaneados por ese gran cantante que es Sean Frutos, volvieron a salir victoriosos ante un nuevo reto, que como siempre, ellos afrontaron con total naturalidad y dotes de cercanía con su público a la hora de ejecutar sus temas, que como un álbum de fotos sonoro, compartieron con los asistentes como si los allí congregados fuésemos una parte más de la familia. Y disfrutamos de canciones hechas para soñar y recordar, porque ese es el poso de los grandes grupos y las grandes canciones que Second atesora. Al final del concierto el buen ánimo general fue tan entusiasta, que todo el mundo estaba esperando con gran expectación su próximo concierto el 16 de diciembre en Murcia (donde grabarán su primer disco en directo para celebrar sus quince años de carrera), y como no, el concierto del FNAC Festival que se celebrará en Madrid el próximo 27 de diciembre en Palacio de Deportes de Madrid, donde compartirán cartel con Amaral, Love of Lesbian o Iván Ferreiro, entre otros.

Second dividió ayer su concierto en tres partes, dos eléctricas y una acústica, que se convirtieron en un enorme regalo de cara sus fans. En este sentido, todo comenzó con la fuerza arrolladora de Mañana es domingo, un tema al que siguió el ritmo potente de A las diez, que se detuvo cuando Sean se dirigió al público por primera vez con un ¡Hola Madrid! somos Second, en el inicio de Demasiado soñadores, y que a Sean le sirvió para romper el hielo que Fran Guirao ya había fundido desde el inicio del concierto cuando se puso en pie sobre su batería a modo de estandarte. El ritmo del setlist cambió cuando tocaron Muérdeme con un inicio mucho más atmosférico e inquietante para una magnífica canción, al que siguió un espléndido punteo de guitarras (de Javi y Jorge), convirtiendo a esta historia de rendición en la primera canción ampliamente coreada por el público que canta la letra a pies juntillas, y que es el complemento perfecto de una canción épica y recurrente del mejor sonido de Second, que finaliza con unos magníficos coros, preludio de un rotundo final que les permite atacar el primer tema de su tercer álbum Invisible, Horas de humo, donde ya se aprecian las señas de identidad más que evidentes del grupo, aunque con un sonido menos contundente, pero que acaba con un entregado Jorge de rodillas sobre el escenario tocando la guitarra a modo de veneración hacia su entusiasta público.

Al inicio de En pequeñas cosas, Sean nos recuerda que aunque no es una de las canciones habituales en sus conciertos, sí es una de las elegidas por los fans a través de Facebook para que la toquen, y para no defraudarlos, ellos la inician con una contundente demostración de batería por parte de Fran, a la que siguen los ecos de la guitarras, que esta vez sí, nos retrotraen hasta Depeche Mode (grupo del que ya fueron teloneros). Este tema se convierte en un magnífico ejemplo del buen dominio que el grupo tiene sobre los medios tiempos épicos y rompedores que nos traen los ecos de las mejores canciones de los años ochenta, y que les sirve para enlazarla tras un largo inicio con Psicopático, donde una vez más, el ritmo del concierto sube y sube sin parar con toda la platea del teatro puesta en pie y dando palmas. Un tema, en el que Sean hace las delicias de sus fans con un baile psicopático dando vueltas sobre sí mismo, como exponente de una canción nuevamente eléctrica, potente y muy aplaudida. De ahí nos fuimos al Mar del Plata con De Buenos Aires (donde se produjo la anécdota de la noche), y que supuso el regreso a un sonido más eléctrico de guitarras que consigue trasladarnos de nuevo a ritmos que juegan una y otra vez a hipnotizar nuestros oídos y nuestros sentimientos en un bucle sinfín, donde de nuevo sobresale la magnífica voz de Sean, tan contunden con su instrumento vocal como el resto de los componentes de la banda con el suyo propio.

Rincón exquisito es el primer gran hit de la noche que sale a escena, y que todo el mundo canta de la primera a la última estrofa. Una canción pop, que es capaz de poner de acuerdo a todos los asistentes, pues se levantan de sus asientos y de pie en sus asientos corean la canción con un unánime manos arriba (de aplausos) al que Second responde con apabullante directo que acaba en acapella con Sean sentado en el borde del escenario junto al resto del grupo. Y de un hit al siguiente, porque casi sin solución de continuidad suenan las notas de N.A.D.A., uno de los temas más emblemáticos de la banda murciana, que se inicia con un tenue sonido de teclados que enseguida sube hasta el infinito en una nueva demostración de fuerza y de garra. Una canción que admite múltiples interpretaciones, y por ello, se hace grande, lo que supone la demostración de la madurez compositiva de José Ángel Frutos (Sean), que en este último álbum demuestra sus grandes dotes como letrista. Autodestructivos y sus notas que rinden pleitesía a los sonidos electrónicos de los grupos españoles de los años ochenta, es el final de la primera parta eléctrica de un concierto, donde sobresale un inmenso (en lo musical y en lo humano) Nando Robles; una contundencia que lleva al público a convertir al teatro en una gigantesca pista de baile, que termina con Fran apoyando con sus baquetas los aplausos del público, que culmina con un final muy psicodélico que nos recuerda a los Stone Roses.

La parte acústica, uno de los regalos que ayer nos ofrecieron Second, se inició con el tema Conocerte y con Sean a la voz y la armónica, en una pose que resucita en nuestros corazones la leyenda de los cantantes malditos, y al que acompañan el brillo de la guitarras acústicas de Javi y Fran que nos rasgan una vez más los sentidos de los allí presentes que estamos expectantes ante este nuevo formato de Second. Sometimes es una canción de su segundo disco Pose, y que por ende, hace las delicias de sus seguidores más veteranos. Una canción que cantan en inglés y que nos recuerda al Morrissey sin los Smiths, lo que no deja de sorprendernos, pues Second posee esa versatilidad de recuperar sonidos y sensaciones de otra época, lo que les hace sencillamente magníficos y que el público despide al son de ¿esos murcianos! Her Diary es la siguiente en sonar en el gran escenario de los Teatros del Canal, y se muestra como la cómplice perfecta entre estos magos de las cuerdas (vocales y de las otras) y un público que se entrega a la pureza de una voz que gana muchos enteros en este formato acústico. En el viaje es otra de la canciones votada en el Facebook por sus fans, y que a pesar de ser una de las canciones que no suelen tocar en directo, se adapta perfectamente al formato acústico, pues sus combinación de sonidos jazzies y de bossa nova la hacen propicia para dejarla bien guardadita en el cajón de los buenos recuerdos, donde también podemos guardar Tu alrededor, una canción que posee un gran carga de melancolía y ensoñaciones de ánimos de cambio, y que tiene ese tono de final de algo, como el final de los veranos o de las historias de amor, y en la que Sean salta del escenario y recorre todo el patio de butacas ofreciendo su micro al público para que cante el estribillo. Un público entre el que se encuentra su hermana Maryan Frutos (también con grupo denominado Kuve) y que hace las delicias de los asistentes con su gran chorro de voz.

El regreso al formato eléctrico es también el comienzo del fin. Un final que se inicia con el tema Más suerte; una canción repleta de atmosferas envolventes que da paso a Invisible para poner el cuentakilómetros a cien, y que sirve de presentación al gran descubrimiento de la noche, que no es otro que Watching the moon; una canción de su primer álbum que nos devuelven al territorio de los sonidos oscuros y a que Morrissey vuelve a colarse por el patio de butacas de los Teatros del Canal, con unas espléndidas guitarras que suenan a otro tiempo. Sin duda, un tema con una gran dimensión y una profundidad dignas de alabanza. ¡Qué gran viaje en el tiempo! que como una manta sonora de gran intensidad lo cubre todo, sensaciones y recuerdos; y que da paso a Rodamos, otro gran hit con el que acostumbran a despedir sus conciertos, y donde todo el mundo abandona sus butacas para ponerse a bailar delante del escenario. En resumen, un gran concierto que se convirtió en una gran fiesta, sí, pero de la buena música. En tiempos de crisis y temores como los que vivimos, se me ocurre una pregunta ¿Cuándo podremos devolver a estos músicos los buenos momentos que nos hacen pasar en cada concierto?

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

Alfaguara publica "El libro de las horas contadas" de José María Merino.

2011-10-20T17:58:00.003+02:00

La nueva obra de José María Merino se lee de un tirón, atrapa al lector en una tela de araña hilvanada con una imaginación desbordante, donde la realidad no es lo que parece y donde lo cotidiano se mezcla con lo fantástico con asombrosa facilidad.

El libro de las horas contadas puede leerse como una sucesión de cuentos, unidos por un hilo común que los recorre. El escritor deja fluir todo aquello que le viene a la cabeza y es así como surgen un conjunto de historias fantásticas de una hondura delirante, que resaltan lo que de existencialista tiene lo doméstico y lo ordinario. Son minicuentos, algunos apenas unas píldoras, donde transgrede la realidad, que se convierte en materia fantástica. Muchos de ellos hacen referencia a recuerdos soñados, a la transición entre el sueño y la vigilia, un tema recurrente en la obra de Merino.

Aparecen ante el lector relatos sorprendentes, en ocasiones perturbadores, donde la muerte a menudo hace acto de presencia, aunque eso no signifique que sea tratada como un factor negativo. El autor ahonda en la idea de que hay otras realidades además de la nuestra y en ocasiones le da la vuelta como si fuera un calcetín.

José María Merino (A Coruña, 1941) residió durante muchos años en León y vive en Madrid. Comenzó escribiendo poesía y se dio a conocer como narrador en 1976 con Novela de Andrés Choz, libro con el que obtuvo el Premio Novelas y Cuentos. Lo escurridizo de la identidad, sus conexiones con el mito, el sueño y la literatura, y muchos elementos de la tradición fantástica, caracterizan su obra narrativa. Su novela La orilla oscura (Alfaguara, 1985) fue galardonada con el Premio de la Crítica. Además, ha recibido el Premio Nacional de Literatura Juvenil (1993), el Premio NH para libros de relatos editados (2003) y el Premio Salambó (2008). En Alfaguara ha publicado, entre otros, la trilogía novelesca Las crónicas mestizas, así como las novelas Las visiones de Lucrecia (1996), Premio Miguel Delibes de Narrativa; El heredero (2003), Premio Ramón Gómez de la Serna de Narrativa; El lugar sin culpa (2007) premio de narrativa Gonzalo Torrente Ballester, y un volumen que recoge sus libros de relatos, Historias del otro lugar (2010). Es miembro de la Real Academia Española.

"CONTRA EL VIENTO DEL NORTE" DE DANIEL GLATTAUER SE ESTRENA EN EL TEATRO.‏

2011-10-20T17:32:00.002+02:00

El fenómeno editorial provocado por la publicación de Contra el viento del norte del autor austríaco Daniel Glattauer va a ser llevado al teatro. La compañía Tanttaka Teatroa estrena mañana jueves la obra de teatro basada en la novela en el Teatro Arriaga de Bilbao, desde donde comenzará una gira de 30 funciones que llevará la obra por toda Euskadi. El montaje, que lleva el título del libro “Contra el viento del norte”/”Ipar haizearen contra”, con adaptación de Daniel Glattauer y Ulrike Zemme, se estrena mañana jueves en euskera y el viernes en castellano. La dirección corre a cargo de Fernando Bernués, la escenografía es de José Ibarrola y los intérpretes son Joseba Apaolaza, Itziar Atienza y Kike Díaz de Rada.

La obra basada en Contra el viento del norte se ha estrenado con la misma adaptación en 23 teatros de las principales ciudades de Alemania, Austria y Suiza con gran éxito de crítica y de público. Muy pronto esta adaptación se llevará también a los teatros de Italia, Polonia, Eslovaquia y Eslovenia.

Contra el viento del norte y su segunda parte, Cada siete olas, se ha convertido en un auténtico fenómeno editorial. Traducidos a 37 lenguas, los dos libros han vendido más de 2.500.000 de ejemplares en toda Europa. Contra el viento del norte es una obra que rescata y refresca el género de la novela romántica epistolar a través de un espléndido manejo de la acción y un cuidado estilo que resulta a la vez literario y coloquial. A lo largo de la novela se tratan temas como las fronteras entre la amistad y el amor, el intento de reprimir los sentimientos, la infidelidad, los celos y la búsqueda de la felicidad. Emmi Rothner quiere dar de baja la suscripción de su madre a una revista cuya calidad ha bajado drásticamente, para lo que se dirige por correo electrónico a la editorial. Enfadada por la falta de respuesta, sus e-mails son cada vez más furibundos. Hasta que un día recibe respuesta de un tal Leo Leike, cuya dirección sólo se distingue en una letra de la de la editorial. El incidente cae en el olvido hasta que, en Navidades, Leo recibe una felicitación destinada a los clientes de Emmi, a la que responde con un ingenioso mensaje. A partir de entonces, alimentado por la curiosidad, comenzará un intensivo intercambio electrónico en el que irán descubriéndose el uno al otro.

El autor, Daniel Glattauer, nació en Viena en 1960. Desde 1989 colabora para el periódico austriaco Der Standard. Es autor de varias obras, entre ellas, Der Weihnachtshund, Die Ameisenzählung, Darum y Die Vögel brillen; pero su gran éxito es Contra el viento del norte y su segunda parte, Cada siete olas, ambas publicadas por Alfaguara.

ÁNGEL SILVELO ES FINALISTA DEL III CONCURSO DE MICRORRELATOS SOBRE ABOGADOS EN EL MES DE SEPTIEMBRE.

2011-10-19T21:11:00.004+02:00

Después de no haber conseguido pasar el corte de los seleccionados en este aguerrido concurso durante los últimos meses, de nuevo he conseguido ver publicado mi último micro en la lista de los finalistas del mes de septiembre. Aunque sé que no ganaré, al menos esta vez, veo recompensado el esfuerzo al que uno se somete cada vez que tiene que componer en 150 palabras un micro a partir de las cinco palabras que los organizadores te proponen.

Como siempre os lo cuelgo para leerlo.

Saludos .

MI SOLÍCITO DESEO
Mi mujer me ha prometido un premio si me curo pronto del catarro. Pero ella está tan metida en su propia jurisdicción que no se da cuenta que a mí no me interesan sus regalos. Yo sólo deseo que me haga caso, porque siempre tengo que competir con sus proyectos y sus correspondientes reformas. No sé para qué se casó conmigo o hizo la carrera de derecho, porque se pasa las noches tecleando delante de su ordenador, mientras yo me tengo que conformar con verla reflejada en la sombra que la bombilla de su despacho emite sobre la pared del pasillo. Ni mi tos, ni mis anhelos, la sacan de su togado ensimismamiento. Y sus promesas, como las de los personajes de sus novelas de abogados, de nuevo se incumplen, porque las absoluciones se convierten en condenas, y los plazos se pierden en el olvido, como mi solícito deseo.

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

LA CAÍDA DE LOS DIOSES, ADAPTACIÓN TEATRAL DE TOMAZ PANDUR: UNA METÁFORA ESTÉTICAMENTE INTENSA SOBRE EL FIN DE LA HUMANIDAD.

2011-10-17T09:19:00.004+02:00

"La moral individual ha muerto”. Esta es una de las frases que el espectador puede leer en la gran pantalla que hay detrás del escenario, que como una boca muda expulsa mensajes y proclamas al modo multimedia de cualquier macro concierto musical, y que junto a la música de Wagner, interpretada por el pianista Ramón Grau, inunda de una atmósfera intrigante la Sala 1 del Matadero Naves del Español. Una intriga que con el transcurso de la trama se vuelve codicia, frialdad y odio, y que como un reflejo maldito de la condición humana, se traslada por todos y cada uno de los personajes de esta metáfora estéticamente intensa sobre el fin de la humanidad, que se muestra tan poderosa, que tampoco se detiene ante los corazones invadidos por la sensibilidad del arte. En este viaje a los infiernos teñido de blanco, negro y rojo, la escenografía y puesta en escena cobran un papel determinante, y logran trasladar esa atmósfera cinematográfica a algo que no lo es, y lo hacen de una forma efectiva y estimulante a través de una gran pantalla de fondo, un gigantesco espejo en el techo que nos devuelve el reflejo de los personajes sobre el escenario y que se comporta como un gran cielo abierto por donde se escapan y cubren todas las perversiones del ser humano, y una cinta transportadora en el centro del escenario, que hace las veces de un original travelling de un montaje arriesgado y dinámico, pero espectacular.

La caída de los dioses de Pandur es profundamente visual y estética, lo que supone un mérito a la hora de presentarnos esta derrota de la condición humana. Este planteamiento, proporciona a la historia que se nos cuenta, las virtudes y defectos de todo gran espectáculo, en donde ese fogonazo de luz y de lujo, es un magnífico espejo que nos refleja la aparente imposibilidad de tener más, porque como nos recuerda la gran pantalla: “los Essenbeck era una familia que lo tenía todo”. Entonces, ¿qué hay detrás de ese majestuoso TODO? Y es ahí, en ese terreno de las tinieblas del ser humano, donde Visconti se sumergió en su día, y donde Pandur nos muestra la fría destrucción de una familia que es la de todo un pueblo, y por ende, la de toda la humanidad, que impregnada de la brillantez totalitaria de los grandes escenarios públicos y privados, cae rendida ante el lujo de la sobre exposición de los grandes ideales. Esa ceguera universal, envuelta en el brillo del lujo y las lentejuelas, pasa inadvertida para todos, ciudadanos de a pie y mentes privilegiadas, que como una masa amorfa caen rendidos ante la pseudo magnificencia del Estado totalitario, para hacer certera la expresión de “la moral individual ha muerto”.

En ese terreno perfectamente abonado para que el odio nazca como arma política, hay un mundo paralelo de excesos, que como un bailarín a su pareja, marchan unidos a los grandes movimientos sociales, y así, la homosexualidad masculina o las relaciones incestuosas entre madre e hijo son un apoyo más del hedonismo que como un arma arrojadiza, Visconti emplea para remover las conciencias de la sociedad que le tocó vivir, porque su misión es la de marcar una “no” indiferencia. Del mismo modo, que Pandur de una forma brillante e inteligenteintroduce en la obra el personaje de Janek (Emilio Gavira) alter ego del propio Visconti y que Pandur emplea como hilo conductor de toda la obra, amén de servirle de homenaje al cineasta y al mundo del cine, que como un atrezo más, narra, dirige y nos acercar ese mundo del cabaret y music-hall (brillante sus dos interpretaciones musicales) como una demostración más del lujo y del hedonismo ya expuestos. En este sentido, Emilio Gavira, es sin duda, una pieza clave dentro de este montaje de la obra de Visconti, pues su sola presencia en el escenario hace que la misma se vuelva más cercana, sincera y verdadera, porque nos lleva al escenario todo el entramado que transcurre detrás de la escena. Un Emilio Gavira, que es acompañado por un buen elenco de actores (veteranos unos y nobeles otros) que ante la ausencia de largos textos, exponen sus dotes interpretativas de una forma muy gestual, y en donde las posturas, las miradas y ese movimiento ralentizado de sus brazos son un elemento más de la forma tan visual de ver la obra. Y hay que decir, que de ese esfuerzo, salen victoriosos ante el reto que Pandur les ha ofrecido, y en el que destacan la ceremonial y erguida postura de una Belén Rueda que se muestra magnífica en la escena final de la obra con una transformación que te arrastra y no te deja indiferente y que nos hace ver con luz y taquígrafos su más que prometedora progresión en el campo de la interpretación. Una Belén Rueda que tiene enfrente a su hijo, Pablo Rivero que defiende su papel de manera solvente, y lo mismo cabe decir de Manuel de Blas o el malvado Fernando Cayo.

En definitiva, Visconti y su mundo, que cargado de una poderosa carga política, Tomaz Pandur ha visto de una forma brillante, pues ha sabido rodearse para rendirle homenaje a este gran artista italiano, de una gran montaje, un espectacular escenario y un buen elenco de actores.

Postdata: no se pierdan antes de entrar a ver la obra, la exposición fotográfica de Aljosa Aleksej Rebolj titulada “Escultura de Tiempo”, sobre las imágenes de la obra.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

RYUICHI SAKAMOTO, PRESENTA SU LIBRO AUTOBIOGRÁFICO Y SU GIRA ESPAÑA / PORTUGAL - NOVIEMBRE 2011

2011-10-14T18:25:00.004+02:00

Ryuichi Sakamoto realizará una gira en formato de trío, con violín y cello (Jacques Morelenbaum), en la que ofrecerá un repaso a su carrera, incluyendo sus famosas bandas sonoras y composiciones más recientes.

NOVIEMBRE DE 2011
Martes 15 – Madrid
Teatro Arteria Coliseum
www.arteria.com
Entradas:www.arteria.com www.entradas.com www.elcorteingles.es

Miércoles 16 – Cartagena
Festival de Jazz
www.jazzcartagena.com
Entradas: www.ticketmaster.es

Viernes 18 – Barcelona
Festival de Jazz - Palau de la Música
www.barcelonajazzfestival.com
Entradas: www.telentrada.com

Domingo 20 – Valladolid
Auditorio Miguel Delibes
www.auditoriomigueldelibes.com
Entradas: www.auditoriomigueldelibes.com

Lunes 21 – Lisboa
Fundacao Calouste Gulbenkian (Grande Auditorio)
www.musica.gulbenkian.pt
Entradas: www.bilheteira.gulbenkian.pt

En 1996 Sakamoto lanzó un disco con el nombre “1996” con arreglos para piano, cello y violín. El disco incluía repertorio nuevo así como nuevos arreglos de su repertorio. La grabación la realizó con su eterno colaborador Jacques Morelenbaum al cello y Everton Nelson al violín. Tras el lanzamiento del disco, el trío realizó una extensa gira fascinando a las audiencias por todo el mundo.

Ahora en 2011, Ryuichi Sakamoto ha recuperado el formato trío para realizar una gira por Europa en noviembre con un repertorio que incluirá nuevas composiciones, así como sus clásicos de toda la vida y sus grandes bandas sonoras de películas como El Último Emperador, Feliz Navidad Mr. Lawrence o El Cielo Protector, acompañado de nuevo por Jacques Morelenbaum al cello y un nuevo violinista. Como suele ser habitual en los conciertos de Sakamoto, habrá una cuidada puesta en escena basada en un elaborado diseño de iluminación.

La gira coincidirá además con la publicación en España de del libro Ongaku wa jiyuu ni suru (La música os hará libres), la primera autobiografía de Ryuichi Sakamoto. Una oportunidad única de poder disfrutar de uno de los músicos más extraordinarios de nuestro tiempo.

Altaïr presenta un libro muy especial y una gran novedad editorial. La música os hará libres es la autobiografía de Ryuchi Sakamoto. El músico va a la esencia de su vida y la relata sin adornos. Rememora seis décadas de existencia con un estilo directo que destila delicadeza y sensibilidad, y la franqueza de quien quiere comprenderse a sí mismo. Ryuichi Sakamoto toma la música como hilo. Desde su primer contacto casi casual con un piano, en el parvulario, va desplegando un amplísimo abanico de influencias, que luego aflorarán en su heterogénea obra, en una carrera tan rica como diversa. Con naturalidad, se suceden sus estudios universitarios, sus inicios como músico, sus primeros pasos en su carrera en solitario, en paralelo con su incorporación en la Yellow MagicOrchestra, el grupo que lo llevaría a sus primeras giras mundiales. También relata sus primeros pasos en el mundo del cine, en el que se inició como actor y luego como compositor con dos directores de la talla de Nagisa Oshima y Bernardo Bertolucci, en sus películas Feliz Navidad Mr. Lawrence y El último emperador. No deja de lado su itinerario vital, que le ha llevado a vivir en Nueva York y a presenciar en directo el 11-S. Tampoco, su activismo social. Todo aparece con naturalidad, después de interrogarse sobre cómo se encontró allí, a veces casi sin quererlo. El libro parte de un extenso diálogo con el editor de la revista japonesa Engine, que se publicó en sucesivas entregas a lo largo de dos años.

Ryuichi Sakamoto (Tokio, 1952) ha explorado todo el universo musical, desde las melodías populares de Okinawa a los futuristas italianos, su adorado Debussy, el minimalismo y la bossa nova. La primera formación en la que participó, la mítica Yellow Magic Orchestra, fue pionera en la música electrónica. Ha compuesto piezas para piano, un concierto para orquesta, una ópera, y participó en la apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona. También ha colaborado con músicos como Tom Jobim, David Byrne, Iggy Pop o Youssou N’Dour. Además de participar como actor, compuso la música de las películas Feliz Navidad Mr. Lawrence de Nagisa Oshima y El último emperador de Bernardo Bertolucci. También ha colaborado con los directores Pedro Almodóvar, Oliver Stone, Brian De Palma o Alejandro González Iñárritu. Su larga carrera le ha reportado un Oscar, dos Globos de Oro, un Grammy, un premio de la MTV y muchos más reconocimientos internacionales.

AMARAL, HACIA LO SALVAJE: AULLIDOS DE CAMBIO.

2011-10-12T21:40:00.003+02:00

Como un animal herido que huye a través del bosque, así es como Amaral se ha planteado su nuevo disco. El escritor Benjamín Prado define este disco como “doce canciones en las que se puede confiar”, pero antes de hacer esta contundente aseveración, nos plantea lanzar una moneda al aire para descubrir de qué lado caen cada uno de los temas de este Hacia lo Salvaje, en los que encontramos alegrías y tristezas, euforias y decepciones, en una suerte de enfrentamientos ciclotímicos. Pero por encima de cualquier consideración más o menos erudita, o más o menos musical, lo que queda claro nada más escuchar la primera canción de este disco (justo la que da título al álbum) es la intención de Juan y Eva de ir hacia otros territorios, sin por ello dejar de manejar las señas de identidad que los han hecho grandes. Y tanto el uh, uh, uh, uh de Eva nada empezar la canción como el primer verso de la canción: "Ella fue la primera de sus hermanas en huir", así nos lo indican. Ahora queda por definir ese espacio o lugar hacia el que se quieren dirigir con sus nuevas canciones, que en el caso de Hacia lo Salvaje es una incursión hacia el pop más contundente con tintes folk que hacen ganar enteros a su carta de presentación. Sin embargo, la primera gran canción de este álbum es Antártida, con una secuencia inicial de guitarras verdaderamente admirable, pues te hacen mover los pies nada más oírlos, y que nos recuerdan a esos planteamientos de búsqueda que se encontraban en las canciones de los ochenta, donde la espontaneidad creativa era la verdadera musa.

Los medios tiempos se agarran con fuerza a Si las calles pudieran hablar con una historia de caída desde lo más alto, y que nos recuerda con más fuerza a anteriores composiciones del grupo; que se torna en otra demostración de fuerza en Esperando un resplandor que muy podría ser uno de los próximos singles del álbum, pues estamos ante una canción donde se unen y fusionan muy bien las guitarras de Juan y la voz de Eva. Una fuerza que se torna en íntima y tortuosa en la brillante Robin Hood, donde la letra de la canción nos devuelve a los territorios de los personajes perdidos, que en esta ocasión, están perfectamente adornados por una guitarra acústica que nos susurra las derrotas al oído de una forma directa. Con Riazor, un tema escrito por Juan, regresamos a esa fuerza donde las cuerdas de las guitarras buscan la contundencia de las causas perdidas y que muy bien podría servir de estandarte a este cd, y que nos lleva a Montaña rusa donde la cacofonía distorsionada de Eva resurge entre los sonidos de ese folk rock americano que tanto gusta a Amaral, pero al que ellos dotan de su propia paleta de sonidos.

Olvido es sin duda la mejor canción del disco, donde los toques de guitarra nos retrotraen hasta el gran Roy Orbison y no nos sueltan hasta el final, con una letra que sobrecoge y te agarra el hilo de los sentimientos más profundamente trágicos: Las letras, los títulos de las canciones/ El paso cambiado de las estaciones/ Me acerco al espejo, me miro y sonrío/ Mi propio reflejo cayó en el olvido, convirtiendo su transcurso en una suerte de reflejos repletos de imágenes inolvidables, “lejos del olvido”… Reflejos que se transforman en una desbandada de ilusiones rotas por el paso del tiempo en Cuando suba la marea: “ahora sé que nunca he sido tu princesa/ Que no es azul la sangre de mis venas”, que juegan muy bien en ese medio tiempo al que parecen aferrarse con fuerza Amaral en esa búsqueda de nuevos espacios donde habitar, en los que nunca les faltarán esa dosis de melancolía que también nos proporcionan en esta canción.

El último tramo de este disco comienza con Como un martillo en la pared, donde parte de la crítica cree ver ramalazos del movimiento 15M, pues justo cuando grababan el disco en los estudios O Gato Negro de Madrid, se produjo la erupción de dicho movimiento en la sociedad española. Pero lo que de verdad aquí cuenta es ese amplísimo eco de unas guitarras que se muestran como exploradores que buscan un espacio abierto tras la espesura del bosque. Si bien esa búsqueda se detiene con los dos últimos temas del disco, Hoy es el principio del final y Van como locos que se comportan como la transición de los aullidos del cambio a los que asistimos en este nuevo trabajo de Amaral, titulado Hacia lo salvaje.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

UN HOMBRE SOLTERO: LA PRECIOSISTA ESTÉTICA DE LA PÉRDIDA.

2011-10-12T10:34:00.003+02:00

A veces la vida de un hombre, se reduce a aquello que le ocurre durante un solo día. Este es el arriesgado marco narrativo en el que se ha basado Tom Ford para mostrarnos un film que gira en torno a la pérdida, el desconsuelo y la necesidad de desaparecer del mundo donde ya no se encuentra la persona amada. La estrategia que emplea el director y antiguo modisto de la casa Gucci no es nada original, pero sí lo es la forma en la que lo hace. Su personal concepto de ver y entender el cine, está presente en cada plano, donde la duración de los mismos y el lento pero efectivo movimiento de la cámara, nos hacen reposar nuestra mirada no sólo en los actores, sino en todo lo que les rodea, porque cada objeto y su elección, está perfectamente estudiados hasta el más mínimo detalle. En este sentido, Un hombre soltero es una película preciosista en lo estético y pulcra en lo sentimental, y Tom Ford se basa en ambas premisas para presentarnos este drama sentimental, donde un hombre apuesto de 52 años, profesor de Universidad y homosexual en los EE.UU. de 1962 (que se encuentran en plena crisis de los misiles cubanos) deambula a la deriva en su mundo interior. Un personaje al que da vida una magnífico Colin Flirth, que de nuevo nos da una lección de interpretación con esa aparente frialdad británica en la exposición de los sentimientos más dramáticos y profundos que merodean a la muerte de un ser querido. Este es otro de los puntos fuertes de este film, porque le hace mucho más creíble a pesar de lo grotesco de alguna de las situaciones que se nos muestran, y al que da réplica (aunque sea corta) Julianne Moore, que al igual que su compañero de reparto, está a gran altura.

Un hombre soltero está basada en la novela homónima de Christopher Isherwood, que junto a la música de Abel Korzenioswski y la fotografía de Eduard Grau, se comportan como perfectos hilos conductores de una historia que busca la belleza a través de la muerte; un viaje nada placentero, pero en el que resalta la magnífica luz que acompaña a las bellas imágenes que se nos muestran. Un cuidado planteamiento de la estética que nos envuelve en una atmósfera única y que nos hace plantearnos si de verdad puede haber tanta belleza en la desgracia. Aunque en el fondo del ser humano, lo único que de verdad cuenta son los sentimientos que como una fuerza de energía infinita, nos trasladan de acá para allá, zarandeándonos y dejándonos a merced de nuestros instintos más básicos, como en este caso es el amor, porque esta película también es una historia de amor y del camino de soledad que recorre uno de los enamorados, eso sí, envuelto en una preciosista estética de la pérdida.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

Second - N.A.D.A. con la OSRM Los Mejores (La Verdad)

2011-10-11T19:29:00.001+02:00

N.A.D.A fue el tema elegido por Second para presentarnos su último disco titulado Demasiado Soñadores. Desde que los conocimos hace algo más de dos años, siempre nos hemos preguntado qué hacía falta para que este grupo y su música llegase a un mayor número de personas. Este vídeo es una demostración que han iniciado la senda de los grandes porque aúna todo: buena música, una gran canción y la voz más personal del panorama musical español. Sencillamente increíble.

"El alumno oyente", nuevo videoclip de ALIS‏

2011-10-10T22:12:00.002+02:00

Alis presenta el nuevo Videoclip del tema "El alumno oyente" extraído del álbum "Material de disección" BMG 2011, dirigido y realizado por Ignacio Martín Lerma (ganador del Festival de Málaga por el cortometraje “Merry Little Christmas”) y cuenta con la impecable fotografía de Migue Amoedo, que ha trabajado en “La Princesa de Éboli”, “Hispania”, y en “De tu ventana a la mía”. El video ha contado con unas localizaciones de lujo, como el Aula Antonio Machado, de Baeza (Jaén), o la Imprenta Picasso, situada en Úbeda (Jaén), lugares emblemáticos – y de difícil acceso para las cámaras por su interés histórico- que recrean a la perfección la historia de la canción, guionizada por el propio Alis y Cristina Peña.

Bitcode, ganador de Red Bull Thre3Style España‏

2011-10-10T21:57:00.002+02:00

El pasado viernes 30 de septiembre se celebró en Madrid la Final Nacional del Red Bull Thre3Style en la sala The Fame. En una noche agitada y llena de sorpresas procedentes de los platos, Bitcode se hizo con el puesto vencedor tras haber demostrado cómo mezclar estilos musicales diferentes y mantener al público sin parar de vibrar y bailar en la pista de baile.

Los seis DJs procedentes de diferentes lugares de España llegaron a la cita como finalistas tras las rondas clasificatorias previas celebradas en Barcelona, Madrid y Valencia. DJ Soak (Valencia), DJ Wilor (Sevilla), DJ Pimp (Gijón), DJ Uve (Santander), DJ Fonki Cheff (Valencia) y Bitcode (Barcelona) mostraron sus habilidades haciendo bailar a una multitud entusiasmada que no cesó de moverse y de animar a los finalistas. Pero fue Bitcode el que más sorprendió al equipo de jueces, del que formó parte el MC y director de Hip Hop Life, Dobleache, quien destacó del triunfador de la noche: “Equilibrio es la palabra que mejor define a este campeón. Tocar todos los palos requeridos –destreza, selección musical, respuesta del público… - sin abusar o quedarse corto, ha sido básico para que el próximo mes de diciembre Bitcode tire a la final. Vancouver, quédate con el nombre desde ya”.

D-Beam reconocido turntablist y miembro del jurado, resume así la participación de Bitcode: “Realizo un fantastico set, elegante donde los haya, con una fuerza y carisma electrizante; su set tuvo una muy buena estructura y un grandísimo desarrollo, fue construyendo una piramide musical, una presentacion basada en la técnica y musica con voces de presentacion y acordes que rizaban el bello. Pasó de la técnica de scratch al hiphop electro y de ahí al dubstep y la electrónica, finalizando con algo de pop. Buen gusto en los cortes de melodías y el detalle de los cues con armonías dubstep. Sin duda alguna su set dejo boquiabiertos a toda la sala.”

Así, Bitcode será el representante de España en la Final Internacional de Red Bull ThrE3Style, que se celebrará el próximo mes de diciembre en Vancouver (Canadá). Allí tendrá que luchar por hacerse con el primer puesto frente a los DJs que llegarán desde países del resto del mundo.

En Red Bull Thre3Style los DJs participantes, además de demostrar la destreza con el manejo de los platos, deben buscar el límite de las posibilidades técnicas y conseguir que el público no deje de emocionarse y vibrar durante los 15 minutos que tienen a su disposición, en los que tendrán que elegir al menos tres estilos musicales diferentes.